martes, 18 de julio de 2017

"Yo no tengo registro de alguien tocando cien por ciento acústico antes que yo lo hiciera". Entrevista a con Pablo Grinjot.


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Programa N° 609. Nos visitó Pablo Grinjot. Acaba de editar La dueña de mi poesía, un disco de once canciones con preeminencia de la guitarra con cuerdas de nylon (Jazmín, Peronismo y cultura), pero donde asoman también el piano (Tren LLegando); o el formato de piano, violín y cello (Despertar); el organo (la extraordinaria Esta puede ser una canción) y el sonido clásico de banda electrica (Vanidad arrabalera, Maniquí).

"Yo compongo canciones -nos dijo en la charla que mantuvimos al aire. Me resulta más claro y más cómodo decir canción que música popular. Es decir, yo me siento integrado a una linea que incluye a los juglares y a los trovadores, que incluye las melodías y la canción alemana, la ópera italiana. Es decir, una acción melódica con texto que puede ser de cierta altura poética o puede ser absolutamente popular y cotidiana, no importa, pero hay una esencia, un objeto que cuece una melodía y un texto".

El disco viene dentro de un libro objeto -jugando con la idea de libro de poesía- como una forma de resaltar la tarea con las letras y brindar también nuevos modos de aproximación a su obra. En su interior se puede leer la intro de Daniel Melingo, quién a cada canción le escribió un comentario en formato libre ("Un poco más que un haiku", dice Pablo). No conforme con eso, hay también dos textos cortos de Macarena Moraña y del periodista Martín Graziano que ayudan a pensar. El disco libro lo editó Altopogo y se encuentra en librerías como La Coop.

La conversación giró alrededor del disco pero se expandió hacia otros lugares. La posibilidad que brinda Grinjot es la de poder reflexionar sobre el arte - no sólo sobre la música- con hondura y conocimiento. A medida que fue transcurriendo la charla apareció su vinculación a la música clásica y contemporánea, su deslizamiento hacia la música popular y, sobre todo, la información que él supo contrabandear de una zona a otra (por ejemplo, la decisión de tocar sin amplificación). Recordé, entonces, un vieja intervención suya en aquella revista de distribución gratuita llamada Inalámbrica. Tuvo un único número y estaba escrita por músicos. Pablo había escrito un texto que decía así:

"Los cantautores del Cuenca del plata se encuentran en un proceso de construcción de un estilo de canción que tiene como característica la diversidad. Resulta imposible, aún para su público, para sus críticos y para ellos mismos rotularlo, pues responde a la síntesis personal que cada uno hace de los estímulos externos e internos que recibe y genera. Reman contra la corriente, creando en primer lugar un espacio vacío en lo que se refiere al estilo, al tiempo, al contexto, para que en ese silencio explote la chispa que genere una idea sensible y original".

¿Por qué traigo al presente este texto a punto de cumplir diez años? Porque noto en Grinjot una continuidad de pensamiento que se puede apreciar en la charla que sigue abajo. En aquellos años, su lugar era preponderante a nivel musical, pero parecía secundario en cuanto al discurso público. El tiempo me hizo caer en la cuenta de que alguna de sus ideas rectoras fueron tomadas, difundidas y hasta repetidas.

Abajo va una parte de la charla desgrabada. Para lo que resta está el audio ACÁ.

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"La tradición oral -que todavía existe- fue la única tradición que la música tuvo durante miles y miles y miles de años. Cuando inventaron la escritura era para escribir algo que ya existía y no olvidartelo, pero desató una manera sorprendente de crear música que incluye todo el repertorio sinfónico, de cámara, clásico, Bach, Mozart, Bethoveen, Stravinsky, Debussy, Ravel... por nombrar algunos. Y cuando se inventó el registro fonomecánico y la reproductibilidad, bueno, ¡puff!, fue una historia nueva. Una historia que hasta permitió volver tremendamente millonarios a los artistas, por ejemplo, como uno de los posibles efectos.

- Claro.

- A mí me gusta remar contra la corriente. Me gustaría sacarle a la música esa posibilidad. No sacarla, pero recordar que no es la única posibilidad.

- ¿Cuál? ¿La de convertirse en mercancía?

- La de que solamente es pop, que solamente es reproducible. La música clásica ya no está a la vista de todo el mundo. En la música contemporánea, que sigue existiendo, están componiendo seguramente cosas increíbles, pero por ahí son conciertos para una elite de intelectuales de la música. Algunas cosas por ahí trascienden, pero la música contemporánea, la música experimental, la música más académica actual no es masivamente escuchada, pero trasciende a los inquietos compositores de otras músicas que toman de ahí alguna influencia, alguna medicina, para después crear otras cosas.

- Vos mismo.

- Yo mismo hago eso. Es una estrategia secreta: estudio música contemporánea pero mi obra no es ni clásica ni contemporánea. Hay algo que tiene un poquito que ver y es que yo aplico en mi música desde hace años (y vos lo sabés) el tocar cien por ciento acústico. En algún momento de mi vida pensé que no podía ser que toda la música fuera amplificada. Está bien amplificar música, me encanta el rock and roll, me encanta la música fuerte, pero de pronto todo era fuerte, ¡incluso lo suave! El otro día leí una conferencia que dió Juan Falú en alguna universidad del interior y lo citaba a Atahualpa Yupanqui que decía: 'Para decir te amo lo tenés que decir despacito al oído'. Si lo decís a los gritos, no sé... no me parece tan creíble.

"A nadie se le ocurre amplificar un cuarteto de cuerdas que toque a Schubert. Yo no inventé nada, pero lo llevé a la música popular. No podía creer que a nadie se le ocurriera tocar más bajito, tocar como tocás en un living o en un fogón. Hay gente que me decía: '¿Cómo vas a hacer? No se va a escuchar'. Y yo decía: 'Están locos, ¿cómo no se va a escuchar?'".

- Yo la primera vez que te vi a vos fue al aire libre en un MICA en la calle Dorrego y tocabas en formato de cámara sin amplificación. Creo que sólo la voz estaba amplificada. ¿Fuiste uno de los primeros en pensar en tocar sin amlificación? Hoy es muy común.

- No quiero ser arrogante, pero creo que fui el primero. Yo no tengo registro que haya alguien tocando cien por ciento acústico antes que yo lo hiciera. Es un poco arrogante y pido disculpas.

- Retomabas una vieja tradición.

- Si, algo que ya existía, yo no inventé nada. Yo estudiaba música clásica. No hice carrera en música clásica, pero me formé en esas obras y en esos estudios, tocaba el violín en orquestas, en ensambles...

- ¿Tocaste en el Ensamble Sudden?

- Si, soy uno de sus fundadores. Es decir, la música de cámara, tanto clásica como contemporánea, la he cultivado. He participado de cosas, no quiero decir con eso que haya hecho grandes cosas, pero la hice y soné con esos conjuntos cien por ciento acústico. No tiene sentido otra cosa, a nadie se le ocurre amplificar un cuarteto de cuerdas que toque a Schubert. Yo no inventé nada, pero lo llevé a la música popular. No podía creer que a nadie se le ocurriera tocar más bajito, tocar como tocás en un living o en un fogón. Hay gente que me decía: '¿Cómo vas a hacer? No se va a escuchar'. Y yo decía: 'Están locos, ¿cómo no se va a escuchar?'.

- Eso habla del músico clásico que de a poco se fue volcando a lo que vos llamás canción popular, ¿no?

- Si, popular como estilo artístico, no porque llegue a tanta gente y digmos '¡qué popular es esta canción!'. Es un estilo popular que en algún momento era más claro cuando se hablaba de una diferencia o una división entre música académica y música popular. Eran dos formas de encarar la creación y la interpretación. Yo compongo canciones, me resulta más claro y más cómodo decir canción que música popular. Es decir, yo me siento integrado a una línea que incluye a los juglares y a los trovadores, que incluye las melodías y la canción alemana, la óprea italiana. Es decir, una acción melódica con texto que puede ser de cierta altura poética o puede ser absolutamente popular y cotidiano, no importa, pero hay una esencia, un objeto que cuece una melodía y un texto. Después, lo que acompaña a eso es hasta secundario. No terciario, pero sí secundario. Es decir, no por eso no es importante, pero la canción está representada en mi opinión en la fundición de esos dos ingredientes fundamentales: la melodía (no la música) y el texto.

- Me sorprendió en la intro que escribe Daniel Melingo (y que hace firmar a Santa Cecilia Patrona de la Música) que cuando piensa en vos aparece una palabra que es decidor, el que dice. ¿Te reconocés en esa palabra?

- Mmm, no se me había ocurrido. Creo que es un sinónimo de todo esto: un cantor, un decidor, un bardo, un juglar, un representador de la palabra, un performer de la palabra. Al final, como decía, la palabra es uno de los dos ingredientes. Yo no sé si puedo recitar. Por ahí agarro una poesía y te la leo y a alguien le puede gustar, pero no sé si me saldría bien. Con el canto por lo menos hago el intento.

- Hay un tono decidor que viene de la milonga y que vos tomás.

- Si, ahora que lo decís lo pienso un poco. Yo hago una canción muy silábica, hago una nota por sílaba, no hay muchas notas por sílaba. Es simplemente darle alturas a la poesía... me tendría que poner a pensar y hacer un censo sobre mi música a ver si es tan así. Yo creo que una cosa que me llevó a la poesía es hacer el disco anterior e ir a SADAIC a escribir los temas (...) Ahí me di cuenta que eran muy largas mi letras, cosa que no venía siendo así. Me fastidió tener que escribir tanto ese día. Mis canciones tienen pocas partes instrumentales, se habla desde que empieza hasta que terminan. Hay canciones que empiezan cantando el primer compás.

- ¿Pensás un diseño de recorrido para el disco? ¿Pensás en un sonido?

- No, para nada. En cierto sentido, mi estilo es bastante homogéneo.

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viernes, 7 de julio de 2017

Entrevista a María Pien


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Programa N° 608. Hablamos con María Pien sobre su nuevo EP Tres poemas, un trabajo donde musicaliza (como su título lo indica) poemas de Circe Maia (Discrepancia), Lucille Clifton (Lección de las hojas que caen) y Birago Diop (Los muertos no están muertos). A lo largo de una recorrido de 18 minutos, esas tres piezas se encadenan de manera sensible y profunda (con el grado de irrespetuosidad que conlleva intervenir poemas que tienen su musicalidad) para delinear una trabajo de los más sobresaliente que se ha editado en 2017.

Fue grabado en su casa estudio La Alfombra Mágica y cuenta con la coproducción de Agustín Bucich (Guli, Levare). Participaron activamente gran cantidad de músic@s. En el final de Discrepancia -tribal- conviven 12 cantantes, lo que nos hace pensar en lo que habrá sido tenerlas a todas dentro de un ambiente cantando al unísono. Pero no todo queda en el plano sonoro (importantísimo y hasta donde podemos llegar en radio), también tiene una pata audiovisual llevada adelante por María Aparicio que merece ser vista (ver abajo).


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María Pien es compositora y escritora. Si hay un movimiento realizado en este EP respecto de sus discos anteriores es haberse corrido de la confección de las letras para encontrar en tres poetas de distintas edades, orígenes, lenguas y países, voces que bien pueden ser su propia voz poética. "Enriquecernos de la multiplicaidad de formas y voces es una manera de ver y pensar el arte", nos dijo. Y hace aparecer (en la elección de una poeta uruguaya, otra estadounidense y un senegalés) la universalidad de los sentimientos y del lenguaje musical. Porque por sobre todas las cosas, un trabajao con Tres poemas EP reivindica la universalidad de la música y del lenguaje poético.

¿Qué encontraste en cada uno de esos poemas para hacerlos dialogar?, le preguntamos. "Fue muy intuitivo. Cada uno que se acerque a los textos va a encontrar un leguaje en un sentido que no es literal. No me refiero al idioma, sino al tratamiento de las palabras y al uso de la naturaleza como fuente de sabiduría, pero emparentada a la manera del haiku, que es una forma muy simple de acceder a una sabiduría profunda. Bastante zen siento que son. No son haiku ninguna, pero me transmitieron eso, una simpleza de metáfora que tiene una profundidad y una raíz muy fuerte".

Basta meterse un rato en esos climas, en esas voces (singulares y colectivas) para salir transformado. Por ejemplo cuando Florencia Ruiz (de una lectura honda) lee a Diop y dice:  "Prestá más atención a las cosas que a los seres". 

"Me impacta cada vez que la escucho a Flor leer -reconoce Pien. Me da piel de gallina su lectura. El año pasado murió mi viejo y para mí la vida misma fue inspiración para todo eso. Y también poder tomar palabras que no fueran directamente mías. Fue un trabajo muy importante a nivel personal. Yo quería cantar sobre esto, lo pude hacer y el haber tomado palabras prestadas que sentí muy propias, fue una manera de poder descansar en esa parte".
 
Escuchan la entrevista y la descargan ACÁ.


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jueves, 6 de julio de 2017

Entrevista a Osvaldo Aguirre: "El problema no es publicar, sino leer; que lo que se publica circule, que sea leído y que reciba una lectura en el mejor sentido de la palabra"


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Programa N° 607. Dejamos la charla que mantuvimos con el periodista y poeta Osvaldo Aguirre. Hace poco salió Hablados por la poesía. 14 conversaciones con poetas argentinos contemporáneos, un libro que Espacio Hudson había publicado en 2010 y que decidió reeditar con el agregado de nuevas entrevistas. 

Todas fueron realizadas entre 1992 y 2009. Va desde Joaquín Gianuzzi (que abre el libro) a Diana Bellesi (que lo cierra). Están también Aldo Oliva, Roberto Raschella, Hugo Padeletti, Ricardo Zelarrayán, Nestor Groppa, Darío Cantón, Arnaldo Calveyra, Hugo Gola, Artura Carrera, Francisco Gandolfo, Juan Carlos Moisés e Irene Gruss.

¿Cuál sería la cualidad poética de los finales?, le pregunta Aguirre a Gianuzzi en diciembre del 2000. La respuesta lo lleva a Joaquín a intentar redefinir qué es la poesía: "Si yo pudiera dar mi definición de poesía diría que es una eterna juventud, una contínua extracción de recursos. Mientras la novela, o el teatro, dan a veces la impresión de empantanarse, la poesía saca siempre recursos, es una especie de yacimiento inagotable de imágenes, de formas, de maneras de ver las cosas".

El caso de Gianuzzi se vuelve paradigmático porque, al igual que Aguirre, era periodista y poeta. No casualmente, la primera pregunta que le hace es: "¿El periodismo le sirvió para escribir poesía?". En algún fragmento de la charla Osvaldo reconocerá que cuando preguntaba lo hacía también tratando de desentrañar alguna cuestión que tenía él mismo con la poesía, buscando respuestas en esos poetas. 

"De cada una de esas entrevistas me quedaron cosas particulares, una pequeña revelación"

"Las entrevistas no fueron casuales ni azarosas, sino que siempre entrevisté a poetas que me interesaban -nos cuenta. No fueron encargos. Llegué a pensar que de cada una de esas entrevistas me quedaron cosas particulares, una pequeña revelación. Por ejemplo, en la entrevista con Arnaldo Calveyra me sorprendió que en un momento, hablando del tiempo que pasaba entre la escritura y la publicación (en su caso pasaron muchos años), él me dijo que su deseo era también escribir un libro que fuera solo para él, desentendiéndose por completo de la publicación. Me pareció una rareza porque nadie piensa en la escritura en esos términos. Me pareció revelador de lo más placentero que tiene escribir poesía, de lo que está en el origen: uno no piensa más que en escribir". 

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Para descargar la charla clickeá ACÁ

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La dificultad de la poesía. "La poesía no está sujeta, en principio, a demandas o corrientes. En principio, ¿no? Por ahí hay algo de eso a veces. Yo pienso que el problema no es publicar, sino leer; que lo que se publica circule, que sea leído y que reciba una lectura en el mejor sentido de la palabra, no un Me gusta. Esa es la mayor dificultad hoy".

El interés por la música y la poesía como desvío. "En general los poetas no dicen que cayeron en la poesía por defecto. En el caso de Gandolfo es muy claro cómo lo plantea. En el caso de Zelarrayán no dejó nunca de prestarle atención a la música. Ha tenido textos sobre Sattie y una de sus hijas es música (...) Me parece que la cuestión de la música es una de las preocupaciones básicas en la escritua de poesía y en cada poeta tiene un sentido diferente".

La centralidad de Buenos Aires. "Buenos Aires tiene una centralidad insoslayable. Zelarrayán decía que Buenos Aires está llena de provincianos (risas). Pero me parece que lo que uno ve es que el punto de relación pasa por Buenos Aires. Los poetas del norte o de la patagonia no se relacionan directamente entre sí, sino a través de Buenos Aires. Previamente en cada provincia hay centros culturales y lugares de mucha producción, pero esa situación no se ha alterado".

"Los festivales de Buenos Aires son más conservadores, te diría. En el que se hizo en la Feria del Libro, aunque tenía una lista de invitados muy buena, no había poetas menores de 40 años. Los festivales del resto del país son más abiertos, más experimentales. Obviamente que abriendo el espectro tenés más posibilidades de equivocarte, pero es más interesante"

Internet y festivales. "Internet cambió muchas cosas en la circulación de poesía. Se le quitó la centralidad a las publicaciones en papel. Sobre todo a las revistas, porque el libro en papel sigue siendo importante. De hecho, las publicaciones digitales para los poetas no son lo mismo que el libro en papel. Si bien cambió el panorama, no lo ha modificado sustancialmente. Otro elemento importante de los últimos años fueron los festivales de poesía o de literatura como el de Rosario o el de Córdoba, Tucumán también, que han sido importantes sobre todo para visibilizar a poetas más jóvenes. Curiosamente no hay un festival de esas características en Buenos Aires. Los festivales de Buenos Aires son más conservadores, te diría. El que se hizo en la Feria del Libro, aunque tenía una lista de invitados muy buena, no había poetas menores de 40 años. Los festivales del resto del país son más abiertos, más experimentales. Obviamente que abriendo el espectro tenés más posibilidades de equivocarte, pero es más interesante".

miércoles, 28 de junio de 2017

"Yo no tengo una búsqueda de algo cool, todo lo contrario" - Entrevista con Mariano Napoli

Es el compositor de Niño Etc. y hoy presentan su nuevo disco 'Surf' en el CAFF a las 21.00 hs. El bloque entero que incluye la charla lo escuchan y descargan ACÁ.


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Programa N° 607. Entrevistamos a Mariano Napoli, compositor de Niño Etc., la banda que comparte con su hermano Santiago (guitarras) y a la que también dan vida Olivia Suárez (percusión y coros), Gonzalo Pérez (trombón), Juan Fiebelkorn (bajo) y Mark Moore (batería). 

Acaban de editar Surf, sucesor de El gusto de los días (2014). "Es un disco que surgió bastante rápido", según nos contó Napoli. "Lo escribí en un período de tiempo bastante acotado. Yo venía bastante mal personalmente y funcionó como catarsis". 

El disco lo trabajó con su hermano y lo produjeron junto a Feco Escofet, hombre fundamental a la hora de facilitar las herramientas necesarias para sonar y llegar al lugar que la banda deseaba. "Es un disco bastante fresco y espontáneo. Tomamos la decisión de no invadirlo con muchos arreglos, hay poco efecto, no hay mucho plugg in, es todo muy natural, las voces no están afinadas, hay baterías donde se escucha directamente los ambientes. Queríamos que se viera eso", señala.

En las canciones, Napoli se deja ver como un observador preocupado del mundo y filtra las preguntas que lo acompañaron durante el período en que compuso el disco: "A quién vas a disparar?" (Cigarrillos), "¿Podrás crear?" (De las mil victorias) o "¿Se puede encontrar lo imposible de hallar?" (Una aguja en un pajar). No es un malestar lo que trasuntan esos interrogantes, pero sí cierta dificultad que acarrea el ir creciendo. En ese sentido, Surf -el concepto- se puede pensar como la dificultad para surfear la ola de la vida, como si hubiera algo que no funciona y la música pudiera venir a repararlo. 

"Este disco, a mi y al grupo, nos recibe como abanderados de lo no cool. Ahora hay una movida muy grande en el under, pero también es dificil abrirte camino sin ser muy canchero. Yo me di cuenta de que está bueno [no ser así] y que hay un placer. Tiene que ver con aceptarte a vos. Yo no tengo una búsqueda de algo cool, todo lo contrario"

A lo largo de la charla Mariano nos habló de las distintas músicas que -más allá de la canción- se colaron en las composiciones de sus dos discos: aires de folclore, de tango y hasta un bolero. ¿Cómo se llega a eso? "Se llega por experiencia musicales pasadas", dice. Eso incluye haber escuchado a Spinetta, que ha sido una presencia importante tanto en lo musical (Canción del hombre que está dedicada a él) como en lo filosófico (en el librito del CD, esa canción está precedida por una cita de una ¡entrevista! que Luis dió para MTV en los 90s). Pero ese pasado incluye también descubrimientos como Gustavo Pena (hay una versión escondida de Mandolín en su primer disco) o haber compartido tiempo con el poeta Horacio Ferrer, quien para el primer disco de Niño Etc. grabó un fragmento de Canción de mi adolescencia dentro de una composición de Napoli.

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Aclaración: En este fragmento que dejamos, además de la entrevista a Mariano hay una serie de recomendaciones sobre líneas de becas y subsidios que se pueden encontrar tanto en el Fondo Nacional de las Artes como en el Ministerio de Cultura.¡Estar atentos!

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martes, 27 de junio de 2017

"La fotografía es el soporte privilegiado de la memoria" - Entrevista a Ana Masiello


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Programa N° 606. Nos visitó Ana Masiello y lo escuchan ACÁ. Ella es Calígrafo Público Nacional especializada en conservación de papel y fotografías antiguas, y en digitalización y restauración sonora. Nos trajo una historia vinculada a lo que significa su trabajo con esos materiales que bien puede considerarse como uno de los modos de dialogar con el pasado.

"Los seres humanos tenemos una característica que se relaciona con la forma en que nos construimos desde la identidad. Eso que nos hace únicos tiene que ver con nuestra historia, con qué nos identifica y a dónde pertenecemos, con nuestro grupo de pertenencia. En ese punto siento que quienes nos dedicamos a la conservación tenemos la tarea de cuidar esa memoria. ¿Qué va a pasar cuando alguien tenga que revisar los documentos que se generan hoy o cuando alguien dentro de veinte años quiera hacer una lectura de algo que pasó hace treinta?", nos dijo.

Una de sus pasiones es la fotografía. "Es la fuente privilegiada de la memoria", reflexiona. "Hace poco fue reconocida como fuente primaria de información. Históricamente no lo fue, quedó en el medio, no es un arte ni una fuente primaria de información; tenía que estar acompañada de un texto para que sea valorada (...) En los años 30 una chimenea largando humo negro era signo de progreso, hoy claramente no".

Su experiencia la ha llevado a trabajar en lugares y con objetos de significados bien disímiles: desde fotografías rescatadas de inundaciones, a los registros de inhumaciones del cementerio de Avellaneda donde se encontró con la fecha de entrada del cuerpo de Mariano Ferreyra.  Cada documento que tiene entre manos produce un efecto distinto y en ocasiones conmociona. 

"La tarea que tenemos en muy frustrante, estamos peleando contra lo inevitable"

Si bien hicimos bastante hincapié en los documentos en papel, parte del trabajo de restauración se almacena en digital. Eso nos llevó a pensar en los soportes. Al día de hoy disponemos de dispositivos que nos permiten guardar fotos digitales y archivos de sonido en cantidades antes inimaginables. Sin embargo (¡atención familia!), no son garantía de perdurabilidad. Hay una obsolescencia (programada) del software y de los fomatos que nos obligará a migrar de disco externo en disco externo para resguardar la información de la que disponemos. Ana lo explica mejor y en base a su experiencia. "Todas las empresas que venden discos externos o de conservación te garantizan cinco años de estabilidad. Ahora Sony sacó uno de un tera (que es bastante poco) y dicen que tiene una estabilidad de 50 años. Habrá que esperar 50 años", advierte.  

¿Cómo hacer para no perder esa información? En su trabajo hacen migraciones de formato cada cinco años. ¿Volveremos al papel?, le preguntamos. "En España están imprimiendo muchas cosas porque dicen que es más barato conservar el papel que conservar el digital", cierra.

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El recorrido de la charla: Su trabajo en inundaciones / la imagen como lenguaje / la posibilidad de trabajar con documentos a los que pocos ciudadanos acceden / el trabajo manual con los documentos a conservar, restaurar o estabilizar / su trabajo con los registros de inhumaciones en el cementerio de Avellaneda / la restauración del álbum de fotos inéditas del bombardeo a la Plaza de Mayo en 1955 / la pelea contra lo inevitable: el paso del tiempo / las políticas públicas / los soportes de conservación del material que no garantizan la pervivencia. 

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La imagen como lenguaje. "Nuestra generación lleva la imagen como parte del lenguaje. Es muy difícil imaginarnos que hubo un momento en que si vos hablabas de un rey o una persona pública nadie sabía cómo era su cara. Hoy es más común que digas 'Esta cara yo sé que trabajó en tal película' y no te acuerdes el nombre. Es al revés. La aparición es bastante reciente, la fotografía se patentó en 1839".
 
Lo digital. "Algo nuevo va a pasar en la relación que tenemos con la memoria. Las computadoras ya no vienen con reproductores de cd. A veces nos cuesta pensar que lo inmaterial tiene un valor. Yo también trabajo con lo digital, de hecho son los soportes con los que más problemas tenemos (las impresiones digitales), porque no están pensados para perdurar, están elaborados por un mercado que no busca eso. A su vez, nosotros estamos acostumbrados a abrir un cajón y encontrar una foto de tu mamá cuando era chica y en algún momento eso no va a pasar más porque ya nadie imprime fotos. Va a nacer algo diferente, no sabemos qué".

"El soporte digital no está pensado para perdurar, está elaborado por un mercado que no busca eso"
 
El bombardeo a Plaza de Mayo en 1955. "Armamos un taller adentro del Ministerio de Defensa, que es donde está el libro [con las fotos], porque no se podía sacar de ahí; era material inédito (...) Las fotos eran muy fuertes, no hay forma de que esos materiales a uno no lo afecten (..) Había una muy impresionante del despacho de Perón con un agujero en el techo... literalmente destrozado. A mí me resulta increíble que hayan bombardeado la plaza. Yo paso todo los días por ahí".

Pelear contra lo inevitable. "Yo soy una militante del todo es de todos y del libre acceso a la formación. Yo creo que si vos tenés un objeto único y todo el mundo sabe que tenés ese objeto único, es la mayor seguridad que le podés dar. Pero no todos tienen esa mirada. También pienso esto: yo trabajo con objetos que tienen 100, 200, 400 años y quizás a lo largo de ese tiempo estuvieron en manos que permitieron que todos pudieran leerlos. En otros momentos no, pero uno nunca sabe lo que va a pasar. Yo la decisión que puedo tomar es que ese objeto quede lo mejor guardado posible, en las mejores condiciones para que pueda durar más tiempo, porque esa tarea que tenemos en muy frustrante, estamos peleando contra lo inevitable".

"Como restauradora sí o sí tenés que tener una apreciación estética, algo tiene que quedar estéticamente bien. Lo que no podés tener es una libertad artística, porque sino estás armando otra pieza, estás interviniendo. Ese es el límite difícil que manejamos a veces".

Supervivencia. "Somos una generación de trancisión. Sacamos fotos fotos todo el tiempo, ¿quién sabe qué va a sobrevivir de todo eso?" 

Decisión política. "La conservación es una decisión política porque tiene que ver con la asignación de recursos. Es muy difícil, siempre fue muy difícli. Cuando se ponen a recortar desde el Estado, obviamente que lo primero que se recorta son los recursos culturales porque se considera que no son tan necesarios. Yo creo que hoy lo que garantiza la estabilidad de todo el material que es público, es la pasión y la responsabilidad que tienen las personas que tienen en custodia ese material. Yo doy fé que ponen un montón. Conservar no es barato y acá no hay muchas cosas a disposición (materiales, por ejemplo). En política pública siempre somos lo rezagados de la lista porque es un trabajo a muy largo plazo y es muy difícil -por la característica de los gobiernos que tenemos en Latinoamérica- hablar a largo plazo; explicarle a tu jefe que esto va a estar re bueno dentro de diez años. No le importa, necesita algo que pueda ver hoy".

domingo, 11 de junio de 2017

"¿Cómo no cantar temblando? Estamos en el abismo. No es menemismo esto, ¿eh? No son lo 90s, que ya eran terribles. Esto es peor". Entrevista a Liliana Herrero


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Con preocupación por el presente y con una lucidez de potencia desbordante ("estoy preocupada muchachos", nos dijo), Liliana Herrero encara esta semana dos conciertos para conmemorar sus 30 años con la música. Vale la pena reparar en el título: Todos estos años. Territorio y tiempo. Una experiencia en la canción popular argentina.  

"Territorio y tiempo: esa es mi obsesión -reflexiona. No estamos en cualquier lugar, se llama Latinoamérica, Argentina.  Yo soy esa obsesión. Y el tiempo... ¿Qué hacer con el tiempo?, ¿cómo hago para que eso lejano, atrás, arcaico, nos esté esperando?, ¿cómo hago para hacer ese arco temporal loco y pensarlo desde el presente?".

La entrevista la hicimos junto a Oscar Cuervo. Comenzamos el miércoles a las 11.00 de la mañana en su casa y aún la estamos digiriendo. Hay mucho ahí. Entre mate y mate iniciamos un recorrido que arrancó cuestionando la decisión de elegir como música para la movilización Ni una menos a la canción Despacito con letra cambiada y adaptada. "Esa canción representa lo peor del horizonte musical de los pueblos. A un gran movimiento como Ni una menos le debe corresponder un gran texto y una gran música", objeta. 

Inmediatamente después, nos contó la experiencia movilizante e intransferible de visitar a Milagro Sala en la cárcel.

De allí en adelante fuimos tocando los siguientes puntos: los premios Gardel / la creatividad y la complejidad en la vida popular / ¿cómo habitar el abismo y ese enigma profundo que es la vida popular? / Imposible y su trabajo de retomar grandes lineas musicales y poéticas / el pensamiento de A.Rozitchner y Durán Barba / su imperativo moral  / las pequeñas revoluciones / la angustia por lo que está pasando / la correspondencia entre la música y la política / desandar y volver a andar.

La descargan ACÁ.

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Milagro Sala. "Milagro tiene como un cristianismo primitivo. No en un sentido peyorativo, sino en un sentido arcaico. Ese viejo y antiguo cristianismo. 'Yo tengo que rescatar -diría su pensamiento - a los marginales de los marginales, a los que están a la intemperie total, a la intemprie absoluta, y con ellos construyo el barrio'. Y una apuesta enorme a la educación. Ir y controlar si van a la primaria, a la secundaria o a la universidad. Con eso hay que armar un gobierno, no con los restos putrefactos del PJ. Eso es lo que ella piensa. Después tenés un perverso como Morales que va y destruye un barrio. Es un perverso abominable".

"La patria se entregó. Y culturalmente han ganado la batalla... si es que la cultura pasa por los medios".

La vida popular. "¿Cómo habitar ese abismo y ese enigma profundo que es la vida popular, y que es la música y la herencia que hemos recibido de nuestro continente y de la música universal y de la memoria y la poesía de esta patria llamada Argentina?. [Lo que yo quiero] es ver qué hago con ese mundo y cómo lo transformo. Ese, me parece, es el camino. Sino estamos condenados a aceptar las cosas como son, usando esa frase popular que es tan deleznable: las cosas son así. Si las cosas son así, entonces dejemos a Milagro presa eternamente, no hagamos música, no apaguemos el televisor y sigamos viendo Intratables".

El arte. "El arte está para impedir la reproducción de la maquinaria (...) La política, como el arte, está para trabar la maquinaria".

Los discos. "Hago discos tambien, aunque apenas movamos el amperímetro".

Imposible. "Yo para esta época no quería nada estridente. El disco de esta época es Imposible porque no es estridente. Imposible es un disco austero, ciudadoso, acústico, es lo contrario a lo que estos tipos son: son fiesteros".

El pasado. "Yo no sé por qué desando viejos caminos. Porque son valiosos, pero tengo que encontrar la valía y no sé dónde está. Por eso, la primera frase que yo digo ante un tema es: 'Hay que sacarlo de acá, hay que ponerlo en otro lado'. Para mí eso es una revolución. Para mi eso es una revolución cultural, política... Pero para hacer una revolución hay que sacarlo de donde está y ponerlo en otro lado".

Obsesión. "Territorio y tiempo: esa es mi obsesión. No estamos en cualquier lugar, se llama Latinoamérica, Argentina.  Yo soy esa obsesión. Y el tiempo. ¿Qué hacer con el tiempo?, ¿cómo hago para que eso lejano, atrás, arcaico, nos esté esperando?, ¿cómo hago para hacer ese arco temporal loco y pensarlo desde el presente? Entonces, pensé en llamar [estos conciertos] Todos estos años... puntos suspensivos. Luis no está".


El macrismo. "Dejemos de burlarnos de estos tipos. Ellos saben perfectamente lo que están haciendo. Dejémosnos de joder, esto es serio, es muy serio, no es un juego de niños. Y si tienen que matar van a matar".

Los símbolos. "La insistencia en los símbolos no es buena, pero el retiro de los símbolos es el páramo".


"Yo para esta época no quería nada estridente. El disco de esta época es Imposible porque no es estridente. Imposible es un disco austero, ciudadoso, acústico, es lo contrario a lo que estos tipos son: son fiesteros".


- ¿Cómo no cantar temblando hoy, o con furia, o con las dos cosas? Estamos en el abismo... Estamos en un momento muy crítico. No es menemismo esto, ¿eh? Esto es peor. No son lo 90s, que ya eran terribles. Esto es peor.

-  ¿Por qué?

- Porque la patria se entregó... está totalmente entregada. Y culturalmente han ganado la batalla... si es que la cultura pasa por los medios.

lunes, 5 de junio de 2017

Entrevista a Seba Ibarra

El músico chaqueño se presenta este miércoles 7 de junio en el CC Recoleta. Hace unos días estuvimos charlando de su actualidad. Lo pueden descargar ACÁ.


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Hacía mucho que no hablábamos con Seba Ibarra, artista y gestor cultural que reside en Resistencia, Chaco. Desde 2012, cuando editó Infrenable paraíso, que no saca disco solista. ¿Qué pasó en estos 5 años? "En 2015 surgió la posibilidad de hacer un disco para chicos en Resistencia de una manera que yo nunca había trabajado: apareció un megaproductor, que es la empresa de agua de Chaco, y tuvimos la posibilidad de jugar a esa fantasía de ser el músico que no tiene que hacer otra cosa más que grabar un disco", nos dijo. "Pudimos encerrarnos tres semana a pensar nada más que en eso, a crear los temas. Fue muy lindo poder hacer eso".

Una vez finiquitada esa experiencia llamada Tierra verde (música que lleva su marca registrada y que tranquilamente se puede pensar como continuidad de su camino solista), se puso a pensar en lo nuevo.  Actualmente está probando una formación sonora de guitarra y dos percusionistas. "Ya están grabadas las bases de cinco canciones con ellos", adelanta. "Ese es el sonido con el que estoy luchando, porque me está exigiendo como guitarrista, como músico y como cantante. Resumiendo: no grabé disco porque estuve en la búsqueda de un sonido", sentenció.

"Estoy yendo por caminos que no son comunes"

El recorrido de la charla: La búsqueda de un nuevo sonido / ¿es necesario tener un disco? / la necesidad para un músico independiente de legalizar su obra / las preocupaciones actuales de los artistas independientes en Argentina ("la preocupación es cómo sostener los proyectos") / su diálogo con la tradición ( "Siempre que uno es un paria musical para la mirada más conservadora, te genera alguna seguridad porque -de última- indiferente no pasó" / cómo abrirse paso y no ir por el camino que ya fue andado.
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