Patologias Culturales

Entrevista con Juan Onofri para descargar

2012-01-04T19:11:00.000-08:00

El 30-07-11 nos visitó el bailarín, coreógrafo y director Juan Onofri Barbato. Es poco habitual que en el programa nos animemos a hablar de una disciplina artística como la danza, que no está concebida para ser reducida al lenguaje de las palabras - de por sí acotado e insuficiente cuando se trata de hablar de movimiento y de cuerpos- sino para ser percibida sin ataduras racionales y en libertad.

Así todo, lo intentamos. Juan nos contó qué es KM 29, el grupo que conformó junto a chicos que se encuentran en un Centro de día en Gonzalez Catán y que terminó por consolidarse cuando todo ese trabajo realizado lo transformaron en arte. La obra se llama Los posibles, la estuvieron mostrando en 2011 en el Teatro Argentino de La Plata y es una experiencia que abre nuevas posibilidades y horizontes para la danza. No la intención, no el trabajo con chicos de un conurbano olvidado, no el esfuerzo por acercar a los pibes a un mundo que nada tiene que ver con su día a día (cosa valorable pero que no lo convierte en algo lindante con lo artístico). Lo que recibió el espaldarazo y la aprobación de buena parte de la comunidad de la danza fue el hecho artístico. Hubo al menos una excepción y fue la reseñadora de danza del diario Clarín, Laura Falcoff, que escribió una página conservadora y carente de toda sensibilidad artística en la que termina afirmando: "No hay caso, la vida es la vida y el escenario es el escenario".

Del proceso con los chicos, la crítica, los bailarines, el cuerpo, el movimiento y el arte estuvimos charlando a lo largo de una hora. Aquí dejamos la nota para descargar en dos partes.

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Entrevista con José Miel para descargar

2011-12-28T07:18:00.000-08:00

Este año se editó La Mantis Religiosa, nuevo disco de José Miel que, a nuestro criterio, se encuentra entre lo mejorcito que ha visto la luz en 2011. El 15/10 Sebastián y Leandro Díaz Romero pasaron por nuestro estudios de FM La Tribu con el disco recién salido del horno y lo compartimos al aire con todos ustedes. Si no pudieron escuchar la entrevista en su momento, dejamos el link para que la descarguen y disfruten:

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Bochatón para descargar !!!

2011-12-03T18:52:00.000-08:00

Link de descarga: http://www.megaupload.com/?d=O1C6ZCP7

La visita de Francisco Bochatón en imágenes

2011-11-21T09:11:00.000-08:00

Este sábado contamos con la presencia de Francisco Bochatón en piso. Una charla en la que recorrimos parte de la historia de Los Peligrosos Gorriones, su carrera solista (que comenzó allá por 1999 con el disco Cazuela hasta el próximo que se titulará La vuelta entera y verá la luz en 2012), cómo traer al universo de las canciones populares palabras que están en otros universos y un lúcido rescate de a década del 90. Pronto la charla para descargar y escucharla. Participaron de la entrevista Pablo Vidal (que estuvo desarrollando su columna mensual: La Perla Irregular presenta las perlas de los 60s) y Oscar Cuervo.

Francisco Bochatón se presenta el miércoles 30 de noviembre en Samsung Studio.

¡Adios querido Peche!

2011-10-08T18:15:00.000-07:00

Fotos de Mari Sano

Peche era el alma de Buenos Aires Negro. Peche vivía en Buenos Aires y era Buenos Aires Negro. Era el poeta que se animó a recoger la tinta y el espíritu de Julián Centeya para proyectarlo hacia un más allá incierto que duerme en el canto de Buenos Aires Negro, que es su canto. Conocedor de las calles pitucas y las que huelen a podrido, fue el que se tomó en serio eso de pintar su aldea para pintar el mundo. Y su aldea fue el barrio, nuestras calles, la esquina, las vidrieras, los circuitos del tango for export, los pibes jugando a cogerse por el Once y mucho más. Su Buenos Aires Negro es –perdonen la obviedad- un Buenos Aires no blanco, el que pocos cuentan, ese que se nos pasea todos los días frente a nuestras narices y que de puro cobardes o egoístas o hijos de puta que somos ignoramos. Peche recolectó sin guantes de latex la basura que la ciudad nos escupe en la cara y la puso a circular en sus canciones como cross a la mandíbula para que de una buena vez nos despabilemos. Cortó con el cuidado de un jardinero las flores que se nos esconden y nos las regaló como muestra de su cariño por este lugar. Fue quien abrazó a los corazones en carne viva (quizás porque él era un corazón en carne viva también) y los acaricio y acunó en sus melodías. Peche fue durante una buena parte de su vida un limpiavidrios sin patrón en el barrio de Belgrano, donde se hizo amigo de otros limpiavidrios y donde se dedicó a limpiar las vidrieras de los locales paquetes para ver si sus dueños, de una vez por todas, podían ver más allá de sus ombligos. Lo mismo hacía cuando escribía. Peche fue una antena en permanente contacto con los malditos y olvidados, sus historias bajaban para ser contadas a través de él, para que sea él mismo el que lo ponga palabras a lo que nadie cuenta, la historia prohibida, la historia que le repiqueteaba en el estómago y en la garganta. La voz de Peche era una voz hereje, trabajada con cigarro y vino y cerveza. Una voz que no podría ser elegida en ningún concurso de nada, una voz díscola, educada en el colegio al que asistieron los Javier Martinez y los Moris, según él mismo me contó una tarde. Peche metía el dedo en la llaga, de generoso que era nomás. Peche era generoso, puedo dar fe de eso. El sábado pasado Peche dejó Buenos Aires. Una vecina de clavó un cuchillo. Pelea doméstica, dijeron. Helados -como quedamos- desempolvamos una charla pública que tuvimos con él en el marco de un ciclo que se llamó "Escribir en el aire: poetas de la música", charla que nunca habíamos pasado por radio. Fue el 19 de octubre de 2009 en la Sala Osvaldo Pugliese del Centro Cultural de la Cooperación. Lo pasamos hoy por radio. Ojalá te llegue nuestro cariño mientras te tomás algo con Julián Centeya, le tirás una monedas a Francis, te abrazás al Arcángel Guillermo y nos mirás con risa menguante… porque la muerte es una risa. ¡Un abrazo grande!

Para descargar el Homenaje a Peche Estevez: http://www.megaupload.com/?d=018ZQJ8W

Audio programa 17-09-11

2011-09-19T18:49:00.000-07:00

Dejamos para descargar el último programa de PC. En el primer bloque pasamos unos audios de la muy buena entrevista que le hicieron en el programa tribal “Tarde o temprano” a Moris, donde habla de la salida de “Familia canción”, el excelente disco compartido con su hijo Antonio Birabent. Nos visitó Gastón Nakazato, músico misionero que anda de visita por Buenos Aires. Vino con guitarra y cantó dos canciones en el estudio. Además: Gonzalo Aloras contándonos su impresión del concierto que hizo hace dos semanas en Samsung Studio, donde presentó su último dosco “12” + Oscar Cuervo + Néstor Pichín. Que lo disfruten!

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Audio programa 20-08-11

2011-09-15T07:30:00.000-07:00

Dejamos a continuación los links para descargar las dos horas de programa que hicimos el 20 de agosto de 2011. Nos visitó en piso el periodista Martín Graziano para charlar de su nuevo libro "Cancionistas del Río de la Plata. Después del rock: una música popular para el siglo XXI" . Además se acercó Pablo Vidal para realizar su columna mensual "La Perla Irregular presenta las perlas de los '60". En esta ocasión un capítulo memorable: las canciones que los Beatles regalaron a otros/as intérpretes. Imperdible.

La lista de canciones que escuchamos en las dos horas fueron las siguientes:

1- Que sea viento- Lucas Giotta

2- Vedette Falopa- Moris/ Antonio Birabent

3- Georgia on my mind- Rubén Rada/ Javier Malossetti

4- La cabeza rota- Alvy Singer Big Band

5- Sale el sol- Julieta Rimoldi

6- Felicidad vitamina- Gabo Ferro

7- Discurso de la servidumbre voluntaria- Viajantes

Dejamos, entonces, las dos horas de programa. Ojalá las disfruten!

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Audio entrevista a Florencia Ruiz

2011-08-14T12:03:00.001-07:00

Aquí dejamos para descargar la nota que hicimos en piso con Florencia Ruiz, que vino a presentar su nuevo y precioso disco "Luz de la noche", que fue arreglado y producido por Carlos Villavicencio. Los temas que escuchamos a lo largo de la entrevista fueron:

1- Alumbraremos

2- Estuve así

3- Hacia el final

4- Nada de vos

5- Lo perpetuo

Para descargarlo:

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Que lo disfruten!

¡¡¡ Lo que está sonando es ESTO !!!

2011-07-25T15:18:00.000-07:00

El sábado pasado Trabajadores y Trabajadoras por la música en acción (TRAMA) y el Movimiento de Espacios de Arte y Cultura (MECA) intervinieron el espacio público para despertar la conciencia sobre la política cultural que se viene implementando desde hace 4 años en la Ciudad de Buenos Aires. Simultáneamente se desplegaron en 6 puntos distintos de la ciudad: Parque Patricios, Parque Rivadavia, Plaza Almagro, Barrancas de Belgrano, Parque Lezama y Plaza Flores.

Desde Patologías Culturales, junto con los amigos de Rebeldes Stereotipos, estuvimos cubriendo algunos de esos puntos (la mayoría de ellos enrejados y otros con presencia de guardias macristas solicitando permisos para expresarse libremente). Dejamos algunas fotos de lo sucedido en Parque Rivadavia. Pronto vienen las de Plaza Almagro y así!

Instant- taneas

2011-07-01T21:30:00.000-07:00

Algunas fotos de los últimos programas con muy buenos invitados. El músico Andrés Ruiz estuvo presentando su último disco "Ruiseñor" y el escritor Pablo Ramos vino a charlar dos horas luego de su estadía en Salta, donde se recluyó para escribir un nuevo libro que se editará en el mes de noviembre. Gracias totales!

¡300 programas!

2011-05-30T13:38:00.000-07:00

Estas son algunas de las imágenes de la celebración por los 300 programas que cumplimos el sábado. Gracias a los músicos que se acercaron a compartir la tarde: Franny Glass, Rubín, José Miel y La perla irregular. Gracias FM La Tribu. Gracias a los operadores que pasaron a los largo de estos 8 años. Gracias a los Rebeldes que nos dejan el aire caliente. Gracias a los que escuchan.Empezamos escuchando la canción "Une", de El Príncipe, que dice: "Une une une une une y unirás / une une y unirás". Y de eso se trata. De unir. Voces, ideas, músicas, imágenes. Comenzamos en abril de 2004 y estamos caminando ya el año número 8. Este programa nos ha unido y conectado, nos ha permitido entablar amistades de esas que van a perdurar toda la vida. Hace un largo tiempo decíamos que nuestra intención era que sea un programa en el que los artistas se sintieran como si fuese propio, por eso sus voces están presentes todos los sábados en las artísticas.Seguimos queriendo que sea así porque en realidad este programa es tan nuestro como de Liliana Herrero, de Florencia Ruiz, de Coiffeur, de Lucio Mantel, de Juan Ravioli, de Gabo, de Dacal, de Cabrera, de Dani Umpi, de Hernán, de Chary García, del querídisimo Pablo Ramos, de Bob Dylan y de muchísimos más que son los que suenan y pasan por nuestros estudios sábado a sábado. Y si suenan y pasan es porque hacen el programa con nosotros. Por supuesto que este programa no se puede hacer si no estamos Lucio Dodero, Sofi Granada, Anto Diomedi, Oscar Cuervo, Néstor Pichín y Gonzalo Aloras. No pudo haber sido sin Nico Souza, Pancho Rosso y –sobre todo- sin Emanuel Ríos. Tampoco sin Alcira Garido, Agustín Sinibaldi, Guadalupe Fernández, Gaby Eusebi o Juan Quelimpany. Hoy somos muchos más y estamos contentos de que así sea.

Vamos por más!

Imágenes de la visita de Pablo Dacal

2011-04-25T00:21:00.001-07:00

Vino a presentar su nuevo álbum El Progreso. Le preguntamos por el planteamiento sonoro del disco y su producción (junto a Ezequiel Cutaia), nos metimos con la idea de progreso y sus múltiples significados, recordamos las marchas de los músicos autoconvocados que se realizaron el año pasado y terminamos hablando sobre el debate generado en su Facebook alrededor de la práctica periodística que se desarrolla en suplementos que se autodenominan "jóvenes" como el Si de Clarín y el No de Página /12. Muchas de sus respuestas fueron largadas aún a riesgo de ser imprudente. Si así fue, celebramos esa imprudencia y la agradecemos ("juventud imprudente!").

Escuchamos completos:

1- Desorientado

2- Intenso momento creativo

3- Lo que está sonando

4- Mi voz

5- Nazarena

6- La respuesta

De la hora y media que compartió con nosotros al aire, les dejamos un frase: "A mi me parece que mi generación tiene que levantar un poco la cabeza y estar a la altura de los cambios que de a poco se propician en el mundo". El resto se desgrabará e irá a parar a la revista.

Hasta el próximo sábado!

Imágenes del programa pasado

2011-04-18T12:12:00.000-07:00

Estuvimos disfrutando de un jugosa charla con Jano Seitún que se acercó para presentar el nuevo disco de la Alvy Singer Big Band "El tiempo del amor". Escuchamos música del disco + canciones en vivo con guitarra y armónica.

Este sábado Alvy Singer presenta El tiempo del amor

2011-04-15T00:46:00.000-07:00

Para que vayan poniéndose en tema, dejamos un extracto de la última charla con él el año pasado:

¿Te sentás a ver o escuchar cómo es abordada la temática del amor en otros músicos? Porque viste que a las canciones de amor las solemos mirar y escuchar con cierto tono despectivo…

Si, de todas maneras creo que en los últimos años eso cambió por el paso a la masividad que dieron bandas como Miranda o Babasónicos, que son grupos que siempre manejaron ese universo. Y a mí me produjo sensaciones encontradas ver el proceso de esos grupos porque para mí había sido un gran paso manejar ese universo, me había propuesto usar ese imaginario. Y usar palabras como corazón o amor son difíciles y está bueno encontrarle la vuelta a cómo usarlas sin avergonzarse…

O para generar nuevos sentidos y que no remita siempre a lo mismo…

Totalmente, pero bueno hay mucho dicho, hay maestros y referentes muy grandes. Bola de Nieve, Manzanero o acá Homero Manzi son tipos que fueron muy importante en ese lenguaje. Y escribir después de ellos es medio intimidante pero, como vos decís, estoy tratando de buscar mi forma de decir eso que estamos diciendo todos desde hace años ¿no?

Atahualpa decía que hay 3 o 4 temas alrededor de los cuales gira toda la canción popular…

Me imagino que son la muerte, el amor, la soledad y la guerra (en el sentido más amplio de la palabra).

(...)

Hablando de Leonard Cohen, una de las frases que más recuerdo es “Todos sabemos que la guerra terminó y que los buenos perdieron”. Tiene un poder de síntesis impresionante.

Si, y con ese nivel de verdad que a veces intimida. Nosotros con el taller de canciones que hacemos con Tomi Lebrero (NdR: el taller se llama La oreja atenta) el epígrafe que les hicimos escribir en el cuaderno a los chicos –y que escribimos nosotros también- es una frase de él que dice: “Si supiera de dónde vienen las buenas canciones iría ahí más seguido. Es una condición misteriosa, es como la vida de las monjas: estás casado con un misterio”. Y es esa búsqueda misteriosa la del cancionero, donde a veces parece que sintoniza con algo y a veces no.

La pobre antena de la que habla García ¿no?

Si. Como decía el Príncipe: Yo abro la canilla.

El Príncipe alardeaba con eso: yo si quiero te hago una buena canción ahora mismo.

Como Luca que decía que no le costaba hacer discos, lo que pasa es que era vago. Yo te hago 10 canciones ahora si querés. Tenía eso.

Alvy Singer acaba de editar su cuerto disco con la Big Band. Se llama El tiempo del amor y de eso vamos a estar hablando el sábado.

Momentos V

2011-04-11T09:49:00.000-07:00

El sábado pasado vino a compartir la tarde con nosotros Pablo Vidal, guitarra, voz y composición de La Perla Irregular, banda que acaba de editar su excelente tercer disco: Rafaél (lo pueden descargar ingresando a www.laperlairregular.com.ar). Con él mantuvimos una charla que giró alrededor de la originalidad en el arte y de qué hacer con el pasado, además de escuchar canciones de todos sus discos. Néstor Pichín nos acercó material de Melimelum, proyecto que armó Jorge Durietz cuando se terminó Pedro y Pablo. The Last DJ nos mostró material a editarse muy pronto de Intrépidos Navegantes, un conjunto integrado por rosarinos y porteños que produjo nuestro destacado columnista Gonzalo Aloras. Aquí van algunas de las imágenes del sábado.

Sólo son momentos IV

2011-03-25T19:19:00.000-07:00

Palabra de Leónidas

2010-12-28T04:56:00.000-08:00

–Colocándolo casi en un rol de visionario, ¿qué caminos cree que tomará la poesía nacional en las próximas décadas?

–Es imprevisible: la ruptura parece marcar un determinado camino, pero la ruptura sutura y lo que fue cambio ya no lo parece y entonces es necesario volver hacia atrás para encontrar lo nuevo. Hay veces que para descubrir lo nuevo hay que volver a lo viejo, como decía León Trotsky. "Se trata de dar vuelta las viejas formas, como un guante", era su frase, citada por un poeta católico y conservador como T. S. Eliot, quien también dijo que Trotsky fue el único que entendió cómo venía la mano. En los textos de los poetas jóvenes percibo la ausencia de una épica. Con épica, me refiero a un poema que siendo poema –no propaganda– sea político, que recoja los conflictos actuales de la sociedad y los articule con el conflicto personal. Creo que esa carencia es un rasgo de la nueva generación, aunque no descarto que esté equivocado y sea yo quien no pueda percibir la presencia de ese elemento. Uno lee en estado de gracia o bien de desgracia. Cuando leés en estado de gracia, parás un momento y pensás: "Qué pavada estoy diciendo, si esto que creo que no está aparece en el poema de tal autor". No hay duda de que en los más jóvenes hay un lirismo, pero es despojado, muy distinto al de mi época. Despojado de todo colgajo lírico o, como dice el crítico y poeta Sandro Barrella, de "un lirismo narcotizado".
Hoy, los poetas exhiben un lirismo seco. Para expresarlo más gráficamente, los jóvenes bajan la poesía del cielo a la tierra.

(Leónida Lamborghini, nota de Juan Carlos Sancho para la revista de poesía La Otra*)

* Esa revista no tiene nada que ver con la revista de arte y pensamiento, dirigida por Oscar Cuervo, La Otra.

Vivo Pescador

2010-12-14T03:50:00.000-08:00

Ha salido oficialmente el nuevo disco de Marcelo Ezquiaga "Vivo Pescador", grabado en la sala Osvaldo Pugliese del Centro Cultural de la Cooperación. Esa noche participaron como invitados Miguelius, Pablo Dacal, Pablo De Caro, Manu Caizza y Andy Ravioli. Además de reversiones de sus discos anteriores, hay una cancion nueva: "El gaucho vive y muere en su ley", cantada junto a Dacal (de lo mejor del concierto).

El disco se descarga en forma gratuita en http://marceloezquiaga.bandcamp.com/

No sólo eso, también se puede descargar toda su discografía anterior de 2002 - 2010.

Se reglamentó la Ley 3022

2010-12-02T04:11:00.000-08:00

(Publicación en el Boletín Oficial de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, 29 de noviembre 2010)

DECRETO N.° 868/10.

Buenos Aires, 25 de noviembre de 2010

VISTO: La Ley N° 3.022, el Expediente N° 19.052/09, y
CONSIDERANDO:

Que por el artículo 1° de la Ley citada en el Visto se crea el Régimen de Concertaciónpara la Promoción de la Actividad Musical No dependiente del Ámbito Oficial, de laCiudad Autónoma de Buenos Aires, con el objeto de proteger, propiciar y fomentar la actividad musical en vivo en todos sus géneros;

Que asimismo, mediante los artículos 2° y 3° de la citada Ley se estableció que alautoridad de aplicación de la misma es el Ministerio de Cultura del Gobierno de laCiudad Autónoma de Buenos Aires, o el organismo que en el futuro lo reemplace, y secreó en su ámbito el Registro de la Actividad Musical No Dependiente del Ámbito Oficial;

Que en este sentido y a fin de asegurar el cumplimiento de lo establecido por la Ley N°3.022, resulta conveniente crear un Instituto cuyo objetivo sea la administración yejecución del Régimen de Concertación establecido por la Ley precedentementemencionada, a través de la instrumentación de las diferentes medidas previstas en lacitada norma;

Que es intención firme de este Gobierno poner énfasis en favorecer los acuerdostendientes al fomento de la actividad musical;

Que por lo expuesto resulta procedente reglamentar la Ley N° 3.022, en orden al mejorcumplimento de los fines de interés público tenidos en mira por el Legislador enoportunidad de su sanción;

Que la Procuración General de la Ciudad de Buenos Aires ha tomado la intervenciónque le compete, en cumplimiento de lo establecido por la Ley N° 1218. Por ello, en uso de las facultades legales que le confieren los Artículos 102 y 104 de laConstitución de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires,

EL JEFE DE GOBIERNO DE LA CIUDAD AUTÓNOMA DE BUENOS AIRES DECRETA

Artículo 1°.- Apruébase la reglamentación de la Ley N° 3.022 la que como Anexo Iforma parte integrante del presente.

Artículo 2°.- Créase, en el ámbito del Ministerio de Cultura y como organismodesconcentrado el Instituto Bamúsica, cuyo objeto será administrar y ejecutar el Régimen de Concertación para la Promoción de la Actividad Musical No Dependientedel Ámbito Oficial de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, establecido por la Ley N°3.022.

Artículo 3°.- Facúltase al Ministro de Cultura a dictar las normas complementarias,instrumentales e interpretativas que fueren necesarias para la mejor y más adecuadaaplicación de la reglamentación que se aprueba por el presente.

Artículo 4°.- El presente Decreto es refrendado por los señores Ministros de Cultura yde Hacienda y por el señor Jefe de Gabinete de Ministros.

Artículo 5°.- Dése al Registro, publíquese en el Boletín Oficial de la Ciudad de BuenosAires, comuníquese a la Administración Gubernamental de Ingresos Públicos (AGIP) ypara su conocimiento y fines pertinentes, pase al Ministerio de Cultura. Cumplidoarchívese. Moscariello a/c - Lombardi - Rodríguez Larreta a/c

Se viene

2010-11-09T07:25:00.000-08:00

Divididos en vivo a través de las radios de AMARC Argentina

2010-10-15T04:43:00.000-07:00

Después de tres funciones completamente agotadas, Divididos vuelve el 20 de octubre al Luna Park en lo que será la última presentación de Amapola del 66 en Capital Federal.

Este concierto será transmitido en vivo y exclusivamente por las radios comunitarias de AMARC Argentina para todo el mundo desde las 21.

Los músicos le reclamaron a Macri que habilite más lugares para tocar

2010-09-21T04:53:00.000-07:00

Las fotos fueron tomadas del FB de Ema Melo Forquera, Diario Clarín y Diario Tiempo Argentino

Publicado el 21-09-10 en Tiempo Argentino:

Más de 150 artistas formaron parte de la “Marcha Musical”, frente a la jefatura de gobierno porteño, ayer al mediodía, para “elevar la voz y exigir una solución concreta a la problemática cultural de la Ciudad de Buenos Aires en materia de conciertos y música en vivo”, según sus organizadores. La movida, llamada “¡No al silencio musical! ¡Sí al vivo!”, fue autoconvocada en respuesta a la decisión del Ejecutivo, luego del derrumbe en el boliche Beara, de suspender los permisos de excepción (bajo la resolución 1010/05), que afectó a casi 150 lugares que no pudieron ofrecer bandas en vivo. Frente a las oficinas de Mauricio Macri, entre improvisaciones de guitarra, percusión y bandoneón, los manifestantes exigieron que “no se persiga a la música en vivo” e hicieron hincapié en la falta de un marco legal efectivo para el sector.

(para seguir leyendo ir a www.tiempo.elargentino.com/notas/los-musicos-le-reclamaron-macri-que-habilite-mas-lugares-para-tocar )

Ciclo "Pueden venir cuantos quieran"- Fecha 1

2010-09-16T08:07:00.000-07:00

Este es un ciclo que empezó en la primavera del 2009, en el Espacio Cultural Nuestros Hijos (ecunhi). Juan Diego Incardona -quién lo lleva adelante junto a Rodolfo García- escribió al respecto:

"La idea fue juntar literatura argentina y rock, un cruce que, por supuesto, ya viene dado por las canciones. En las letras de rock nacional es posible rastrear poesía valiosa, que ha dado cuenta de distintas épocas de la cultura popular argentina, de la política, de la economía y la moda. Tanto el rock como la literatura van dejando documentos fundamentales para entender los estados de ánimo de nuestra sociedad. Aprovechando además que la literatura más under, copiando los modos de circulación del rock, ha salido del encierro que imponen los círculos para entendidos, este ciclo se suma a otros que proliferan en los últimos tiempos, donde los escritores, como si fueran cantantes, hacen públicas sus obras oralmente. El título, cita de una canción famosa de Sui Generis, representa el carácter inclusivo que intentamos proponer".

Literatura y Rock Nacional
(segunda temporada - primera fecha- )

Charla abierta con el público.

Músicos invitados: Emilio del Guercio (Almendra) y Javier Martínez (Manal)
Poetas invitados: Fabián Casas y Horacio Fiebelkorn.

Se proyectarán documentales y partes de la película "Ocio" de Alejandro Lingenti y Juan Villegas.

Presentan: Rodolfo García y Juan Diego Incardona.

Entrada libre y gratuita.

ECUNHI
Fundación Madres de Plaza de Mayo
Av. Libertador 8465

Salió nuevo número de La Otra

2010-09-10T05:52:00.000-07:00

Skay Beillinson

Miguel Abuelo

Reflexiones de Pablo Ramos en el programa del 4-09-10

2010-09-07T06:10:00.000-07:00

"Creo que escribir o ser músico o ser artista es una respuesta a una impotencia que uno siente".

"Yo soy también el tipo que para levantarme a mi novia le canto Por ese palpitar de Sandro, el que escucha Favio y se pone a llorar.A mi me pasa que soy todo eso. Uno tiende a valorar más a Leonard Cohen porque habla en otro idioma, porque tiene una mística que... puede ser un Sandro tranquilamente. Hay temas de Sandro que tiene una complejidad musical importante ¿no?

- Son canciones que pertenecen a géneros que los bienpensantes tienden a excluir...

- Claro.Primero porque ser baladista en español es para excluir. Roberto Arlt ya lo dijo en el 30´: leen el Ulises porque no está traducido. Cuando lo traduzcan van a encontrar otros libros, ya no va a ser una bandera de clase, en definitiva. Porque excluye al que no puede leer en inglés. Yo creo que lo interesante de una inteligencia es que sea capaz de superar el prejuicio y vaya más allá de la mirada de los otros.

"A mi me encanta Vuelve de Ricky Martin. Porque en algún momento, en algún rincón o en un baño, nos permitimos conectarnos con emociones sencillas al borde de lo grasa. A veces eso se sostiene, Sandro es más interesante, inclusive Por ese palpitar es impresionante como desarrolla la historia... y la música es muy linda ¿no? Me parece un bolero increíble. Y a Favio lo amo. Favio le puso ruleros a Monzón, punto! Miren Soñar soñar. Es Fellini pero nació acá".

"Liliana Heker siempre tiene piropos raros para mi ¿no? Con La ley de la ferocidad me dijo: No podías no haber escrito esta novela. Punto. Ya está. Y con En 5 minutos levántate María me dijo: Acá demostrás que podés escribir lo que quieras como quieras".

"¿Un escritor sabés quién es?, me dijo Heker. Alguien que habitualmente escribe. Ponete a escribir habitualmente. Y me puse a escribir. Y fue impresionante porque una persona así te alivia de todo. Yo trato de devolver esas cosas. Yo soy una persona que le pesa mucho lo que le dan, necesito dar porque me cansé de encontrarme con personas que me dieron cosas".

"Yo creo que todos somos fundamentales para la literatura. Si el canon no me incluye o en a facultad nunca estoy la verdad es que no se me mueve un pelo. Sí sé que ya me instalé, y esto pasó ayer, porque en julio de 2004 yo no existía, no había publicado nada".

"Hoy estamos más preocupados por la salida ocurrente, por la salida que te deje bien parado humorísticamente, que por intentar profundizar tropezándonos en frases que puedan hacernos quedar como tontos. Creo que estamos dejando de lado la responsabilidad. Cobrando los tantos pesos que te paga el FILBA, disfrutando del hotel, del pasaje de avión, de alguna chica o chico que te sonríe... y muy preocupados en que eso siga así, que nada lo modifique".

"Yo creo que esta trilogía ( El origen de la tristez, La ley de la ferocidad y En 5 minutos levántate María) es sólida en el sentido de que son tres columnas importantes que sostienen todo lo que yo quiera hacer con respecto a Gabriel Reyes".

"Los tres libros funcionan de una manera simbiótica, por momentos no sabés en cuál de los tres estás. Se mete con un situación que hubo en el otro. Lejos de ser una trilogía involuntaria es perféctamente voluntaria, es parte de un mismo proyecto. No hay ningún sentido para hacer un libro más. Terminé de hacer el amor, como diría Pollock. Le preguntaban '¿cómo se da cuenta cuando termina un cuadro?' Y él contestaba: '¿cómo se da cuenta usted cuando termina de hacer el amor?' Uno dice hasta mañana. Y acá dije hasta mañana".

- Mi mamá desde que yo nací lleva un diario. Ella me prestó sus diarios para llevarme a Alemania y encontré ahí la historia de Pablo, el chico que se muere. Mi mamá fue madre voluntaria en la Casa Cuna, de esas madres que van a cuidar a otros chicos por la problemática de que son del interior y las madres tienen más hijos, entonces los dejan...esa historia es tal cual, pasada por el tamiz de mi prosa y puesta en el contexto que se merece. Y el chico se llamaba Pablo de verdad.

- Yo pensé que era un juego tuyo

- No hay ningún juego, lo que es más impresionante. A veces me dicen que yo -lo digo acá y no lo digo más en otro lugar- lo hago para reforzar...no refuerzo nada. Te lo digo porque es impresionante que las cosas se den así: que mi mamá escriba desde que yo nací, que yo escriba, ese chico Pablo... mi mamá me estaba perdiendo de alguna manera. Como digo en La ley: "Dejé todo y me voy a lastimar". Y ella encuentra un Pablo a quién cuidar. Yo le pregunté si lo había elegido porque se llamaba Pablo y me dijo que no, que se dió como yo después lo cuento en el libro.

"Mi mamá me dijo: si algo te gusta del diario usalo. Le pedí permiso porque escribe bárbaro".

"A partir de En 5 minutos... estoy hablando en todos lados de mi mamá y ella, habiendo leído el libro, quedó contentísima, se siente ahí adentro, es increíble. Esa es una posibilidad que me dió la literatura: es el ramo de flores que nunca le compro. Porque le voy a comprar flores y como soy un maricón paso por la panadería y le compro una torta de ricota, y paso por la verdulería y compro coliflor, naranjas, kiwis, y en realidad quiero comprar un ramo de flores. Es tanto el amor que siento por mi madre... lo abarcó todo para mi y mi hermano Gabriel; lo ocupó y lo sanó todo de una manera que es la única manera: olvidándose de ella por completo durante mucho tiempo".

Segundo Festival Internacional de Literatura de Buenos Aires

2010-09-02T06:32:00.000-07:00

El FILBA comenzó ayer y se desarrollará hasta el 5 de septiembre. Pasarán por allí escritores, pensadores, artistas y público en general. Busca promover cruces interdisciplinarios entre la literatura y otras expresiones artísticas. El acceso a las charlas es gratuito. Para informarse sobre la programación y lugares ingresar aquí: www.filba.org.ar

La radio y yo

2010-08-27T08:15:00.000-07:00

Mi relación con la radio se debe remontar al inicio de mi existencia. Casi desde que tengo memoria recuerdo la presencia de la radio en mi casa. Había una portátil que iba de un lado a otro, era una radio cuya marca no recuerdo con un parlante negro y el dial en color verde. Mi viejo la llevaba al campo todas las semanas y en casa creo que quedaba un Winco en el que se podía escuchar AM. Me acuerdo el día que papá apareció con el plástico que revestía el parlante de la radio todo deformado, era como si se hubiesen creado tres lomas de burro una al lado de la otra.

Evidentemente, la radio había sido ubicada en la luneta del auto y en la ruta el sol la moldeó a su gusto y piacere. Aún así –por supuesto- la radio siguió funcionando y nos acompañó por mucho tiempo más hasta que compraron una Tonomac, muy linda ella pero a la que le perdí el rastro. Hace unos 10 años se cambió por una Aiwa que venía de la casa de mi abuela y que terminó por ser más moderna pero mucho –muchísimo- menos fiel que las otras dos.

El otro recuerdo es de ver a mis viejos acostados y la radio en la cama al lado del oído. Ese era mi viejo. Qué digo al lado: abajo del oído. Supongo que de allí viene mi práctica de dormirme escuchando radio todas las noches, que comenzó de chico –llevándome la radio a la pieza para escuchar los partidos de River o de quien fuera- y fue continuando de más grande hasta el día de hoy.

En casa se escuchaba LU2 Radio Bahía Blanca. No me voy a poner a explicar lo que es LU2, ya lo hice alguna otra vez. Lo que me interesa contar es que son pocas las voces que quedan para siempre. En Buenos Aires hablan de Fontana, Guerrero Martineithz, Larrea… hombres y voces que además –como yapa-revolucionaron el modo de hacer radio. Bien: las voces que quedaron grabadas en mi memoria son dos (y las dos ligadas a las transmisiones deportivas): Rubén Coleffi y Rafaél Emilio Santiago. Los dos periodistas deportivos. Coleffi fue un extraordinario relator de básquet por radio que creo insuperable, al menos en mi recuerdo. También transmitió fútbol, pero no era lo mismo, el básquet era lo suyo. Debería conseguir esos viejos relatos de la década del 80/ 90 y cotejarlos con mis criterios actuales sobre la radio para escuchar si era tan bueno como yo creía. Supongo que sí. En ese momento yo escuchaba radio con una inocencia que fui perdiendo pero el recuerdo impone a Coleffi como un creador de mundos mágicos que pocas veces volví a oir. Hoy escucho con otros oídos, presto atención al behind the scene y a los mecanismo complejos que hacen que las puestas al aire suenen simples, bien y naturales. No todo es tan simple ni tan natural. No añoro esa inocencia. Yo iba a la cancha a ver a Estudiantes y miraba siempre hacia la cabina donde él transmitía. Quizás allí radiquen las primeras observaciones del cómo hacer radio. Miraba el partido, escuchaba la transmisión y trataba de sacarle los yeites, de ver si mentía en lo que transmitía. Y no, claro que no, si bien es cierto que el relato era siempre mejor que el partido. Con Victor Hugo también sucede. En esos momentos uno cae en la cuenta de que relatar es un arte. Coleffi se retiró del relato. Y con él un modo de relatar básquet en Argentina.

Y Rafaél Emilio Santiago (Santiago es su apellido) es una institución del periodismo deportivo bahiense, con todo lo bueno y lo malo que eso conlleva. Un tipo que ronda los ¿70? pero conserva su voz igual de fresca que hace 20 años. Todavía mantiene ese tono canchero, algo aporteñado quizás, que lo hace sobresalir del resto. Junto a Coleffi hacían una dupla de las mejores del mundo en lo suyo. Eran como Lennon- Mc Cartney o Jagger –Richards del basquet. Hoy extraño esas voces. Cada vez que vuelvo a Bahía me desespero por escuchar algunos minutos de Santiago. No me importa lo que diga, casi siempre estoy en desacuerdo con lo que dice, es absolutamente reaccionario, conservador y facho pero claro…caigo en la cuenta de que lo que yo extraño no es su opinión –que repito: detesto y por suerte con los años pude ir formando una mía propia- sino su voz. Esas voces son parte de las marcas de vida que uno lleva consigo, ese tipo tiene una voz que necesito cada vez que piso BB. De Coleffi no sé nada.

A través de la radio llegó la música. Mi vieja tenía un grabador y compraba unos cassettes de audio raros, una marca que podría recordar como AM60 o algo por el estilo. No eran TDK. Debemos estar en el año 88. Estábamos en el living del departamento y ella ponía la radio y esperaba ese segundo de silencio entre canción y canción para apretar rec y grabarlas. Recuerdo que esa tarde grabó No voy en tren y alguna otra cosa más… quizás Sergio Denis. Estábamos los dos mirando y escuchando la radio y yo veía cómo apretaba el rec para enganchar la canción que le gustaba. Esos cassettes los tengo guardados. Otros tiempos, más artesanales, y otra radio en una ciudad que no era Buenos Aires.

Eso fui yo como oyente. Hasta que un día me enteré de que mi tío hacía radio en una FM local. El era (y es) mecánico y para mí su ámbito de trabajo era su taller, los autos, el aceite, la grasa. Alguna que otra vez había registrado que en su casa aparecían cada vez más casettes pero supuse que era una especie de renacimiento de su interés por la música. La cuestión es que un día no sé si de cumpleaños o de visita a mi casa, él dice que se tiene que ir a hacer radio. Y yo lo acompañé. La radio era FM Radio del Sol y quedaba a dos cuadras de casa sobre la calle Drago. No me olvido cómo me temblaron las piernas cuando me dijo si quería leer un texto al aire. Wow! Yo tenía ganas de leer, lo deseaba, sólo tenía que preguntármelo. Por supuesto dije que sí. Son esos momentos en que uno desea mucho algo y a lo mejor el otro dándose o no cuenta le deja la oportunidad servida en bandeja. ¿Qué hubiera pasado si nunca hubiese pisado una radio a esa edad? No sé, nada seguramente. No hubiera pasado nada determinante. Pero quizá en ese mismo instante me dí cuenta de que por ahí iba a ir la cosa. Tenía 14 años, creo. No soy bueno para las fechas. Un tiempo antes había salido El amor después del amor de Fito Páez y empezaba a desandar el caminito de convertirse en el disco más vendido de toda la historia. Un día cae mi tío y –con ese aire protocolar que a veces tiene- le pidió a mis viejos charlar a solas. Y les preguntó si me podía llevar a ver a Fito Páez a la cancha de Estudiantes, presentaba el disco. Fuimos a ver a Fito y fue inaugural. Ya había recibido de mis viejos un casette de Sui géneris que gastaba y gastaba. Ahora se me abría el mundo de ésta bestia en estado de ebullición que era Páez. La música y la radio ya eran como una sola cosa para mí, iban de la mano. Y no estaba mal –sigue sin estar mal- porque hacer radio es parecido a hacer música.

Un par de años después – en segundo año de colegio- empecé a hacer micros de 10 a 15 minutos de deportes en una maratón de 6 horas sábados y domingos que se llamó Mano Única. Sábados y domingos de 8 a 14. Esperaba el fin de semana con una ansiedad similar a la que lo espero hoy (todavía me encanta ir a la radio y casualmente o no también estoy los sábados y los domingos). Al poco tiempo aprendí a operar, y cuando nos quedamos sin operador lo reemplacé todo el sábado y todo el domingo, cuando en la radio las tandas se hacían a casette y que salga todo a tiempoy como se debía eran una carrera contra el tiempo, sin mencionar los enlaces con los panoramas de Radio del Plata, la radio más impuntual que debe haber existido en la radiofonía argentina para tirar los panoramas. Al menos allá por 1996. En 1997 creo que pasamos a FM Latina y ahí ya hice las veces de co-conductor con mi tío. El programa se llamaba Codo con codo.

Toda esa época la radio me salvó la vida. Que alguien pensara que yo con 15 años podía hacer radio es una locura que a mi no se me ocurriría hacer con un pibe de esa edad por más que sea mi sobrino, no al menos sin pensarlo un rato largo. Esas cosas se agradecen. La radio para mi es mucho más que locutores, operadores, música, voces, tanda, emisor y mensaje. La radio fue un refugio. Y fue ideal porque a su vez me conectó con lo que a esa altura quería ser. Quería estar en contacto con la música, los medios, la política… La radio fue una llave para entrar a esos mundos.

La historia siguió pero no viene a cuento. Hoy la radio argentina cumple 90 años y sigue siendo importante en la vida de las personas, lo que significa que quienes la hacen también lo son. Se va a hablar de Sussini, de que fue la primera transmisión de ese tipo a nivel mundial, de que la hicieron desde el Coliseo, de Parsifal, de la magia y la compañía que significa para tantísima gente. Yo quería no perder el recuerdo de porqué amo a la radio, porqué nunca va a dejar de ser importante en mi vida, ya sea como oyente o hacedor.

PD: El día que aparezca un pibe de 15 años con ganas de hacer radio intentaré acordarme de mi mismo a esa edad y darle una oportunidad. Nobleza obliga.

Vuelve La danse, el Ballet de la Ópera de París

2010-08-26T05:42:00.000-07:00

A raíz del éxito obtenido por el estreno del film, que agotó sus entradas durante tres fines de semana consecutivos, el Complejo Teatral de Buenos Aires, la Asociación Doc Buenos Aires -en su décimo aniversario- y la Fundación Cinemateca Argentina reestrenarán el próximo lunes 30 de agosto en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín el film La danse, el Ballet de la Ópera de París, la obra maestra del documentalista estadounidense Frederick Wiseman.

Para acompañar el reestreno, se llevará a cabo simultáneamente un ciclo denominado "Danza contemporánea x grandes cineastas", creaciones de directores de la talla de Olivier Assayas, Claire Denis y Pierre Coulibeuf, sobre coreografías de Pina Bausch y Angelin Preljocaj, entre otros artistas que también participan del film de Wiseman.

La agenda completa de las proyecciones -que cuentan con el auspicio y la colaboración de la Embajada de Francia y el Goethe-Institut- es la siguiente:

Lunes 30:

- Eldorado / Preljocaj
(Francia; 2008)
Dirección: Olivier Assayas.
A las 14.30 y 18 horas ( 90’ )

El director de Boarding Gate y Las horas del verano filma el encuentro entre el compositor Karlheinz Stockhausen, legendario iniciador de la música electroacústica, y el coreógrafo Angelin Preljocaj, enfocado en la creación del ballet Eldorado. Sesiones de ensayos y conversaciones preparatorias, un auténtico intercambio que ilustra las resonancias entre partitura y movimiento.

- La danse, el Ballet de la Ópera de París
(Francia/EE.UU., 2009)
Dirección: Frederick Wiseman
A las 21 horas ( 158’ )

Martes 31:

- La consagración de la primavera
(Alemania Federal, 1976)
Dirección: Pina Bausch y Pit Weyrich.

La consagración de la primavera, de Igor Stravinski, es una de las obras musicales coreografiadas más a menudo. Entre las incontables coreografías que existen, la versión de Pina Bausch puede ser considerada como la más radical y conmovedora de todas. La danza, en la que se desafía a una espesa capa de tierra, hace creíble el sufrimiento de los participantes del sacrificio primaveral con imponente presencia física e intensidad. Danzan, siguiendo la profunda convicción de su coreógrafa, por su vida.

+

- Cafe Müller
(Alemania Federal, 1985)
Dirección: Peter Schäfer.

Pina Bausch no ha expresado nunca de una forma tan personal y triste su tema principal, la búsqueda humana de protección y amor, como en su obra Café Müller, de 1978. Al mismo tiempo, en esta búsqueda imperturbable residen la fuerza y la voluntad de no rendirse, de no dejarse apartar del camino, incluso cuando la falta de esperanza parece abrumadora.

A las 14.30 y 18 horas ( 36’ + 55’ )

- La danse, el Ballet de la Ópera de París
(Francia/EE.UU., 2009)
Dirección: Frederick Wiseman
A las 21 horas ( 158’ )

Miércoles 1°:

- Hacia Matilde
(Vers Mathilde; Francia, 2005)
Dirección: Claire Denis.

Un encuentro silencioso de dos mujeres que crean. Claire Denis, cineasta, filma de cerca los cuerpos y su lenguaje. Mathilde Monnier, coreógrafa, busca a través del movimiento, más allá de la forma de la danza, los territorios que se abren sobre la vida. Su encuentro testimonia una colaboración intensa e íntima y el deseo de Claire Denis de preguntarse ahora y siempre sobre el gesto como un misterio.

“Este film no se llama Hacia Mathilde porque sí. Nos encontramos mutuamente en el rodaje y ese movimiento ‘hacia’ formó una suerte de vínculo que va más allá de las palabras. Creo que, en un plano, en una toma de un film, el cuerpo debe vivir y también contar una historia” (Claire Denis).

A las 14.30 y 18 horas ( 84’ ).

- La danse, el Ballet de la Ópera de París
(Francia/EE.UU., 2009)
Dirección: Frederick Wiseman
A las 21 horas ( 158’ )

Jueves 2:

Damas y Caballeros a partir de 65
(Damen und Herren ab 65; Alemania Federal, 2002)
Dirección: Lilo Mangelsdorff.

Pueden seguir sentados en su casa y gozar de su jubilación. En lugar de ello han respondido a un pequeño anuncio de periódico que decía: “Se buscan damas y caballeros a partir de 65 años”. La coreógrafa de Wuppertal Pina Bausch presenta una nueva escenificación de su obra Patio de contacto con aficionados de edad madura. El documental acompaña a personas que han dejado atrás su vida profesional y aceptan un reto completamente nuevo. Ellas quieren aprovechar aquí todas sus energías y experiencias y sobreponerse a convenciones y fronteras. Un film conmovedor sobre el proceso de envejecimiento.

A las 14.30 y 18 horas ( 70’ )

- La danse, el Ballet de la Ópera de París
(Francia/EE.UU., 2009)
Dirección: Frederick Wiseman
A las 21 horas ( 158’ )

Viernes 3,sábado 4 y domingo 5:

- La danse, el Ballet de la Ópera de París
(Francia/EE.UU., 2009)
Dirección: Frederick Wiseman
A las 14.30, 17.30 y 21 horas ( 158’ )

Lunes 6:

- Dominique Mercy baila Pina Bausch
(Dominique Mercy danse Pina Bausch; Francia; 2003)
Dirección: Régis Obadia.

Se trata del recorrido de un bailarín excepcional, y también de la historia de su encuentro y su ejemplar colaboración con una de las más emblemáticas figuras de la danza contemporánea. Una colaboración artística y una amistad nunca desmentidas en treinta años, durante los cuales el deseo de ser uno mismo nunca prevaleció sobre la generosidad, la modestia y la devoción por la obra. Miembro del Tanztheater de Wuppertal desde su fundación en 1973, Dominique Mercy es indisociable de la aventura artística de Pina Bausch y de la mayoría de sus creaciones.

+

- Pabellón negro
(Pavilion noir; Francia; 2006)
Dirección: Pierre Coulibeuf.

Punto de partida de la película de Pierre Coulibeuf rodada en 35 mm: un edificio, objeto radical de hormigón negro calado, diseñado por Rudy Ricciotti para el Ballet Preljocaj, 19° Centro coreográfico Nacional, inaugurado en 2006 en Aix-en-Provenza. Siete bailarines-actores nos permiten describir sus espacios, a través de una creación inédita.

Acciones coreográficas y situaciones paródicas conducen el juego, cruzando diferentes lenguajes y varios temas: el espacio, el tiempo y el movimiento. La energía, las fuerzas, el vacío y el cuerpo son los temas explorados en esta creación especial, compuesta de escenas y cuadros coreografiados en los diferentes espacios del edificio. Inspirado por su forma próxima al constructivismo, Pierre Coulibeuf recurre a la ficción para poner a prueba la realidad.

A las 14.30 y 18 horas ( 56’ + 23’ )

- La danse, el Ballet de la Ópera de París
(Francia/EE.UU., 2009)
Dirección: Frederick Wiseman.
A las 21 horas ( 158’ )

Martes 7,miércoles 8 y jueves 9:

- La danse, el Ballet de la Ópera de París
(Francia/EE.UU., 2009)
Dirección: Frederick Wiseman.
A las 14.30, 17.30 y 21 horas ( 158’ )

Que nadie me mida el corazón

2010-08-04T06:28:00.000-07:00

Domingo 1 de agosto de 2010 - Página/12

Un músico elige su canción favorita:
Ernesto Snajer y la versión de Lliliana Herrero de “La casa de al lado", de Fernando Cabrera.

"Cuando era chico y escuchaba algo que me gustaba, creo que entraba en trance. Empecé a escuchar música de muy chico: es algo con lo que tuvieron mucho que ver mi mamá y mi tía, pero especialmente un abuelo muy melómano, que era colectivero y cuando él volvía de trabajar se ponía con el combinado. Yo lo miraba a escondidas, pero de ahí adquirí el hábito. Luego escuché Sgt Pepper’s y me volvió loco, y a los 11 años ya tenía la colección completa de Los Beatles. Si una canción me gustaba mucho yo entraba en un estado de beatlemanía: de pronto estaba en Liverpool tocando con ellos.

Ahora, por lo general, siempre estoy tratando de recuperar ese sentimiento de cuando alguna canción me transportaba a otro lugar. A mí me pasó que a medida que iba juntando más experiencia como músico, cambió mi manera de escuchar y de relacionarme con la música. Siempre existen cosas para descubrir o redescubrir, pero son pocas las cosas que me conmueven profundamente como al principio. Hoy tengo una escucha más quirúrgica de la música, aunque aquella otra experiencia de mi infancia no se perdió del todo. Sigo buscando. Y eso es lo que me sucedió con “La casa de al lado” de Fernando Cabrera, en especial con la versión de Liliana Herrero.

Conocí esta canción cuando Liliana estaba armando el repertorio de Igual a mi corazón, y me la cantó a capella. Ella arrancó con: “No hay tiempo, no hay horas, no hay reloj” y yo ya estaba otra vez en Sarandí con Pablo Ramos y los pibes, en verano y sin hacer nada. Tardes enteras en cueros, muertos de calor, en patas en la vereda, con el tocadiscos fuerte en la casa de mis abuelos. No nos aburríamos de hacer eso. Ese tema que hizo acordar de aquello. Una de las cosas sensacionales de la letra es que describe algo del barrio, pero aunque puede parecer costumbrista no lo es demasiado: el costumbrismo mucho no me gusta, tiene que tener algo psicodélico en el medio, y esto lo tiene. Es la clase de temas que uno conoce aunque no lo haya escuchado antes, parece que siempre hubiera estado ahí, como “Muchacha”, “Yesterday” o “Lately”, de Stevie Wonder. La melodía es hermosa y los acordes iban sonando en mi cabeza, a pesar de que Liliana cantaba a capella.

Creo que el mérito mayor de Fernando, es que es imposible imaginar otra melodía para esa letra (y viceversa). Son geniales las dos cosas e inseparables. Y es muy lindo cómo llega el estribillo después de las estrofas, parece un desahogo. Me gusta mucho que si bien hay un tono melancólico, no es un bajón. En general no me gustan los temas tristes, y a éste no lo siento exactamente triste. La letra parece decir que, bueno, las cosas eran así; está buenísimo que fueran así pero ya han pasado, y el mejor momento es ahora. “Se pasa el año, se pasa volando”, dice la canción, y el verso me resulta impactante: el momento es ahora, es importante, no hay que dejar que se nos escape. Al menos eso es lo que yo interpreto, lo que me llega.

La manera de Liliana de cantarla es conmovedora, muy profunda y tiene todos los matices posibles. Matías Arriazu en la guitarra y Mariano Cantero en la percusión tocan como los dioses, son dos tipos que juntos se potencian y parecen un grupo más numeroso. También tiene un rol importante en la grabación Marcelo Moguilevsky. Sus frases de clarinete parecen las voces de las personas que vivían en ese universo que pinta Cabrera en la canción, ecos de gente que uno conoció –los vecinos del barrio tal vez– y que no está más".

No hay tiempo no hay hora no hay reloj
no hay antes ni luego ni tal vez
no hay lejos ni viejos ni jamás
en esta olvidada invalidez.

Si todos se ponen a pensar
la vida es más larga cada vez
te apuesto mi vida una vez más
aquí no hay durante ni después.

Dejá no me lo repitas más
nosotros y ellos vos y yo
que nadie se ponga en mi lugar
que nadie me mida el corazón.

La calle se empieza a incomodar
el baile del año terminó
los carros se encargan de cargar
los restos del roto corazón.

Acá no hay tango
no hay tongo ni engaño
aquí no hay daño
que dure cien años
por fin buen tiempo
aunque no hay un mango
estoy llorando
toy me acostumbrando

Acá en esta cuadra viven mil
clavamos el tiempo en un cartel
somos como brujos del reloj
ninguno parece envejecer.

Mi abuelo me dijo la otra vez
me dijo mi abuelo que tal vez
su abuelo le sepa responder
si el tiempo es más largo cada vez.

Se pasa el año
se pasa volando
ya no hay más nadie
que pueda alcanzarlo
y yo mirando
sentada en el campo
como se pasa
el año volando.

No pasa el tiempo
no pasan los años
inventa cosas
con cosas de antaño
a nadie espera
la casa de al lado
se va acordando
se acuerda soñando.

2010-07-05T04:32:00.000-07:00

Congreso por la Ley Nacional de la Música

2010-06-23T05:15:00.001-07:00

Más de 400 referentes de la actividad musical se dieron cita en el CONGRESO POR LA LEY NACIONAL DE LA MÚSICA que se llevó a cabo los días viernes 4 y sábado 5 de junio en el ECuNHi (Espacio Cultural Nuestros Hijos) de la Fundación Madres de Plaza de Mayo.

El Congreso fue organizado por la FA- MI (Federación Argentina de Músicos Independientes) y el mencionado espacio cultural. Las actividades de ambas jornadas incluyeron mesas- debate sobre: derechos intelectuales y laborales en la música, la problemática de falta de normas claras para habilitar lugares para tocar, entre otros temas referentes a la música. También se expusieron, a través de los representantes de las organizaciones de músicos, las distintas realidades en las que se desarrolla la actividad musical en las provincias de Santiago del Estero, Salta, Santa Fe, Córdoba, Mendoza, Tucumán, Santa Cruz, Buenos Aires, Neuquén y Capital Federal.

El Congreso contó con la participación de una gran cantidad de sectores relacionados con la actividad, desde músicos hasta dueños de lugares para tocar (La Vaca Profana, Casa Brandon, No Avestruz, entre otros), managers, productores, sonidistas, videastas, etc.

Algunos de los presentes y disertantes fueron: Raúl Carnota, Liliana Herrero, Teresa Parodi (Directora del ECuNHi), José Luis Castiñeira de Dios (Director Nacional de Artes), Diego Boris (músico y presidente de la FA-MI), Cristian Aldana (músico del grupo El Otro Yo y presidente de la Unión de Músicos Independientes), Matías Merillan (representante de los Pueblos Originarios en el Consejo Federal de Medios de Comunicación Audiovisual) quien vino a traer su adhesión a la Ley Nacional de la Música, Carlos Casciani (presidente de FIMA y del Movimiento Independiente de Músicos Mendocinos), Gaby (manager de La Renga), Jorge Pistochi (creador de la legendaria revista Expreso Imaginario), Pablo Baldini (productor nacional e internacional) en representación de AADET (Asociación Argentina de Empresarios Teatrales), Rodolfo Garcia (músico y gestor Cultural) Idelfonso Pereyra (gestor cultural y productor del festival de Tango Independiente) Jorge Zima ( Músico Y gestor Cultural) Alicia Lagos (editora y especialista en propiedad intelectual), Ramón Antuz (Presidente de la Asociación de Músicos Independientes de Santiago del Estero), Andrés Abramowski (Presidente de QUBIL, Músicos Independientes de Rosario), Gustavo Llanos (Presidente de Septiembre Rock, Santa Cruz), Jorge Chocobar (Presidente de la Asociación de Músicos Independientes de Neuquén), Víctor Conti (Presidente de Músicos Independientes Asociados de Salta), Jorge Cueto (Vicepresidente del Músicos Convocados de Córdoba), Gustavo Zurbano (Presidente de la Unión de Músicos en la CTA), Edgardo Federico Denis (Secretario de la asociación civil SuRock de Santa Fe), Omar Garayalde (músico y docente), Guillermo Tello (Músicos Convocados), entre muchos otros.

Con una amplia concurrencia, el cierre estuvo a cargo de Horacio González (Director de la Biblioteca Nacional y Co-autor de la Fundamentación de la Ley Nacional de la Música) como expositor y de Miguel Cantilo. El reconocido músico dio un recital y el público entusiasmado se retiró cantando la última línea de la La Gente del Futuro ... es el material con que edificaremos un mañana total.

Extraído de www.musicosconvocados.com

Piropo!

2010-06-11T04:12:00.000-07:00

"Yo la estuve hojeando y voy a quedar como un chuámedias, pero tengo que decir algo, un elogio: Muchas veces las revistas se arman y terminan siendo moderadas porque dan cuenta de algo, pero no es que dicen sino que simplemente muestran y nada más. Todos los artículos que estuve hojeando recién dicen cosas muy fuertes, son opiniones, blanco o negro. A mí me parece algo muy importante que una revista tenga puntos de vista claros acerca de distintos aspectos de la realidad y de las artes. Y la verdad que La Otra todo el tiempo está diciendo cosas y valorando, que es lo que una revista tiene que hacer. Una revista tiene que tener un criterio editorial y ese criterio tiene que ser político, estético, etc. Así que felicitaciones, tantos años, tantos números, mucho laburo..."

(Juan Diego Incardona, al aire del programa el pasado 5-06-10)

Almorzando en el Colón

2010-06-03T05:15:00.000-07:00

El sábado pasado charlamos con José Piazza, delegado general del Teatro Colón.

PC: Nos preguntábamos mientras veíamos la reapertura del Colón qué es lo que piensan ustedes de eso y que es lo que hay detrás de esa fachada.

José Piazza: Son varias cosas. Desde la parte legal, el no respeto de la ley ni de los fallos judiciales por parte del Gobierno de la Ciudad. Hasta ahora llevamos 4 fallos judiciales a favor de los trabajadores, porque todas las medidas que se han tomado internamente con el personal han sido ilegales. Por eso tenemos un cuarto fallo a favor y presentamos una denuncia penal contra el Ente Autárquico del Teatro Colón y contra el Ing. Macri, Rodriguez Larreta, su ministro de Cultura Hernán Lombardi, al Ministro de Desarrollo Urbano de la Ciudad Daniel Chain y al director del teatro García Caffi por incumpliento de los derechos de funcionario público. El Ente Autárquico, así como la jefatura de gobierno, se mantienen fuera de la ley. Por otro lado: ¿qué esperamos nosotros? Yo tuve la oportunidad de empezar a ensayar dentro del Teatro y Macri dice que el teatro puede funcionar con 800 personas adentro. Yo te digo que entro y encuentro seguridad privada que está pegando vueltas en los pasillos. Nosotros teníamos poca seguridad y era del gobierno, ahora todo eso está tercerizado, es decir que tengo dudas de que se trabaje con 800 personas, porque hay mucha gente trabajando y son todas empresas tercerizadas. Ni hablar de la boletería, que ya lo sabemos, o de parte de la producción que también ha sido tercerizada. Lo que está haciendo Macri al desplazar a 300 trabajadores es desplazar a un personal por otro, busca el negocio privado con patrimonio público, total lo mantiene el contribuyente de la ciudad. Lo que se ve es que se perdió o se está perdiendo un teatro como sucedió con los ferrocarriles o con Aerolíneas Argentinas o muchas empresas que ahora son todas subvencionadas. Las terceriadas son subvenciones, es decir que el gasto se va a agrandar, el trabajador que hacía la tarea que hace un empleado del estado va a ganar mucho menos.

PC: ¿Cuáles fueron las medidas que se tomaron con los trabajadores durante el tiempo que se estuvo trabajando adentro del teatro?

JP: Para llevar a cabo esta medida se tuvo que crear la ley de Autarquía, donde no tipifican al personal del teatro pero sí a las direcciones. En una resolución interna del teatro se eliminaron 11 secciones: 9 técnicas y 2 artísticas. Todo en forma ilegal, porque para hacer una resolución interna –como dice la ley que ellos hicieron- tendrían que hacer paritarias y garantizar la estabilidad laboral de los trabajadores del teatro, y el directorio tendría que estar compuesto por un trabajador elegido por sus propio pares. Nada de esto sucedió, la dirección del teatro obvió estos artículos que tiene la ley y avanzó de forma unilateral e inconsulta a desplazar a todo el personal y crear una estructura que no es nada funcional para el teatro. Y digo esto porque sacan mayordomía y contratan una empresa privada para que limpie el teatro, o lo mismo con boletería. Es decir que a la gente que desplazan la reemplazan con tercerizadas. Va al gran negocio, el teatro recauda mucho dinero. La discusión que tendríamos que tener acá es qué tipo de teatro queremos. Ellos quieren un teatro de rédito económico, nosotros uno de rédito social.

PC: ¿Tuvieron algín tipo de apoyo por parte de los artistas que han sido figuras del teatro? ¿Están inmersos en esta problemática?

JP: No. Están los obsecuentes y los que quieren defender el teatro. Nosotros estamos defendiendo el teatro, que es lo que debería hacer el Estado. Creemos que no debe avanzar esta ola privatista. Nosotros tenemos nuestras dudas y nuestros cuestionamientos sobre lo que ha hecho la empresa que se encargó de la refacción del teatro. Lo mismos van a hacer en el Teatro San Martín, allí están pasando por el mismo proceso que estamos pasando nosotros. Lo de Macri es un proyecto político que apunta a privatizar todo, lo mismo sucede con la salud, en ese sentido el Colón no es una burbuja. Nosotros defendemos un modelo de gestión que esté a disposición de los contribuyentes y no de 4 vivos. El nuevo abono, por ejemplo, subió hasta un 400 por ciento en relación a los abonos anteriores, así que ahí está claro para quién se hace el teatro: para un nuevo público, para el turismo...

PC: ¿Por dónde pasan los cuestionamientos a las refacciones que decís?

JP: No es una refacción sino una reestructuración, es decir que el teatro como era dejó de serlo, se tocó el teatro en su estructura edilicia histórica. Ya no es el teatro Colón que fue porque ha sido totalmente reestructurado. Donde estaban los camarines están haciendo sala de estar, confiterías; las salas de ensayo las cambiaron, los camarines también... Ya por ese lado se tocó el muro histórico. Con respecto a la acústica hay muchas dudas, por suspuesto que nunca va a ser la misma, pero lo que queremos ver es si ha quedado dañada o no. Yo no he tocado en la sala aún, pero algunos colegas me dijeron que hay mucha reverberancia, etc, etc. Yo, cuando ensaye en la sala, podré tener una opinión personal. Y después hay que decir que hay un faltante de patrimonio interno, todos los materiales que había estaban tirados por ahí y todavía siguen tirados en el predio de al lado de la Facultad de Derecho. Estamos tratando de defender todo lo que podamos del patrimonio interno además del personal.

Hasta ahí la entrevista.

Y hablando de todo un poco, ésta semana nos enteramos que -como si fuera poco la utilización de la sala Cunill Canabellas del Teatro San Martín para una fiesta privada- han facilitado la utilización de las instalaciones del Colón para que Mirta Legrand festeje sus 42 años en pantalla. Los invitados serán el Jefe de Gobierno, el Ministro de Cultura de la Ciudad, el Director del Teatro Colón y el Ministro de Planificación Urbana de la ciudad.

Dice Iván Pavlovsky, vocero de Macri, en el Página 12 de hoy: “Mirtha es una de las dos grandes divas en vida que tiene la Argentina, tiene un palco en el teatro y como creemos que el aniversario de su programa en el año del Bicentenario es una causa importante, nos pareció atinado acceder al pedido”, argumentó Pavlovsky. Según el vocero del jefe de Gobierno, no hubo un pedido formal ni tampoco se le exigió a la producción nada a cambio. “Las charlas comenzaron con la reinauguración del teatro y después de tomar los recaudos necesarios decidimos prestarle el Salón Dorado de manera gratuita, de la misma manera que otros programas han entrado al Colón, como alguno de El Trece y el ciclo radial de Oscar González Oro”.

Justamente eso marcábamos en la radio, que no es cualquiera quien ingresa al teatro, sino todas voces que que exaltan este espíritu privatista que marcaba José Piazza. Existe un lobby grosero que se viene realizando desde hace meses para generar cierto consenso de que la reapertura conlleva -por ejemplo- una excelente acústica, cosa que por el momento está en duda (dicho esto por los músicos que están empezando a ensayar en la sala). Claro, no es lo que dicen los personajes que desfilaron por Canal 13, ni el Negro Oro cuando recorrió las instalaciones junto al arquitecto a cargo de la obra. Ninguno de todos ellos cuentan esas cosas que están contando los delegados y que tienen que ver con el funcionamiento interno del Colón, con el personal desplazado, con el desmantelamiento de una área importante como la producción, en fin...las personas que sostienen al teatro día a día.

Editorial leído al aire el 8-05-10

2010-05-12T06:28:00.000-07:00

Hace unas semanas estuve participando de un taller que lleva adelante el escritor amigo Juan Diego Incardona. Estamos en un momento en el que desde los medios de comunicación se insiste con el miedo. Todos tienen miedo, ahora también los periodistas. A tal punto llegó la situación que Eduardo Aliverti en la entrega de los Martín Fierro se vió obligado a decir que paren un poco, que tengan más respeto por las palabras, que acá se chuparon a mucha gente como para que estos tipos anden alegremente diciendo que tienen miedo, cuando está a la vista que dicen y hacen lo que se les da la gana sin que nadie les diga nada, ni le coarten ninguna libertad.

Desde hace mucho el tema es la inseguridad, esto de que salís y te pegan un tiro. Se crea un clima de paranoia que muchas veces contrasta con lo que se percibe en la calle. Ahora el miedo golpea la puerta de las casa de los periodistas. Escriben un libro de investigación o cualquier otroa y ya están a la defensiva pensando en cuándo llega la represalia (y con eso el marketing y con eso la mayor cantidad de ventas). Más allá de los hechos en la feria del libro o de los carteles a los que llaman escraches en las marchas por la ley de medios –que no negamos-, ese miedo que pregonan no deja de ser un miedo de clase.

Juan Diego me ayudó a hacer el ejercicio de rastrear la inseguridad en la literatura argentina. Quizá el primer caso de representación de esa inseguridad haya sido El matadero de Estaban Echeverría, cuento que además es fundacional de la narrativa argentina. Estamos hablando del siglo XIX. La historia es más o menos así: Un unitario cajetilla va con su caballo camino a Barracas y pasa cerca de este matadero, ingresa en territorio ajeno, las afueras de la ciudad, en los suburbios, donde carniceros y achuradores están trabajando entre reses tendidas en el barro, sangre que sale de los degüellos y gente que se amontona para llevarse un pedazo de esos animales. Ellos eran la prole, los que respondían al restaurador, los federales. En términos de Sarmiento allí está la barbarie. El unitario entonces entre en zona ajena, en el espacio del otro y ni bien es visto se le van al humo, lo tiran del caballo y empieza a ser delirado. “Mueran los salvajes unitarios” gritaban. Le quieren hacer la refalosa, lo quieren violar. Este joven unitario se encoleriza y no es violado porque antes de ser penetrado revienta de rabia. Explota de bronca.

David Viñas dijo alguna vez que la literatura argentina se funda en una violación, no es exactamente cierto porque no hubo penetración, pero algo de eso hay.

Ahí está la manera en que Echeverría representa al otro, al diferente. Y es justamente el hombre letrado, el hombre culto el que representa a los que no tienen voz. O sea: el tipo que les da voz a los otros es el culto. Vaya paradoja. Nunca el otro habla por sí mismo. El otro es hablado por Echeverría en este caso. (Piénsenlo en relación con la actualidad ¿Quiénes son los que hablan por nosotros?)

La de Echeverría es paranoia de clase y como dice Ricardo Piglia se va a reescribir esta misma historia infinidad de veces a lo largo de la historia de la literatura argentina. Es la reactualización constante de la lucha entre civilización y barbarie. Echeverría, un tiempo antes, había escrito La Cautiva. Otra vez la paranoia a flor de piel. El otro en este caso es la horda de “indios” que vienen a llevarse a sus mujeres que están en las campañas acompañando a sus maridos. El otro siempre es un salvaje.

Hay algunos otros ejemplos: Pensemos en Facundo de Sarmiento, en Casa Tomada de Cortazar, en El niño proletario de Lamborghini, en La lengua del Malón de Guillermo Sacomano. Menciono sólo algunos. Y si salimos de los libros y lo llevamos a la televisión… Okupas, la serie de Bruno Stagnaro. Buenos Aires del 2000. Hay un capítulo –el 4- que se llama "El beso de Judas" donde Ricardo –el personaje protagonizado por Rodrigo de la Serna- hace un viaje iniciático hacia el Gran Buenos Aires. Nuevamente el Gran Buenos es un territorio desconocido en el que el chico blanco de clase media alta incursiona para buscar merca. Como sucede en El Matadero a “Ricardito” intentan violarlo y le dicen “mascapito”. Podemos pensarlo como otra reescritura del Matadero. Nuevamente el paisaje donde anida la barbarie es más allá de la General Paz. Siempre la geografía organiza las relaciones en centro y periferia. El centro es la capital, la periferia el conurbano.

Salgo de la ficción. El otro es el tipo al que Macri le quiere prohibir que venga del Gran Buenos Aires a atenderse en “nuestros” hospitales, al que le manda la UCEP para que no contamine el espacio público, el piquetero que corta el puente o el trapito amenazante que acecha en cada esquina. Para los periodistas el otro es el que camina por la calle y les puede pegar un bife, el irracional, los que vamos a las marchas, los crispados.

¿Qué es lo que sucede? Esa persona que antes no tenía voz empieza a tenerla, puede poner un cartel y tener visibilidad, ya no está oculto. Ya no son ellos la voz de los que no la tienen, se deschavaron y quedó en evidencia que ellos son voces interesadas. Cuanto más espacio y credibilidad pierden, más restringido se ve su campo de acción. La verdadera amenaza no es contra la libertad expresión, la verdadera amenaza es que dejan de sentirse impunes. Es la queja de unos pocos. Esos que nos escribían el relato ahora se dan cuenta de que no es tan fácil que nos traguemos sus buzones. Los pregoneros del miedo son nuevamente los que sienten que su posición está en peligro, ni más ni menos que lo que viene sucediendo desde hace 200 años en Argentina; saltan como leche hervida. Y será una buena tarea seguir rastreando de qué manera esos conflictos de clase inherentes a nuestra sociedad se siguen actualizando.

¿Cuál es la solución para estos tipos que tienen una posición dominante? Siempre es reprimir, instaurar orden, eliminar al diferente, bajar los humos. Yendo al extremo, lo que escribió Lamborghini en El niño proletario: Que tres pibes de clase alta terminen violando salvajemente a un villero, a uno inferior a ellos, porque se lo merece, porque hay que hacerle tragar la mugre misma con la que se alimentó. Y cuando le rompen el culo ellos gozan. Porque es así: hay un rechazo pero hay un goce, hay una atracción por más que lo quieran eliminar de la faz de la tierra (hay un goce en ese eliminarlo de la faz de la tierra).

Es una metáfora, aunque nuestra historia está llena de ejemplos de que no es sólo literatura esto que decimos. Algunos pregoneros del miedo de hoy andan por allí especulando nuevamente con muertos, pero la mayoría todavía no se ha animado a decirlo tan abiertamente, lo tienen reprimido. Pensándolo bien, Macri encarna esa fantasía cuando utiliza descaradamente a gruposde tareas para desalojar, apalear y torturar a personas que viven en la calle. La metáfora de Lamborghini sirve para pensar, y es paradójico. Siempre fueron ellos los que hablaron por nosotros, ellos nos daban voz (y en buena medida intentan seguir haciéndolo). Lamborghini hizo la operación inversa, él se puso en la piel del supuestamente civilizado e hizo realidad esa fantasía de vejar y de violar justo a ese que es el último orejón del tarro de la sociedad.

La literatura ayudando a pensar.

Buenos Aires Negro toca y pone su disco para que lo descarguen

2010-05-06T07:45:00.000-07:00

Dos novedades:

Una: Buenos Aires Negro se presenta los viernes de mayo a las 00:00 hs.

Dos: Su último disco Sol del Once está en su página para descargarlo!!

Hagan correr la bola.

Ingresá en : http://buenosairesnegro.com
Seguí este enlace para descarga directa: http://buenosairesnegro.com/?page_id=240
Seguí este enlace para escuchar on line: http://buenosairesnegro.com/?page_id=18

Florencia Ruiz

2010-05-05T06:09:00.000-07:00

Presenta Ciclo Centro 10 años

Los viernes 07, 14, 21 y 28 de mayo celebraremos los 10 años de edición de Centro.
Encuentros acústicos con amigos versionando canciones de sus discos: Centro, Cuerpo, Correr, Fogón, Mayor, Ese impulso superior y de su nuevo disco (próximo a editarse) Tangos y covers del rock nacional.

Viernes de Mayo - 21:00 hs.
Wallrod Espacio de Arte
Carlos Calvo 3619 (Boedo)
Capacidad Limitada
Entrada 20 pesos

Vuelve la FLIA!

2010-04-27T05:18:00.000-07:00

SÁBADO 1 y DOMINGO 2 de MAYO

FERIA DEL LIBRO INDEPENDIENTE y (A)

en Azcuénaga 933 (entre Paraguay y M.T. de Alvear)

*****
La feria del libro independiente es un espacio alternativo, un encuentro importante para mucha gente que impulsa y genera otra forma de hacer, vivir y consumir cultura. Un espacio de libre participación, sin sponsors ni marcas.

*****

Para más información: www.feriadellibroindependiente.blogspot.com

Miguel Abuelo: Es dificil solamente llegarte a los talones

2010-04-16T04:13:00.000-07:00

Ir tras las huellas de Miguel Abuelo nunca fue fácil. Para los que somos admiradores de su obra encontrarnos con cosas de su primera época como sus primeros simples, su disco en solitario o sus poemas siempre fue una empresa difícil. Recién de un tiempo a esta parte se hizo posible leer cosas suyas o escuchar esas canciones maravillosas grabadas en Francia bajo el título "Et Nada". Un par de rastreadores de los de antes supieron leer con pericia esas marcas que Miguel dejó diseminadas por la ciudad y nos allanaron el camino a todos.

El lunes a la noche, en el marco del BAFICI, se proyectó en el MALBA “Buen día, día”, la película documental dirigida por Santiago Constantino y Eduardo Pinto que intenta rastrear los movimientos de Miguel a lo largo de su vida intensa. Lo que lograron es radiografiar para toda una nueva generación la figura de un artista inmenso (poeta y músico saludablemente distinto). Dice Andrés Calamaro en una de sus apariciones: “No era un diamante en bruto, era un diamante! Lo demás es bruto”. Y la razón que tiene.

Como eje de la película eligieron a Gato Azul Peralta, hijo de Miguel, que tenía 16 años cuando su padre murió por una enfermedad derivada del HIV en 1988. Gato Azul anda en moto de un lado a otro de la ciudad de Buenos Aires encontrándose con fotos de su padre que están pegadas en diferentes lugares. Son fotografías de distintas épocas perdidas en las calles aledañas a Puente Pacífico, zona por la que Miguel transitó y donde existe una plaza que lleva su nombre. Gato se mueve con una soltura que hace pensar en su padre y en lo cómodo que se sentiría caminando junto con él por ahí. El tono blanco y negro elegido para los momentos en los que recorre la ciudad ha sido acertado. Cada foto que halla es un anzuelo que lo hace avanzar en la historia y – al igual que muchos de los espectadores de la película- ahondar en su búsqueda y reconstruir momentos de la vida de su padre que a él se le escaparon, que no conoce. La película ayuda a Gato a buscar.

A MI HIJO

Nada hay que nada prohíba,
y a todo debes estar despierto,
como el halcón se encorva para la lucha,
como quien recibe ofrendas del cielo.
Aquí, así. Ahora.
En el agua del lago artificial.
Los hombres reman
conduciendo a sus hijos.

(Miguel Abuelo)

Ha sido una buena decisión de parte de los directores, también, la presencia importante de las calles de la ciudad. Miguel Abuelo tenía calle. Todos en aquella época eran callejeros - naufragaban, como se decía a fines de los 60 y está escrito en "La Balsa"- pero Miguel parece ser el que más (Tanguito quizá sea el otro). No sólo por caminar, por dormir, por andar colocado o por deambular por los bares hasta altas horas, lo era también porque salió del barro. Spinetta lo dice clarito, Miguel representaba a corta edad todo lo que ellos aspiraban a ser; mientras ellos eran nenes respetuosos y pendientes de sus padres, Miguel andaba por la calle. Esa era una gran diferencia entre Miguel y el resto. Y era una ventaja. “Tenía la sabiduría que da la calle”, me dice un amigo. Cuando uno está en la calle y recibe golpes no le queda otra que acusar recibo de ellos. Si los sabes entender, si lo podés capitalizar, te da un plus respecto de los demás. Cuando Miguel era golpeado no tenía dónde recostarse, los otros –como dice el Flaco- tenían la protección de los padres.

“Yo siempre fui un emigrante, desde chico”, cuenta Miguel. Su voz aparece en off mientras en la pantalla se concatenan una serie de fotos de cuando era niño y estaba al cuidado de su hermana Norma. El recurso de utilizar grabaciones de audio suyas introduciendo distintos momentos de su vida es esencial para sentirse cerca de él porque su relato casi siempre es tranquilo y reposado. También hay mucha música, imágenes de conciertos con Los Abuelos de la Nada, de él solo con la guitarra y –sobre todo- muchos buenos poemas. Cada poema leído por el propio Miguel –también en off- es como una piña a la mandíbula dada por ese muchacho de la foto que está arrinconado contra la pared con los guantes de box y en pantaloncitos cortos. (Aquí quiero hacer una reivindicación: esos poemas aparecen gracias a Juan Alberto Badía, que un día se sentó con él y le pidió que los grabara en un grabador. Muchas veces se lo toma a la chacota, yo creo que tiene un mérito tremendo en la difusión de mucha buena música popular).

Los Abuelos de la Nada

"Los Abuelos de la Nada nacieron en un día que acompañé a Pipo Lernoud a arreglar los papeles de sus obras Ayer Nomás y no me acuerdo cuáles otras más a la compañía Fermata que pertenece a Ben Molar, el señor Brenner. Ellos se habían olvidado de mí por un rato, pero de pronto me descubrieron, y me miraron. Y el señor Brenner, este señor Ben Molar, me preguntó: "¿Y vos que hacés? ¿Vos tenés un grupo?". Me dio la respuesta, te darás cuenta. Bueno, yo siempre fui un propulsor de la verdad, pero la mentira la tengo en la punta de la boca para lo que haga falta, es una herramienta. Entonces le dije "Si, tengo un grupo". El tipo se alarmó porque fui demasiado rápido. Me dijo "¿Y cómo se llama?". Mi computadora, que caminaba muy rápido, sondeó el fondo de mi alma y encontró una frase del gran Leopoldo Marechal (...) Esa frase del libro El banquete de Severo Arcángel decía: "Padre de los piojos, abuelos de nada". Una frase que me pegó mucho. Pintó esa frase, y así como me vino la puse en la palma de mi lengua. Y se la puse ante las orejas de Ben Molar, que inmediatamente descubrió un crack en su personalidad. Hizo crack, algo se contorsionó en él como si agarrás una tortuga con un anzuelo y la levantas. Se contorsionó inmediatamente y me dijo: "Tienen hora de grabación dentro de tres meses en CBS Columbia. Averigüen el horario, su productor va a ser Jacko Zeller". Yo no tenía lapicera, no me moví del lugar. Pipo anotó rápidamente como buen amigo y buen aliado que era. Terminó la reunión, le di la mano y nos mandamos a mudar. Ahí le dije a Pipo: "¿Te das cuenta en la que nos metimos?" Y él me contestó: "No te preocupes. Vamos ya mismo a la plaza y encontramos a todos los músicos"

Esa anécdota constituye otro de los momentos representativos de la personalidad de Miguel. Por el tema de la mentira lo digo. Porque ser un propulsor de la verdad pero tener a la mentira en la punta de la boca por las dudas, implicó que eso que dijo que existía y en realidad no (Los Abuelos de la Nada como grupo) finalmente tuvo que hacerse carne. La mentira no fue una forma de evadir el momento o de patear la pelota para adelante, fue el modo de empezar a materializar un deseo muy profundo. Nadie podría decir que Los Abuelos de la Nada surgieron de una mentira, no sería cierto.

Si algún legado dejaron sus poemas y sus canciones es que existe la posibilidad de vivir de otra manera, que es posible desestructurarse, que es posible volar y no estar encorcetado por las responsabilidades de todos los días que van a contramano de esas líneas poéticas que dicen:

“ Oye niño / no seas tonto/ Haz tu cabeza estallar / Todo lo que ata es asesino.”

Miguel, como todos, tendría sus propias ataduras. Y si las tenía se las fue sacando. El movimiento de su cuerpo arriba del escenario, bailando alocadamente, moviéndose como le dictaba el corazón de su música, es una metáfora de lo que hacía con sus versos y con sus músicas. Era libre. Los juntaba y los separaba, los rompía, los estiraba, los cortaba, los cantaba con todo el caudal de su voz, hacía que las palabras viviesen hasta que con un hilo de voz las hacía agonizar. Y la mención al cuerpo no es casual porque si hay algo que se nota en las imágenes que aparecen en “Buen día, día” es que era un artista, una persona, que le ponía el cuerpo a la vida. A la vez era muy sexual, veta que empieza a explotar bastante más en la década del 80 cuando sus bailes son cada vez más liberadores y empieza a aparecer en escena con ropas ajustadas color fuccia y la cara cargada de maquillaje. Hay una escena en la película que -me imagino- ha de ser típica de esos tiempos: un plano donde se muestra la intimidad de los camarines y una mesa llena de maquillajes, sombras, base, rush, polvo y espejitos. Sí, todo el set completo.

“Pechito bailarín
según el paladín
siempre al frente
temerario o valiente
un ejemplo de talento urgente
un Maradona que mezclaba todo
un chico de la calle, iluminado y zarpado
con mala leche y con humor
con cierto candor
un ejemplo de lo que es vivir fuerte”

(…)

“Si tenías algo que decir
lo decías dos veces
y tenía buena piña Miguel
y sabía a quién acostar
a quién regalar, a quién olvidar
y vivir
nos enseñaste a todos un poco de sentido
de la senda musical”

(“Con Abuelo”, Andrés Calamaro)

Por poner el cuerpo también en muchas oportunidades se cagó a trompadas (“tenía buena piña Miguel”). Era camorrero. Pero hubo un momento en que abandonó la violencia (así lo dice algunas veces en la película) y para escaparle al conflicto decidió empezar a regalar, a desprenderse. La primera formación de Los Abuelos de la Nada tenía a Pappo como guitarrista. Cuenta Miguel que desde un tiempo atrás ya existía una intención del Carpo de volcar el sonido de la banda hacia algo más blusero que en realidad –uno imagina- no es ni más ni menos que el sonido de lo que después terminó desarrollando en Pappo´s Blues. “Un día llego a la sala de ensayo y encuentro a Pappo que repetía blues blues blues”, cuenta Miguel. “¿Vos querés blues? Quedate con la banda, te regalo Los Abuelos de la Nada”, le dijo. “Este estaba con el blues y mi cabeza era una coctelera”, remata.

Muchos amigos y músicos desfilan dejando su testimonio: Jorge Pistocchi, Pipo Lernoud, Cachorro López, Daniel Melingo, Luis Alberto Spinetta, Daniel Sbarra, Gustavo Bazterrica, Alejandro Medina, Kubero Díaz, Miguel Cantilo, Andrés Calamaro, su hermana Norma Peralta, su ex mujer Krinha y Juanjo Carmona entre otros.

Pistocchi dice que era “como un filósofo andariego” y que cuando lo conoció “nunca dijo que era músico”, Cachorro que si no se hubiese cruzado con él nunca hubiese llegado a donde llegó, Daniel Sbarra cuenta anécdotas donde rescata la facilidad que tenía Miguel para cambiar los planes sobre el momento que –nuevamente- respondía a ese espíritu libre que él ejercía; el flaco Spinetta, como escribí más arriba, habla de un Miguel que estaba todo el día colocado y –atención: dato no menor- subraya que sus letras fueron decisivas para darle forma a su propia poética. Todos se deshacen en elogios y en anécdotas. Respecto de Spinetta vale recordar esto que dijo en el concierto con sus Bandas Eternas, en diciembre de 2009, cuando hizo una versión de Mariposas de madera: “Yo creo sencillamente que existe Muchacha ojos de papel porque existe Mariposas de Madera, inconscientemente me afané Ojos de papel. Les juro que no fue adrede pero reconozco que algo de eso hay”. Ahí hay una marca y nada menos en el que quizás es el compositor más importante de nuestro país. Ese fue Miguel Abuelo.

Por último, el otro testimonio que resalta por su honestidad brutal es el de Andrés Calamaro. Llegados los 80, Miguel está de vuelta en Buenos Aires y forma otra vez Los Abuelos de la Nada. Tiene un éxito que nunca había tenido en toda su vida –dice Cachorro López-. Calamaro lo recuerda así: “Si algo faltaba para terminar de no entender a Miguel era el éxito… y mis canciones”. El éxito le ganaba a la poesía, era el triunfo del hit y, en cierta medida, el pasaje a un relativo ostracismo de Miguel Abuelo. Esta película viene a hacer justicia y a aportar su grano de arena para que sea redescubierto y valorado por las nuevas generaciones como lo que es: uno de los grandes genios que dio a luz esta ciudad.

Para prestar atención. Comunicado de Plasma.

2010-03-18T07:35:00.000-07:00

Mañana viernes 19/3 se cumple un año de la NO reglamentación de la Ley “Régimen de Concertación para la actividad Musical en la Ciudad de Buenos Aires”.

El día 19 de marzo de 2009 la legislatura porteña aprobó por unanimidad esta ley que genera beneficios, exenciones y demás, para músicos y clubes de música independientes de la Ciudad de Buenos Aires.La misma cuenta con un presupuesto que no se pudo utilizar el año pasado por falta de reglamentación y que para el 2010, por este mismo motivo y sin la voluntad del ejecutivo de la ciudad, se volverá a perder.

Esta ley fue impulsada desde la legislatura y los Clubes de Música hace varios años y costó mucho trabajo conseguir su aprobación. El espíritu de la misma es crear una institución dentro del Ministerio de Cultura que otorgue subsidios y genere facilidades para el desarrollo del sector de la música independiente como sucede en otras áreas del arte como Proteatro y Prodanza.

Amigos músicos, Productores, dueños de clubes y público en general, los invitamos a que se informen acerca de esta ley, opinen y saquen sus propias conclusiones sobre este tema que, sin el apoyo de los beneficiarios directos, solo tiende a quedar en un cajón y en el olvido de este Ministerio de Cultura.

Mientras tanto continúan cerrando espacios como pasó recientemente con el Club Lounge y La Vaca Profana, a causa de la inoperancia política y el desinterés por la cultura proveniente del gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. De esta manera cada vez quedan menos espacios dedicados a la música en la ciudad y con estas espectativas tiende a desaparecer la actividad en poco tiempo.

Aquí dejamos un link donde pueden leer la ley directamente del Boletín Oficial de la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires.

http://www.cedom.gov.ar/es/legislacion/normas/leyes/ley3022.html

o bien el enlace al sitio web de Plasma:

http://www.sitioplasma.com.ar/2009/02/ley-de-regimen-de-concertacion-para-la-actividad-musical-en-la-ciudad-de-buenos-aires/

Despertaos!

2010-03-16T05:02:00.000-07:00

Por Gonzalo Aloras

levantado de www.gonzaloaloras.com/blog

Como siempre llegará el momento de escribir sobre estas cosas con más detenimiento y más delicadeza. Pero lo idea es la siguiente: lo que ha ido decayendo no es solamente la producción artística sino sobre todo y ante todo, nuestra percepción ante ella. No nos cansaremos de repetir esto ya que creemos esencial para comprender los fenómenos actuales de rechazo masivo ante lo que otrora fuese novedad, cambio y revolución artística. `Nos aburren las películas francesas de la nouvelle vague’ dicen los jóvenes de hoy creyendo defender con ello una nueva visión y un nuevo derecho a experimentar cuando en realidad son esclavos de una depresión generalizada, resultantes de una falta de sensibilidad que les impide comprender que justamente las películas más diferentes, exóticas, raras, densas, lentas o esquizoides, amorfas o experimentales, son y serán siempre las más entretenidas y las más divertidas. Lo mismo en la música y en la literatura. Kafka es pop, divertido y con mucho pero mucho humor. Es nuestra percepción la que en todo caso se encuentra atrofiada por la época y cree no ver en su obra más que la expresión apesadumbrada, sombría y tediosa de un alma automarginada de la sociedad!! El que lee Nietszche sin reír a carcajadas es como si no lo leyese!! Lo mismo en Buñuel, Godard, Zappa, Steely Dan, etc, etc. No daremos el brazo a torcer en esta concepción del arte, la diversión y la sensibilidad. Pues ya no podemos ser engañados. Jóvenes del mundo despertaos!

Volvemos!!!!

2010-03-12T07:26:00.001-08:00

Y si. Ha llegado el momento de volver al ruedo después de un verano antojadizo. Antojo pasó y vuelve PC. Pasó el día a día y vuelve el semana a semana. Y volvemos planteándonos una y otra vez cuál es nuestro lugar en el éter, qué hueco venimos a llenar. Porque algo falta y nosotros intentamos humildemente aportar aunque sea un punto de vista que esté por fuera de los parámetros reinantes.

Hace un tiempo que notamos que había algo a nivel musical –un tipo de sonido, el uso literal de las palabras- que estaba agotándose y decidimos ir hacia otro lugar. Hoy ese lugar -el de la música hecha por músicos de una nueva generación- empieza a ser mirado cada vez más con atención por parte de los grandes medios y nosotros seguimos replanteandonos hacia qué lado mirar. Esos músicos seguirán teniendo nuestra atención. Pero para este primer programa decidimos ir hacia una revisión del pasado de la mano de esos con los que vale le pena dar un paseo y que nos cuente cómo era el comienzo y si es cierto eso que alguna vez dijo Bob Dylan de que el futuro está en el pasado.

Litto Nebbia es ese músico. Yo digo pasado y es absolutamente injusto pensar a Nebbia en esos términos, porque Nebbia es presente puro. Sucede que a través de Melopea acaba de editar una obra monumental de 9 discos con un librito que la acompaña + un DVD que registra momentos de la grabación de esos discos + un libro donde el propio Litto -como ya lo hizo con Una mirada- se atreve a escribir e intervenir en una realidad que adolece de músicos con las agallas como para hablar de algo más que no sea música. Esta semana estuvimos charlando con él en su estudio, gracias a una gestión de Gonzalo Aloras. Está bien hablar de música y nos apasiona,por eso gran parte de la charla giró alrededor de este trabajo que se llama Una Celebración del rock argentino y que le llevó años hasta poder editarlo.Pero también caminamos por otras costas.

Nebbia es de los que se apasiona hablando de música (no saben cómo habla, ni se imaginan hasta dónde puede llegar y toooodo lo que sabe y escuchó) pero que también puede y le interesa hablar de otras cosas. Por eso ocupa el lugar que ocupa teniendo la importancia que tiene. ¿Qué lugar? Un lugar marginal, a pesar de ser uno de los pocos a los que hay que llamar sí o sí cuando se intenta reconstruir la historia de los inicios del rock en nuestro país. Porque rompe el molde de lo que hay que decir y porque nunca se queda estancado en un lugar. Si de antemano está establecido lo que los músicos van a decir, Litto se caga en eso. Y eso lo convierte en peligroso. ¿O sino cómo se explica su poca presencia en los medios?

Nebbia fue construyendo su obra de forma paciente y por prepotencia de trabajo. Pero no en silencio. Mientras otros músicos tocan un disco como si fuera una esponja que se estruja hasta sacarle la última gota de agua, él compone, graba, toca y edita. Edita lo propio y lo ajeno. Para eso creó un sello que se llama Melopea que se ha encargado de editar todos esos discos que quedan al costado de la industria porque los grandes cerebros que toman las decisiones no vislumbran un negocio a partir de eso. Y claro ¿a qué ejecutivo de qué compañía discográfica le puede importar editar al gordo Fats Fernandez si no va a dejar ninguna ganancia multimillonaria?, nos decía palabras más palabras menos.

Litto no piensa en la mosca, piensa en la música y en los aportes que puede hacer a través de Melopea. Desde hace 20 años, Melopea es una intervención política poderosísima. Y también lo es su proyecto de juntar a más de 150 músicos para que canten canciones de los artistas fundamentales de los primeros 10 años.

Los primeros 10 años significa 1963-1973. El disco 1 está dedicado a Los Gatos; el 2 a Almendra; el 3 a Moris, Miguel Cantilo, Roque Narvaja y Arco Iris; el 4 a Manal, Vox Dei y Pappo´s Blues, el 5 Pescado Rabioso, Aquelarre, Huinca y Color Humano; el 6 a Sui Generis, Charly García y León Gieco; el 7 a artistas varios; el 8 a Luis Alberto Spinetta y el 9 a Litto Nebbia. Son 200 canciones cantadas o tocadas por Litto, Gonzalo Aloras, Carlos Buono, Leo Sujatovich, Los Mini Cooper, Willy Quiroga, Andrés Calamaro, L.A Spinetta, Emilio del Guercio, nito Mestre, Jorge Fandermole, Fito Paez, Flopa, Gabo Ferro,Pez, etc, etc, etc.

Mañana -entre otras cosas- estaremos presentando esa caja. Presentando es un decir: nos va a llevar todo el año hacerlo, pero es una buena forma de arrancar.

Otra más y ya van...

2010-03-03T07:07:00.001-08:00

Una nueva editorial de LNP. esta vez el problema es que los garantistas se meten con la pistolita inofensiva.

EDITORIAL
Shock

"Una jueza porteña suspendió el uso de las armas Taser (que utilizan un shock eléctrico para neutralizar a un delincuente) por parte de la Policía Metropolitana, porque "son potencialmente dañinas para la salud y hasta eventualmente letales".
Parece lógico. Incluso, el gobierno de Mauricio Macri podría responderle a la magistrada que la Policía Metropolitana no tiene ningún problema, no sólo en no usarlas, sino en entregar estas "mortales herramientas" a los delincuentes, a cambio de que estos hagan lo mismo con sus inofensivas y nada "dañinas para la salud" pistolas .45, rifles de asalto, escopetas recortadas y revólveres de todo tipo con que diariamente asesinan a sangre fría. En fin, otro shock a la seguridad por parte del garantismo".

Guillermo Saccomano y el Malba

2010-03-01T06:50:00.000-08:00

"Hay una literatura argentina que me interesa: la de Kordon, la de Briante. Hay un tipo que a mí me parece un modelo notable, que es Belgrano Rawson. Hay otro ejemplo, para mí es esencial, que es Dal Masetto, en términos de escribir al margen de los circuitos de consagración. O Esther Cross. No me interesa ser un intelectual Malba. Parece que hoy es más importante estar en el Malba que en un sindicato. Y creo que esto pasa con la intelectualidad argentina. El cine combativo se da en el Malba, cuando Costantini era uno de los dandies que bailaba con Macri y con Antelo en las fiestas menemistas y, de golpe, ahora es el gran patrocinador de la cultura. Los intelectuales van y se toman el champán del Malba alegremente. Yo creo que cuanto más lejos, mejor. Eso también explica por qué me fui a Villa Gesell hace 20 años".

(en Página/12 16-03-2008)

Pablo Ramos inauguró un blog

2010-02-10T03:09:00.000-08:00

Yo, la historia y el texto
Reflexiones sobre una experiencia personal

Por Pablo Ramos

Hay algo que me pasa seguido. Y quiero compartirlo porque me habría ayudado mucho que alguien compartiera algo así conmigo en algún momento de mi vida, exactamente cuando vivía en Balvanera, hospedado temporariamente en el estudio (una habitación de pensión, en realidad, pero muy linda y limpia y cómoda) de un escritor amigo; y es el hecho de que casi todos mis primeros borradores son pésimos. Son esqueletos a veces sólidos pero la mayoría de las veces raquíticos de algo que ni por asomo sé qué es, o lo que es mucho peor: que ni por asomo sé si puede llegar a ser. Primeros borradores en máquina de escribir casi ilegibles, que dan ganas de tirarlos a la basura. Y más vale que más de una vez me saco esas ganas.

A decir verdad, ahora que lo pienso, alguien compartió algo parecido conmigo, algo que me ayudó, porque lo sentí como unas leves palmaditas en el lomo a la vez que el susurro de su voz me decía: “La cosa es así, macho, paciencia”. Venía de quien para mí es un gran escritor, mucho más grande que Miller: Bukowski. Y venía en un poema. Ese poema tan conocido: Cómo ser un gran escritor, que empieza con ese maravilloso y sano consejo “tienes que cojerte muchas mujeres, bellas mujeres”; consejo sano, digo, para cualquier persona, sea o no escritor, sea hombre o sea mujer, je. Más vale. Pero más allá de ese primer chiste (sabemos que Bukowski se cojía pocas mujeres antes de ser famoso), algunos versos debajo de ese poema cuyo título promete la llave del milagro, la solución al fracaso, se puede leer algo profundo, verdadero, concreto, honesto y, principalmente, generoso:

“y recuerda a los perros viejos,
que pelearon tan bien:
Hemingway, Celine, Dostoievski, Hamsun.
si crees que no se volvieron locos en habitaciones minúsculas
como te está pasando a ti ahora,
sin mujeres
sin comida
sin esperanza...
entonces no estás listo”

(Para seguir leyendo lo escrito por Pablo para su blog: www.laarquitecturadelamentira.blogspot.com

En el N°22 de revista La Otra se puede encontrar una nota bien extensa a Ramos.

La encuentran en casi todos los kioscos de revistas de Capital Federal)

Algunas editoriales publicadas por LNP los últimos 24 de marzo

2010-01-28T04:39:00.000-08:00

Vicente Massot, hijo de Diana. Cuentan que el 24-03-1976 se paseó eufórico por la redacción junto a su madre festejando la asunción de la dictadura y provocando a los trabajadores que un tiempo antes habían realizado un paro reclamando un franco cada 4 días. Tenía 20 años.

2004
Título: "24 de marzo"

Contrariando al presidente Kirchner y a sus socios, los grupos que medran con los derechos humanos, todos los cuales abrazan hoy la causa que en la década del '70 llevaron adelante las organizaciones subversivas, conviene hacer un poco de memoria sobre los días que precedieron al 24 de marzo de 1976.

En esas vísperas, ya la sociedad argentina se había convencido de que terroristas y guerrilleros del ERP, de los montoneros y de otras bandas perseguían un mismo propósito: destruir o disolver el orden social vigente, para instaurar después su propia dictadura.

No otro sentido podía tener la sucesión de asesinatos, secuestros, ataques a las comisarías y a las unidades militares y las bombas lanzadas indiscriminadamente con la intención deliberada de que alcanzasen a todos y, en especial, a las víctimas inocentes, más eficaces para infundir la sensación de terror a la comunidad entera.

Las bandas que practicaban el terror parecían invulnerables. Las fuerzas de seguridad y la justicia cumplían con su deber. El recurso del que se valía el gobierno de Isabel Perón, ensayado antes por el propio Perón, el de la lucha clandestina a cargo de las Tres A, no sofrenaba a las organizaciones de terroristas. Estas, originalmente financiadas desde el extranjero, habían logrado una inatacable fuente de ingresos locales en el secuestro extorsivo, o su amenaza para arrancar contribuciones mensuales a las grandes empresas.

Sólo un rumor, todavía incierto, quedaba para la esperanza: la intervención abierta de las Fuerzas Armadas. De ahí que, al hacerse cargo del gobierno, fueran saludadas por la unanimidad de la opinión y se les otorgase tácitamente la más amplia libertad en los procedimientos a aplicar como remedio heroico. Nadie se opuso, nadie objetó; ni el pueblo ni los partidos políticos, oficialistas u opositores. Salvo los terroristas y guerrilleros que sintieron llegar el ocaso de la impunidad que habían gozado hasta entonces.

Miguel Angel Loyola, trabajador de LNP asesinado por la dictadura militar.

2006
Título: "24 de marzo "

Extraña paradoja la de quienes apoyaron hace tres décadas la guerra revolucionaria como método para derrocar a un gobierno electo y hoy proclaman ser demócratas a ultranza. Sin embargo, basta un análisis un poco más profundo para darse cuenta de que no hubo cambio alguno: los supuestos defensores de la democracia siguen reivindicando el accionar subversivo de las bandas terroristas que, desde 1970, asolaron la Nación.

El 24 de marzo de 1976 se produjo un quiebre. Ante la incapacidad del gobierno peronista para repeler las agresiones, cada vez mayores, de los grupos terroristas y con el apoyo de la gran mayoría de los habitantes del país, las Fuerzas Armadas tomaron el poder, poniendo fin, así, a una situación insostenible.

Dicha fecha debería ser recordada como el momento en que buena parte de la sociedad le dijo basta a una minoría que trató de convertir a la Argentina en un país socialista. Las acciones de las organizaciones clandestinas de izquierda tuvieron su pico de mayor violencia durante la tercera presidencia de Perón. Fue un gobierno democrático el que, ante el reclamo mayoritario, inició acciones tendientes a aniquilarlas. El posterior golpe de estado se debió a la incapacidad de ese gobierno para llevar adelante esas órdenes impartidas.

Hace 30 años quedó clausurada para siempre la posibilidad de que la Nación Argentina siguiese los pasos de Cuba. Ese fue el principal mérito de las Fuerzas Armadas y de los millones de compatriotas que apoyaron su decisión.

2008

Título: "1976"

El 24 de marzo de 1976 las fuerzas armadas, con el concurso tácito o explícito, según los casos, de la enorme mayoría de la población, ocuparon el gobierno y asumieron, como objetivo principal, poner fin a la subversión representada por las dos principales organizaciones terroristas que asolaban al país: ERP y Montoneros.

Treinta y dos años después de esa fecha es posible decir que desde el punto de vista de la administración de la cosa pública el resultado fue desastroso. En cambio, desde el punto de vista militar cosecharon un triunfo rotundo y decisivo. Evitaron, y ese es su mérito, que la Argentina se transformara en otra Cuba.

No tuvieron enfrente, como reza la leyenda forjada por sus enemigos, a unos jóvenes idealistas que dieron su vida por la justicia, sino a militantes fanáticos que tanto a la hora de matar como de morir ni pidieron ni dieron cuartel.

Aquella fue una guerra atroz --como todas las de carácter irregular-- en la cual hubo errores y horrores sin cuento. Ganaron, por fortuna, quienes se oponían a que la Nación Argentina fuese obligada a seguir los tenebrosos lineamientos del socialismo revolucionario.

Hoy, el gobierno kirchnerista y sus aliados no se cansan de repetir y exaltar una versión sesgada, unilateral y hemipléjica de ese pasado. Pueden creérsela, pero lo que no podrán hacer nunca es modificar la historia real: se ganó la guerra y la subversión marxista fue vencida para siempre.

Enrique Heinrich, trabajador de LNP asesinado por la dictadura militar.

2009
Título: "Walsh"

El municipio de Florencio Varela rebautizará la Escuela de Educación Técnica Nº 2, que se llamaba Pedro Eugenio Aramburu, con el nombre del conocido escritor, periodista y miembro de la organización terrorista Montoneros, Rodolfo Walsh.

Por supuesto, la decisión de las autoridades es provocativa, aunque está amparada en una norma de la provincia de Buenos Aires que prohibió el nombre de los funcionarios de gobiernos dictatoriales en las escuelas. Fue la comunidad educativa la Técnica Nº 2 la que votó, en definitiva, a Walsh.

Pero es bueno recordar, aún cuando vulnere un sinfín de lugares comunes, obsesivamente cultivados por el progresismo en estos años, que al margen de sus indiscutibles méritos literarios, Rodolfo Walsh fue un asesino. Creyó, como tantos otros en su momento, que tenía el derecho de matar a los representantes de la oligarquía, el imperialismo, las Fuerzas Armadas y la burocracia sindical.

Por eso, sin que nadie lo obligara, se sumó a los Montoneros. Como lo hizo Francisco Urondo, Juan Gelman y Horacio Verbitsky.
Todos son, pues, responsables del baño de sangre que provocó la guerrilla en la Argentina. Walsh y Urondo murieron en su ley, con las armas en la mano, dispuestos a matar y ser muertos. ¿Sabrá esto la comunidad educativa de la escuela Técnica Nº 2?

La vieja provincia

2010-01-27T03:06:00.000-08:00

Abajo a la derecha "Reivindicación", la editorial de la edición de hoy 27-01-10

Así como el periodista Pablo Llonto escribió "La Noble Ernestina", el libro sobre Ernestina Herrera de Noble que cuenta la manera en que fue construyendo su poder a lo largo de las décadas, aliándose con los poderes de turno pero por sobre todo sacando gran tajada en tiempos de dictadura militar; alguien deberá escribir alguna vez la historia de la familia Julio- Massot, propietaria de La Nueva Provincia, con pelos y señales.

La Nueva Provincia es un diario centenario que a lo largo de décadas fue moldeando el modo de pensar y sentir de -prácticamente- toda la sociedad de Bahía Blanca, una ciudad que se destaca en el mapa de la provincia de Buenos Aires y del país por su perfil conservador. Si bien siempre existieron y existen esfuerzos de radios comunitarias, diarios que plantean una visión distinta, poetas, músicos, artistas en general y editoriales que la hacen más respirable, sabrán entender que ninguna ciudad que viva entre la Base Naval Puerto Belgrano y el Quinto Cuerpo del Ejército puede jacarse de progresista. No al menos ésta ciudad. Y sé perfectamente lo que estoy diciendo. De alguna manera yo también fui moldeado por esa mentalidad que se respira, que está en el aire. Imaginarán que -está demás decirlo, pero ahí vamos- el diario tiene que ver en eso. ¿Dije el diario? En realidad es el MONOPOLIO, o son los mecanismos aceitados durante años y años que terminan por aplastar a cualquier intento de querer hacer otro tipo de periodismo. Si bien gran parte de la sociedad subestima el poder de interferencia en la subjetividad que tienen los medios, si de algo sirvió la discusión alrededor de la ley de medios fue para darnos cuenta de cuán indefensos podemos estar ante el tremendo poder que de allí emana si es que no nos mantenemos alerta.

Durante años La Nueva Provincia, LU2 Radio Bahía Blanca y LU80 TV Canal 9 eran lo mismo. De algún modo actualmente también lo son, sólo que no en términos económicos sino ideológicos. Siguen conformando un bloque ideológico lo suficientemente importante como para que uno lo identifique como una sola cosa. Aún hoy la cuestión funciona así: lo que cada mañana se publica en el diario se lee en los programas de radio de la primera hora (LU2 siempre se encargó de leer textualmente el diario entero página por página) y esa información es levantada por Canal 9 para su noticiero del mediodía. Paquete completo. Eso sin decir que además, en 1994, el COMFER le adjudicó a la empresa Multivisión S.A, de la que participa la familia Massot, una licencia para la instalación, funcionamiento y explotación de un sistema de MMDS en la ciudad de Bahía Blanca. Todos los recursos a merced de la famosa construcción de la agenda. Nada muy diferente al funcionamiento de los grupos mediáticos que operan en Capital Federal, excepto que La Nueva Provincia se circunscribe a la ciudad de Bahía Blanca. A tal punto fue la familia Massot precursora en esto de las fusiones -el primer grupo multimedia de la Argentina- que la mismísima Ernestina cuando empieza a pensar en formar su conglomerado multimediático dice: Si la Massot puede nosotros también.

La historia de La Nueva Provincia se remonta a 1898. Fue fundado por Enrique Julio con la intención de hacer de Bahía Blanca la capital de una nueva provincia que estaría conformada por parte de la pcia de Buenos Aires, parte de La Pampa y parte de Río Negro. La idea resultó poco fructífera. Pero lo cierto es que el diario sí se convirtió en un bastión del sur argentino. En 1950 fue incautado por el gobierno peronista por su abierta oposición y recién en 1955 fue recuperado gracias a la "Libertadora". Quien se pone al frente como directora, un par de años después, es la nieta de Enrique Julio: Diana Julio de Massot, fallecida recientemente pero que en ese entonces tenía unos 27 años. Diana es la verdadera hacedora de La Nueva Provincia.

Las manos se le manchan con sangre a partir del 24 de marzo de 1976, cuando se convierte en el órgano de la Marina, avalando desde sus páginas la política represiva del gobierno militar, aunque para ser justos debemos decir que mantuvieron una coherencia en relación a las opiniones vertidas en el mismo diario unos años antes. Según Leandro Albani (http://www.lafogata.org/) ya en 1973 se podía encontrar entre sus páginas referencias a la derecha peronista como "aguerridos grupos de argentinos que defienden los colores patrios y reaccionan como hace rato debió hacerlo el país todo contra los trapos rojos" o al accionar de la Triple A reivindicando que "se juegan la vida en operativos paramilitares". Eso era La Nueva Provincia previo al golpe de Estado. Y más: en 1975, producto de un paro gremial realizado por trabajadores pidiendo un franco cada 4 días, tal cual establecía el convenio de trabajo, el diario estuvo 3 semanas sin salir a la calle. Finalmente debió cumplir con el convenio, pero una vez que reapareció salió con los tapones de punta. Diana Massot no se iba a olvidar tan fácil. Emprendieron una embestida contra los gremios y, oh casualidad, con Videla ya en el poder, el 4 de julio de 1976 encontraron los cadaveres de Enrique Heinrich y Miguel Angel Loyola -obreros gráficos del diario, Secretario General y Tesorero respectivamente del Sindicato de Artes Gráficos de Bahía Blanca. Dos cosas eran seguras: que fueron secuestrados, torturados y acribillados, y que la directora los había acusado de formar un "soviet". El diario registró el asesinato por única vez dedicándole sólo 20 líneas.

¿A cuento de qué viene esta breve reseña sobre el reducto de la derecha con base en la ciudad de Bahía Blanca? A que hoy por la mañana -como suelo hacer a menudo- ingresé al sitio web de La Nueva Provincia y me encontré con su editorial. Desde que asumió el gobierno de Néstro Kirchner en 2003 con una clara politica de Derechos Humanos y posteriormente le hizo bajar a Biondini el cuadrito de Videla que estaba colgado en la ESMA, la familia Massot se crispó. Quién se encuentra a cargo de la dirección ahora es Vicente Massot, hijo de Diana, militante de la Falange Restauradora Nacionalista, Ministro de Defensa de Menem que debió renunciar por reivindicar la tortura y Secretario de la revista Cabildo, entre otras cosas. En sus editoriales siguen utilizando una serie de términos que indican el grado de indignación que les provoca ya no sólo la política de Derechos Humanos sino la democracia misma: hablan de un gobierno repleto de montoneros, festejan cada 24 de marzo como el día que comenzó a abatirse a los terroristas, se refieren al "accionar subversivo", escriben que los hijos de Madres y Abuelas andan dando vueltas por Europa, que las cifras de desaparecidos no superan los 2.000 desaparecidos y que la dictadura no fue una dictadura sino un verdadero Proceso de Reorganización Nacional. Eso a grandes rasgos. Dato: se acerca el 24 de marzo y recomiendo frevientemente que lean la editorial que publiquen ese día.

Decía entonces, que hoy a la mañana ingresé a su sitio web y leí su editorial que dice así:

"Reivindicación:

Bastó que Eduardo Duhalde dijera que el gobierno continúa humillando a las Fuerzas Armadas y que a éstas hay que darles el lugar que les corresponde, para que el coro estable del progresismo nativo -en general celoso defensor del terrorismo practicado por las organizaciones subversivas de los años 70- pusiera el grito en el cielo.

Pero el ex presidente no deja de llevar razón en dos cosas: en que -de una buena vez- es necesario dejar de atacarlas por lo que hicieron hace treinta años y en que resulta menester terminar con esa obsoleta distinción entre seguridad y defensa -consideradas como compartimentos estancos- que les impide a las Fuerzas Armadas involucrarse en temas de seguridad interior".

¿Da gracia o da miedo?

Sólo pedimos que...

2010-01-21T15:20:00.000-08:00

Recuerden:

ANTOJO
Un programa diferenta cada noche
lu-vie a las 00.00 hs
FM La Tribu

Los discos argentinos de la década (2000- 2009)

2010-01-11T03:38:00.000-08:00

Manzana Cromática Protoplasmática- El tren de la vía láctea (2006)

Palo Pandolfo- Ritual Criollo (2008)

Rally Barrionuevo- Ey paisano (2004)

Pez- Convivencia Sagrada (2001)

Tirador Láser- El título es secreto (2004)

Tonolec- Plegaria del árbol negro (2008)

Luis Alberto Spinetta- Un mañana (2008)

Me Darás Mil Hijos - Un Camino, algún lugar (2004)

Liliana Herrero- Litoral (2005)

Andrés Calamaro- La lengua popular (2007)

Juana Molina- Un día (2008)

Juan Ravioli- Album para la juventud Vol 1 (2006)

Charly García- Influencia (2002)

Gabo Ferro- Canciones que un hombre no debería cantar (2005)

Divididos- Narigón del siglo (2000)

Coiffeur- No es (2006)

Daniel Melingo- Ufa (2000)

Aca Seca Trío- Idem (2003)

Pablo Dacal- La Era del sonido (2008)

Flopa Manza Minimal- Idem (2003)

Andrés Calamaro- El salmón (2000)

Es una selección arbitraria basada en los discos argentinos que hemos escuchado a lo largo de la década, que no son pocos. Muchos de esos discos llegaron a la radio y resultaron ser gratas sorpresas. Pasamos por momentos de entusiasmo y otros no tanto. En este mismo momento leo y releo la lista y me pregunto qué es lo que deja el 2000. Quizás un primer acercamiento nos indique que hay pocos -muy pocos- discos buenos que vengan desde el corazón de la industria. Y entre esos discos editados por discográficas destacamos El Salmón de Andrés Calamaro. Un coletazo de los 90, es cierto, pero ¡que gesto! Un disco desbordado, urgente, sentido, yendo del living a la villa y viceversa. Canciones y canciones y canciones que van a estar ahí para siermpre, para ser descubiertas en cualquier momento. Porque El salmón es un disco para descubrirlo de a poco. Tardamos toda una década en terminar de conocerlo y aún así sentimos que todavía nos falta llegar al fondo. El salmón es un disco impregnado de política. Hay que ser guapo para obligar a una discográfica a que te edite ¡5! discos todos juntos, cosa que también puede ser leída como un signo de debilidad de parte de las compañías, es cierto. Ese gesto de plantarse frente a la industria y pedirle más y más, fue el comienzo de una década que va a tener como protagonistas a los músicos que prefieren -o se se ven obligados a- mantenerse al margen de los grandes contratos y dedicarse a hacer música como sea. ¿Son muchas las veces que un músico pone contra las cuerdas a los directivos de un compañía? Pues Calamaro lo hizo y no es un invento. Se supo que hubo resistencia a editar esos 5 discos juntos, por eso llegaron a negociar la salida de uno que se vendía de manera individual. Perece que el planteo de AC hubiese sido: ¿Así que vendo mucho? ¿Así que edité un disco doble con 38 canciones y fue un éxito? Veamos que sucede entonces con uno de más de ¡100! canciones. Y si me suicido comercialmente brindemos por eso. Es que calamaro venía de una década en la que había estado bien arriba y seguramente su decisión post Alta Suciedad fue nadar contra la corriente. Eso es el sentido del riesgo. Eso es lo que le faltó en su mayoría a la música y a los músicos del 2000. Y a Calamaro -sabemos- eso le sobra. Pero además Calamaro es el que cierra la década también con La lengua popular. Un década que podríamos decir - en lo que a mainstream respecta- que empieza en el 2000 y termina en el 2007. Y el que la abre y la cierra (y apaga la luz) es... Calamaro. Porque La lengua popular es el opuesto a El salmón. Ya no hay desborde, ahora hay economicismo en la utilización de los sonidos y los instrumentos. Ya no es Andrés en Deep Camboya componiendo y grabando al mismo tiempo a relación de 24 hs por día; ahora hay un plan llevado adelante por Cachorro López (quién en el video de Carnaval de Brasil aparece caracterizado como el Joven manos de Tijera, en obvia alusió a su rol en el disco) supervisando, editando, grabando lo justo y necesario y buscando un sonido limpio ATP ahora que AC está estabilizado con esposa e hijo. ¿Qué perdura entre aquel Calamaro y éste? Las canciones, nada más y nada menos. En cualquier momento de su vida Calamaro tiene buenas canciones, en los mejores y en los peores. Desde las más bobaliconas hasta las más lindas se nota la mano de un tipo que sabe en qué consiste el oficio.

¿Hay mucho indie o música alternativa o independiente en esta lista? Si. Allí pasaron buenas cosas en esta década. El meanstream tuvo poco y nada para ofrecernos, la papa estaba en caminar y escuchar lo que pasaba en la vereda opuesta a los festivales. Y allí rescatamos varios discos de esos que dejan una marca (Pez, Gabo Ferro, Coiffeur, La manzana cromática protoplasmática), pero me voy a referir a dos especialmente: Flopa Manza Minimal (idem) y La Era del sonido de Pablo Dacal. El primero fue punta de lanza en esto de revalorizar el poder de la canción (la canción es poderosa). Fue la yunta de tres caminos que venían haciéndose por separado y que confluyeron para hacer ese sólo disco que tiene temas memorables como La voz del viento, Debajo del Album blanco o Sonajeros. Había algo en el aire y ellos fueron uno de los primeros en detectarlo. Mucha estridencia, mucho festival, mucha guitarra eléctrica, entonces volvieron al sonido acústico y a las canciones. No es nada nuevo, es cierto, es que esta no es la década de la novedad. A veces no es necesario genios que dejen una huella indeleble en la historia, se necesitan personas que sepan descifrar eso que está en al aire y que pocos logran leer. Flopa Manza Minimal hicieron eso. Y está claro que no son genios, pero sí que tienen algo que en esta época donde estamos todos domesticados y programados (nosotros no programamos las computadoras, ellas nos programan a nosotros) no abunda: sensibilidad. Por eso su disco es bisagra, porque después de ese disco hubo un sonido que empezó a primar y que se acentuó en la ciudad de Buenos Aires luego de lo sucedido con Cromañón. Ellos enarbolaron sus guitarra acústicas cuando pocos lo hacían y después del 3o-12-2004 -por decisión propia u obligados por la situación de los lugares donde se tocaba- muchos músicos más optaron por oler a cuerda de nylon.

Y Dacal con ese disco inaugura una nueva era donde nos acerca (si bien ya lo venía haciendo desde antes) a toda una vertiente que es la de las orquestas. Solo o con orquesta Dacal se desmarca del resto por desfachatado, por desarreglado, por com-po-si-tor, por temas como San Valentín, por desaliñado y por informado. Ya hemos hablado largo y tendido de lo que significa La Era del sonido como concepto (la canción que está incluida en Disco de bolsillo de 2006 y el disco de 2008). Cualquier cosa busquen otros post dentro de este mismo blog o compren la revista La Otra.

Y después discos que nos remiten al género folclórico y que opto por incluir porque mantienen un lazo con la canción de autor. Creo que en el folclore han pasado cosas bastante más interesantes que en el rock y ahí están los discos de Liliana Herrero, Rally Barrionuevo, Aca Seca Trío y Tonolec para reafirmarlo. Sonoramente son muy distintos cada un de ellos entre sí pero tienen en común el haberse animado a traspasar un límite al punto de escucharlos y preguntarse qué es eso que estamos oyendo. Por empezar ninguno es de Capital Federal ni de provincia de Buenos Aires. No es un dato menor. Liliana Herrero entrerriana, Rally santiagueño, Juan Quintero (Aca Seca) tucumano y Diego Perez y Charo Bogarín (Tonolec) chaqueños. Cada propuesta -como decía- es diferente.

El disco de Liliana Herrero está dentro de las grandes obras de nuestra música popular argentina, es un trabajo de investigación concienzuda del sonido del litoral y de reivindicación de esos compositores del este que están ahí, a la vera de los ríos Paraná y Uruguay, que son grandísimos pero que -como sucede con las aguas del Paraná y del Uruguay- pocos se atreven a navegar en sus repertorios. El sonido litoraleño ha sido poco revisado incluso por los folcloristas. Tuvo que venir esta madrina algo rockera y profesora de folosofía para que caigamos en la cuenta de la importancia de obras como las de Isaco Abitbol, Ramón Ayala, Chacho Muller, Osiris Rodriguez Castillos, Coqui Ortiz, Juan L. Ortiz o el uruguayo Fernando Cabrera.

El disco de Tonolec brilla por la manera en que han logrado fusionar (y hacer que funcione) la música electrónica con la música Toba. No deben dejar pasar por alto Ay corazoncito!

Rally Barrionuevo es un irreverente que se anima a distorsionar zambas y chacareras. Canta chacarera con guitarra eléctrica. Pero no es sólo eso. En Ey Paisano! sobresale la canción que le da nombre al disco, una chorrera interminable, escrita en varias hojas de un cuaderno, que Rally le pasó a Luis Gurevich para que pusiera la música. El tema es una chaca- rap que arranca diciendo "Ey paisno!/¿Qué paso? / la historia no es fácil como creías vos". Imperdible.

Y Aca Seca es ni más ni menos que la manera en que el folclore tiene que seguir caminando. Teclados, guitarras y batería. Sutilezas, voces chiquititas pero potentes en sus modo de decir, ritmos y formas que una vez que fueron aprendidos pudieron ser estirados, rotos, llevados hacia un lugar donde por momentos es dificil de explicar de qué género estamos hablando (si es que eso alguna vez interesó). Excepto Rally, los demás están radicados en Buenos Aires. Era de esperar entonces que ese sonido que viene de las provincias repercuta en las composiciones de otros artistas que nacen en Buenos Aires. Es hora de que empecemos a mirar lo que sucede en las provincias porque a lo mejor nos enteramos que es bastante más interesane que lo que pasa acá.

Es un resumen de lo que más nos gustó de la década. A partir de ahora quedamos a disposición de ustedes. Prontito hablaremos de las canciones que más nos gustaron.

Despeinados

2010-01-06T03:42:00.000-08:00

Dice el escritor peruano Ivan Thays en un debate con Pedro Mairal que refleja Página 12 de hoy:

"La literatura argentina me gusta muchísimo pero son todos muy peinaditos, muy ordenados; todo bien escrito, todo bien hecho, nunca se disparan. Jamás a un escritor argentino podría corregirle una coma pero siento que se quedan en el techo y rebotan como cascarudos", disparo un tanto a la ligera. En las caras de algunos escritores presentes se percibió el síntoma de un pequeño malestar, el de la discrepancia. "Borges y Bioy Casares escriben tan bonito, escriben limpio. ¿Y cuándo el extraño, el más raro que rompa la pared y haga algo distinto? Ustedes tienen una tradición en Roberto Arlt, el que desarma las cosas, el que le echa ácido a la tela. Pero Arlt no ha dejado una estela tan grande como los peinaditos. El único que me parece muy despeinado es Grombowicz. No soy de esos escritores, yo también soy peinado. Pero me encanta que existan escritores como Grombowicz. Cada vez me gusta menos Borges. Y Bioy Casares ya ni hablar". Entre los escritores argentinos contemporáneos rescató a Alan Pauls por El Pasado. "Lo que más me gusta de Alan Pauls es lo que menos me gusta de Alan pauls. En la novela hay un pintor extraño que pinta cosas obscenas y esa parte que sobra me fascina. De esas sobras haría una novela. Lo que pasa es que en una novela tan larga la sobra te molesta. Pauls es un cascarudo que rompió el techo. Pero la mayoría de los escritores argentinos y latinoamericanos son muy Volpi, bien peinaditos. Y escuchan música clásica".

Toda la nota aquí: www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/4-16552-2010-01-06.html

Patologias Culturales y La Otra presentan:

2009-12-31T03:51:00.001-08:00

Estaremos a partir del lunes 4 de enero con una propuesta radial diferente pero igual. No se lo pierdan. Todos los días.

Mientras tanto Patologías descansa hasta marzo.

Andrés Calamaro en el Luna Park

2009-12-30T02:53:00.000-08:00

Por José Cardelli

Andrés Calamaro aparece en escena junto a la mejor banda que se le recuerde. Quizá sin el charme de otros tiempos (recuérdese la maravillosa banda de la Gira Honestidad Brutal con Ciro Fogliatta en teclados) pero contundente, afinada, versátil y con la dosis de humor, guiños melómanos y solos de guitarra para el agrado del honorable público.

Calamaro no es el mismo de antes. Al menos aquel que conocimos en los tiempos de alta rotación pop y menos aún el del regreso con la Bersuit. Es evidente que hoy más que nunca ha decidido abandonar el piano y se ha propuesto desarrollar un ¿tardío? atesoramiento del puesto de performer magnético y aguerrido. Saltos, gritos, alto voltaje verbal. Creo que fue la noche en que Andrés se recibió con honores en el rol de frontman. No es poco para un hombre que hizo - en las tres cuartas partes de su vida musical- un camino regido por otras virtudes como la composición pop, la melodía perfecta y el sello de la voz de niño con dulce resaca.

No es novedad que en Calamaro conviven los diversos géneros y la historia misma de la música popular argentina. Calamaro fue un niño prodigio del rock y hoy es un maduro pragmático. Para las nuevas generaciones: Carnaval de Brasil; para los viejos soldados: La mirada del adios; para recordar a tanguito y Nebbia: Por mirarte. Los comentarios previos a cada tema lo mostraron ácido por momento e incómodo en otros, al punto de decir que él no era bueno para contar chistes. Es que hay demasiado background en Calamaro, su asociación libre, su diana-divagación se produce en una mente que nació en los 60 y que hoy se comunica principalmente con jóvenes de los 90 en adelante. Pero siempre, detrás de la pavada o del guiño culto, hay algo en Calamaro que atrae y sedimenta. Es que en la coctelera mental hay tango, Dylan, Waits, Reed, rumba, Moris, Loquillo, Nebbia, poesía tumbera, Sabina, Madrid y Buenos Aires. Demasiados ingredientes para formar un acto simple. Hasta allí un recital lindo, atractivo, una recompensa más que digna para la platea.

El regalo vendría con Aznar primero y con Lebón más tarde, quizás una manera elegante de reconocer en ellos su eterno amor por las composiciones de Serú Girán y García. Yo lo sentí como un gesto tácito, como un volver a la segunda base del rock, puesto que Calamaro en su guerra con García hizo hincapié en borrar de su discurso cualquier reminiscencia a SayNo More y buscó su identidad en los padres fundadores, léase Moris, Abuelo, Nebbia, Spinetta y de allí un vuelo sin escalas hacia Moura y Prodan. La versión de Seminare nos dejó mudos y emocionados a varios. Los contínuos gestos de devoción hacia Lebón y el resto de los músicos invitados (Vicentico & Dárgelos) le dieron al set una cálida sensación de juntada de amigos y compañeros de ruta.

Salí del estadio con una sensación extraña, reconozco que prefiero al Calamaro piano-man, el Calamaro poeta fértil de la melancolía. Pienso dos segundos y sé que es un acto de egoismo o de nostalgia. nada es mejor que ver feliz a una persona que nos dio mucho.

Patologías Culturales programa 245

2009-12-11T03:20:00.000-08:00

"Los canatautores del cuenca del plata se encuentran en proceso de construcción de un estilo de canción que tiene como característica la diversidad. Resulta imposible, aún para su público, sus críticos, y para ellos mismos rotularlo pues responde a la síntesis personal que cada uno hace de los estímulos externos e internos que recibe y genera.

Reman contra la corriente, creando en primer lugar un espacio vacío en lo que se refiere al estilo, al tiempo, al contexto, para que en ese silencio explte la chispa que genera una idea sensible y original.

Comete un error el que pretende definir a la canción de autor que brota en estos tiempos, en estos lugares, cuando busca la genealogía de influencias musicales y poéticas. El cantautor hoy está abriendo demasiados frentes de búsqued que no se resumen en lo musical. Y de todos esos frentes opuestos y diversos está construyendo un territorio común en donde manifestar una verdad íntima y personal que lo identifica con su tiempo, su lugar, sus colegas, su público y su contexto social.

(Pablo Grinjot, en Inalámbrica, agosto 2007)

En qué estamos

Todo surgió pensando cuáles podían ser los mejores discos de 2009. O los mejores temas. Y resultó que nos fue bastante dificil encontrar uno que al escucharlo digamos: Es este! Me refiero a discos, porque temas hay. ¿Y porqué será que cuesta encontrar algo actual que te deje paralizado? No digo una obra descollante, pero sí que al mencionar lo mejor del año salga el nombre de EL disco inmediatamente y no haya que estar 5 minutos pensando y diciendo: ¿Este disco se editó este año? ¿Y el otro? Hasta que en algún momento paramos y decimos: Si estamos pensando tanto y se nos confunden las fechas debe ser que no hay ¿no?

Y esto nos llevó entonces a preguntarnos por la actualidad de la música en general, por los nuevos, los viejos, el presente, el pasado, la tradición, las marcas, los sponsors, los festivales, los subsidios, los sellos discográficos. No es una pregunta nueva, llevamos años haciéndola. Sucede que a esas preguntas se les agregan otras: ¿Qué pasa con los músicos de rock y su música? ¿En qué andan? ¿Se piensan a sí mismos? ¿Transitan la época mirándola por televisión? ¿Qué opinarán de un disco como Artaud, por ejemplo? Y si les gusta o les parece el mejor disco de la historia del rock argentino (como votaron en algún suplemento)... ¿porqué es que no se nota en NADA esa influencia?

Hace poco en nuestros estudios estuvieron los integrantes de la banda José Miel. Sebastián Diaz Romero y Leandro Díaz Romero. Y Sebastián se animó a decir algo que no he escuchado con frecuencia: "A nosotros nos falta dar ese pasito más allá, un paso que por una cuestión de comodidad o falta de sentido del riesgo no damos. Tenemos que dejar de hablar desde Palermo y para Palermo y sus barrios cercanos para hablarle a todos. Y no lo digo como el que mira desde afuera y evalúa, yo me meto dentro de esa descripción".

A mí esa declaración me pareció muy valiente, porque implica meterse adentro del problema. Y allí la otra cuestión: para muchos el lugar que ocupan no es un problema ni deja de serlo, es lo que les toca y no lo piensan.

Pero para no quedarme poniendo la lupa sobre los músicos voy a ponerla sobre los peridistas o comunicadores de la música: ¿Porqué los periodistas de rock (no digamos críticos que a esta altura son una especie en extinción) cuando entrevistan y preguntan en realidad no entrevistan ni preguntan, sólo se limitan a pasar gacetillas o describir las habitaciones y vestimentas de los músicos con una presición que no aplican a la hora de hablar de música?

¿Porqué ya no me sorprende para nada leer comentarios de discos en -por ejemplo- Rolling Stone y de antemano saber lo que al firmante le va a parecer ese CD? ¿Porqué hay pocas revistas en las que se pueda leer una entrevista extensa y rica como las que se hacían en Expreso imaginario? Hay algo de lo que definitivamente nos debemos hacer cargo: muchas veces los músicos contestan lo que contestan porque los periodistas preguntamos lo que preguntamos, es decir que no sólo no encontramos disco del año sino tampoco periodista de rock de la década, no digo ya del año.

Repasando estos temas pensaba en alguien que me pudiera aclarar la cuestión desde adentro. Paradójicamente conozco más músicos que periodistas (a nivel de trato personal) y hasta me atrevo a decir que los músicos tienen más clara la situación -como lo dice ese texto que escribió Grinjot- que los propios periodistas. No hay periodistas (hago la salvedad de mis compañeros de La Tribu, Miguel Grinberg con su porgrama en radio Nacional, Jorge Pistochi y alguno que otro más) que estén dispuestos a hablar sin concesiones sobre lo que sucede con su oficio. Por ejemplo: ¿Es posible trabajar en Rolling Stone y sostener sin que nadie se ría que son la revista que refleja o representa a la cultura joven? ¿Tiene alguien la necesidad en alguna de esas revistas, allí adentro, de decir que al rock se lo comió el sistema hace rato o es imposible poder siquiera deslizar algo así porque se baja Levi's? ¿En serio alguien cree que la película de Kapanga, el disco nuevo de Cordera, el nuevo de Estelares, lo que hace Jorge Serrano o No lo soporto tienen un peso artístico-musical-poético como pensar que pasa ALGO?

Yo soy de los que cree que pasa algo, a mi me entusiasma lo que está sucediendo con una escena de cantautores, bandas y orquestas que se me presentan como lo más interesante del momento pero que aún les falta ese que se yo como para dejar su estela. Como decía, los músicos de la nueva generación tienen mayor autocrítica, saben de sus limitaciones, y si bien todavía no han generado una gran obra, muchos de ellos creo que van por el camino correcto. El tema es cómo trascender ese cerco que hace que todos ocupemos un lugar marginal. Sabemos que ocupamos un lugar marginal, ok. Ahora, eso no debe hacer que nos quedemos cómdos en ese lugar mientras vemos como las bandas que supuestamente marcan la tendencia se han secado (si es que alguna vez estuvieron mojadas).

La seguimos después... o mañana en el programa.

Son tantos los matices que comprenden la actitud creativa de la música nacional -entiendo que en esa actitud existe un compromiso con el contexto cósmico humano-, son tantos los pasos que sucesivamente deforman los proyectos, incluso los más elementales como ser mostrar una música, reunira mentes libres en un recital, producir en suma algún sonido entre la mañana complacienta y sobremuda que:

EL QUE RECIBE DEBE COMPRENDER DEFINITIVAMENTE QUE LOS PROYECTOS EN MATERIA DE ROCK ARGENTINO NACEN DE UN INSTINTO.

Por lo tanto: el rock no le concierne a ciertas músicas que aparentemente INTUIDAS POR LAS NATURALEZAS DE QUIENES LAS EJECUTAN siguen guardando una actitud paternalista, tradicional en el sentido enfermo de la tradición, formulista, mitómana y en la última floración de esta contaminación, sencillamente "facha".

Sólo en la muerte muere el instinto. Por lo tanto si este se mantiene invariable, adjunto a la condición humana a la que necesitamos modificar para reiluminarnos masivamente, quiere decir que tal instinto es la vida.

El rock no es solamente una forma determinada de ritmo o melodía. Es el impulso natural de dilucidar a través de una liberación total los conocimientos profundos a los cuales, dada la represión, el hombre cualquier no tiene acceso.

El rock muere sólo para aquellos que intentaron reemplazar ese instinto por expresiones de lo superficial, por lo tanto lo que proviene de ellos sigue manteniendo represiones, con lo cual sólo estimulan EL CAMBIO exterior y contrarevolucionario. Y no hay cambio posible entre opciones que taponan la opción de la liberación interior.

En todo caso cierta estereotipación en los gustos de los músicos debería liberarse y alcanzar otra luz. El instinto muere en la muerte, repito. El rock es el instinto de vivir y en ese descaro y en ese compromiso. Si se habla de muerte, se habla de muerte. Si se habla de vivir, VIDA.

Más vale que los rockeros, cualesquiera sean sus tendencias ( entre las cuales por lo que se entiende instinto del Rock no hay mayores contradicciones) jamás se topen con los personajes hijos de puta demonios colaterales del gran estupefaciente de la represión que pretende conducirnos por el camino de la profesionalidad.

Porque en esa profesionalidad se establece- y aquí entran a tallartodas las infinitas contusiones por las que se debe pasar hasta llegar a dar- un juego que contradice a la liberación, que pudre el instinto, que modifica como un cancer incotenible la piel de la idea original creada hasta hacerla, en algunos casos, hacerla pasar a través de un tamiz en el que la energía totalizadora de ese nuevo lenguaje abandona la sustancia integral que el músico dispuso por instinto en el momento de crear, y luego esa abortación está presnte en los escenarios, en la afinación, hasta en la imagen exterior del mensaje cuando por fin se hace posible verlo.

Tengo conciencia de que el público ve esta debilidad y no se libera: sufre.

Luego esta ausencia de totalidad, esa parcialidad, es el negocio del rock.

El negocio del cual viven muchos a costa de los músicos, poetas, autores y hombres creativos en general.

O sea, esta difamación de proyectos solo adquiere relieve esa "ganancia" que representa haber ejecutado el negocio, y solamente en ese nivel hay una aparente eficacia. Es la parcialidad de pretender que algo que es de todos termina en definidas cuentas en manos de aquellos bastardos de siempre.

Este mal, por último rebote, cae nuevamente en la nuca de los músicos y los hace pelota.

Luego de participar en el juego, son muy pocos los que aún permanecen con fuerzas para impedir la trampa al repetir una y otra vez el juego mediante el cuel expresarse, o simplemente arriesgar en el precipicio de la deformación un mensaje que por instintivo es puro y debería llegar al que lo recibe tal cual nació. Este juego pareciera ser el único posible (hay mentalidades que nos fuerzan a que sea así). Lo importante es que hay otros caminos.

Luego de haber caído tantas veces antes de ejecutar esa caída final, parábola definitiva en la que se cierran los cerebros para no amar ni dar, hay muy pocos músicos que pueden seguir conservando ese instinto.

DENUNCIA

SIN EL LÍMITE DE LA DENUNCIA

A LO QUE NO RECIBE DENUNCIA

A LO QUE LA DENUNCIA TRASPASA

A ALGO PEOR QUE LA DENUNCIA MISMA

Denuncio a los representantes y productores en general, y a los merodeadores de éstos sin excepción, por indefinición ideológica y especulación compercial.

Ya que estos no se diferencian de los patrones de empresas que resultan explotadores de sus obreros. O sea, por ser los engranajes de un pensamiento de liberación a quienes no les interesa que toda la pieza se mueva, dado que al producirse el más mínimo movimiento, serían los primeros en autoreprimirse y dejarían por tanto de participar en la cosa.

Denuncio a ciertas agrupaciones musicales que se alimentan con esas mentalidades no libres, a pesar de contar con el apoyo del público de mente libre.

Denuncio a otros grupos musicales por repetitivos y parasitarios, por atentar contra la música amplia y desprejuiciada, estableciendo mitos con imágenes calcadas de otras músicas que son tan importantes como las que ellos no se atreven a crear ni sentir.

Denuncio a los tildadores de lo extranjerizante porque reprimen la información necesaria de músicas y actitudes creativas que se dan en otras partes del planeta, y porque consideran que los músicos argentinos no pueden identificarse cn sentimientos hoy día universales. Además es de prever que si estos señores desconocen que la argentina provee a su música nuevos contenidos nativos, ellos mismos están minimizando la riqueza de una creación local apenas florecida.

Denuncio a otras mentalidades por elitistas y pronosticadoras de la muerte de algo que por instintivo no puede morir antes que la vida misma.

Denuncio a las editoriales "fachas" por distribuir información falsa en sí misma y por deformar la información verdadera para hacerla coincidir con las otras mentalidades a las que denuncio.

Denuncio a los partícipes de toda forma de represión por represores y a la represión en sí por atañir a la destrucción de la especie.

Denuncio finalmente a mi yo enfermo por impedir que mi centro de energía esencial domine este lenguaje al punto de que provoque una total transformación en mi y en quién se acerque a esto.

El rock, música dura, cambia y se modifica, es un instinto de transformación.

Luis Alberto Spinetta.

Patologias Culturales 244

2009-12-04T06:52:00.000-08:00

Estaremos charlando con Martín Buscaglia a propósito de la salida de su nuevo disco Temporada de conejos.

Lo estará presentando el mismo sábado 5 a la noche en Niceto.

Confiando en que el concierto de Spinetta y sus bandas eternas sea de esos inolvidables, contaremos nuestra experiencia en la cancha de Vélez.

Además escucharemos canciones de los nuevos discos de Ezequiel Borra (Las cosas del mundo / De todos los días) y de Seba Ibarra (Palimay).

Patologías Culturales- Sábados de 17:00 a 19:00

Canciones patológicas

2009-12-02T05:41:00.000-08:00

Estas fueron las canciones de Patologías Culturales N° 243:

- Travelling Willburys- Tweeter and the monkey man

- Hugo Díaz- Por una cabeza

- Marcelo Ezquiaga- Rompo

- Martín Buscaglia- Cortemonos la cara

- Viejas Locas- Aunque a nadie ya le importe

- Roberto Goyeneche- Balada para un loco

- Almendra- A estos hombres tristes

- Almendra- Chocolate

- Almendra- Ana no duerme

- Almendra- Figuración (en vivo)

Carta enviada por Botafogo a los medios

2009-11-26T05:44:00.000-08:00

Yo, don Vilanova, más conocido como Botafogo, en honor a mis cuarenta años de ruta junto al rock y el blues y a mis libros de enseñanza de música que han influenciado a generaciones de músicos, muchos de los cuales forman parte de lo más valioso de la escena del rock actual: declaro responsables y culpables de la muerte de 198 personas en Cromagnon y del cráneo destrozado de Rubén en Vélez a las empresas discográficas, medios gráficos, radiales y televisivos, managers y representantes que dieron difusión a grupos de mierda integrados por pseudo músicos horribles e hijos de puta que desde sus canciones y sus escenarios hablan de que está todo bien con el descontrol, la autodestrucción con la "merca", el "paco", el alcohol, los psicofármacos.

Ellos cobran dinero de SADAIC, regalías de las ventas de sus discos, dinero fresco en sus shows...pueden robar un remis en Rosario y entrar por una puerta de la comisaría, firmar un autógrafo al comisario y salir por la puerta de atrás como si nada grave hubiera sucedido... Pueden salir al escenario con un porro de paco colgando de sus labios dando un ejemplo a sus seguidores que no están cubiertos por SADAIC, por una empresa discográfica internacional, que no tienen una obra social como la de SADAIC o la de SADEM, que no tienen una manager que les va a procurar un buen abogado...son muy injustos, muy cínicos y muy poco concientes de lo que están haciendo...¡Ustedes son culpables y cómplices de éstas desgracias!

¿Vieron ustedes el bochorno de Piti "cantando" (graznando desafinadamente) con Fito Páez? ¿¡Qué mierda es eso!? ¡¡¡¡Eso es pura bosta!!!!

Sin embargo goza de la aprobación y la difusión y de los favores de quienes nombro más arriba.

¿Y los Callejeros? ¡¿Qué es esa basura?! ¡¿Porqué difunden esa mierda que ni siquiera puede ser considerada música mala?!

Recientemente pedí apoyo al Zar del rock y pop porteño para un show mendigando un poco de difusión y como respuesta recibí un: "No me interesa porque vos tocaste con Pettinatto" ¡¡¿¿??!!

Yo en mis temas hablo del amor de los sueños, de las estrellas, de los vínculos, de la introspección, de los átomos, de la magia y el misterio de la vida, de volar con la mente, de imaginar un mundo mejor... y me veo obligado a andar mendigando un poquito de difusión.

Si ustedes difunden a Pity, a los Callejeros y aun montón de grupos más que bajan línea de que está todo bien con el reviente - aunque algunos de ellos envían mientras tanto a sus hijos a colegios de curas ¿¡?! y ostentan símbolos nazis como adornos de sus escenografías- ... ustedes son cómplices de difundir el consumo de paco, merca y alcohol... ¿De qué lado están? ... ¿qué ganan ustedes con ésto?... ¿qué oscuros intereses están favoreciendo?

Yo pertenezco a la generación de pibes influenciados por Almendra, Manal, Pappo's Blues, Pescado Rabioso, Invisible, Aquelarre, Arco Iris, Vox Dei, Los Gatos, La Pesada del Rock and Roll, etc, etc, etc.... que me dieron ganas de ser músico y de cambiar el rumbo de mi vida hacia algo mejor que la mediocridad de aquellos días. Me mostraron que entre el negro y el blanco de "la argentinidad al palo" había un hermoso arco iris... jamás me hablaron de drogas sino de despertares.

Gracias a ellos hace 40 años que me gano la vida honestamente como músico, gracias a ellos evolucioné como ser humano, intelectualmente, psicológicamente, espiritualmente, emocionalmente.

Los autos importados y las casas de los countries que habitan estos "Rey Midas del rock", la compraron gracias a ese rock argentino que puso la piedra basal de este negocio pero parecen no recordarlo. Como ya se ha dicho, sus billeteras están forradas con la piel de los músicos.

Mucha de la pibada que hoy está descorazonada, desconcertada, frustrada, sin ilusiones, sin sueños, sin posibilidades, no creen en un porvenir y mucho peor: ¡están muy enojados!

Es nuestra obligación, es vuestra obligación, hablarles de que un mundo mejor es posible, para lo cual deben cuidar su cerebro de las drogas y el acohol, porque el cerebro es el templo del alma, es un regalo del misterioso universo creativo con el que nos contacta la música, la buena música.

Firma: Miguel Angel Vilanova

DNI: 11.956.658

Mat. Prof. de Música N° 4 otorgada por la Sociedad Argentina de Músicos.

Pablo Ramos is back

2009-11-19T03:29:00.000-08:00

Pablo Ramos está en Argentina y aprovechará la visita para hacer por única vez ese hermoso espectáculo que crearon con Ernesto Snajer. Será el domingo próximo a las 16:30 en No Avestruz y se titula "La historia de la Música". Entrada $15. No se lo pierdan.

Mañana en Patologías: José Miel

2009-11-06T08:28:00.000-08:00

Jose Miel es una banda tucumana con nombre de dibujo animado japonén radicada en Buenos Aires desde hace tres años. Está integrada por los hermanos Sebastián Díaz Romero y Leandro Díaz Romero, más el aporte de Joaquín Franco en batería.

En 2006 editaron su primer disco (José Miel). A propósito de ese disco, el periodista Christian Vitale escribió que Sebastián "es una especie de Spinetta andando por los cerros del Tafí".

Actualmente están preparando un disco doble con conceptos diferentes: en el primero se podrá apreciar el lado acústico y cancionero de la banda, y en el segundo la impronta más pop que los acompaña desde siempre.

Manifiesto

(x Sebastián Díaz Romero)

"Una imagen, un contexto lumínico, infinito... José Miel es una puerta, un retorno a casa, una ínfima posibilidad de crecer (los tallos llegarán hasta el cielo). El dulce viento vedado por las sombras caerá, el amor es una imagen entre mis manos. ¿Quién disfrutará el placer de dejarse llevar? He dicho, refundemos la intuición como única forma de aproximación al conocimiento. la melodía sufrirá dulzura"

Patologías Culturales- Sábados a las 17:00 hs

Leo y el riesgo

2009-11-04T03:51:00.000-08:00

Dijo Leo García en Rolling Stone:

"Yo creo en contar todo. Yo creo en la vida como obra. Porque así somos todos artistas. Yo muestro todo. Y mucho de esto que hago es para descubrirme más. Ahora un artista tiene que ser lo más parecido a un gurú. A alguien que no le importa tener. Alguien que toma y deja las cosas. Yo estoy practicando para ser eso. No estoy diciendo que vivo así. Sería importante aprender a tomar las cosas y dejarlas. Fluir. Trascender la riqueza, la fama y la fortuna. Me parece que ahuecan a la sociedad. Si lo único que tiene un artista para ofrecer a la sociedad es la distancia y la arrogancia, es como decirles que son todos unos boludos. La valentía de un artista tiene que pasar por mostrar lo que realmente es. Ahí se empieza a ver valentía. ¿Dónde está el riesgo ahora? Está en meterse en lugares donde uno supuestamente no estaría nunca".

Pensalo.

Unas lineas en caliente después del recital de Charly

2009-10-28T08:22:00.000-07:00

Estuvimos 40 minutos haciendo la cola y entramos. Entramos como quien llega a la playa y se saca todo rápido para meterse al mar. Así entramos, apresurados, ansiosos, pero disimulando que estábamos bajo el efecto del nerviosismo.

Cancha de Vélez. Campo. Pensé en lo cerca que los jugadores tienen a las hinchadas, en lo difícil que debe ser jugar al fútbol con toda esa gente mirándote. Y estábamos ahí para ver a uno de los más observados de este país. Charly García tocaba nuevamente en Buenos Aires después de su internación del año pasado. “Tengo que volverte a ver” se llama la gira. No está mal el nombre. No es como “Me verás volver”, la de Soda. En ésta la expresión de deseo está de mi lado, yo – Maxi- soy el que tengo que volverte a ver. En la otra, el punto estaba en que parecen ser ellos los que hablan, los Soda. Vos vas a tener el privilegio de verme volver. Demasiado ego. De todas formas, no importa eso, aciertos o desaciertos de la publicidad.

Lo cierto es que lo volví a ver. Y arrancó con uno de los temas que más me gusta de García: El amor espera. Para aquellos que sentíamos que Charly estaba empezando a caer en la trampa de periodistas como Majul que quieren mostrar a través de él lo que quieren que la sociedad sea, que solo hay cielo e infierno, que un tipo que está “recuperado” es un ejemplo a seguir (porque siempre hablan de resultados, “está recuperado”, no hablan de procesos, de esfuerzos, de sacrificio. “Está bien!!” a pesar de que se lo vea tenso, que le cueste modular, que esté hinchado de tanto tomar pastillas, que camine lento…pero está bien, ahora dice que Maradona le da un poquito de pena porque le hace acordar a él en los viejos cercanos tiempos)... Decía, que para aquellos que nos daba un poquito de cosa esa situación, el hecho de que Charly haya arrancado con El amor espera fue como un volver del alma al cuerpo. La primera frase de esa canción dice: “Yo me hago el muerto para ver quién me usa, para ve quién me llora”, y después “somos como peces que están fuera del mar/ fuimos tantas veces hacia el mismo lugar/ todo el mundo quiere olvidar”. Eso es la síntesis García. Gesto de lucidez que indica que los carceleros de la humanidad no lo van a atrapar con sus redes.

Con ese sólo comienzo ya me quedé tranquilo. Qué iba a saber yo que encima iba a cantar bien y que la banda iba a estar grandiosa si yo nunca pedí que cantara como Luis Miguel. Sonando ajustadísima, la banda fue el soporte ideal para que García se preocupara sólo por lo que se tenía que preocupar: tocar piano y cantar. El ángel de Hilda Lizarazu le dio ese toque que le dieron en otra época a la música de Charly presencias como la de Fabi Cantilo, la misma Hilda o María Gabriela Epúmer, es un no se qué. Pero volviendo a Hilda, repartía dulzura a la vez que un manejo de escenario verdaderamente envidiable. Y Charly –en eso estábamos- tocó piano y cantó bien, llegando a notas a las que antes le costaba llegar, remarcando las frases a las que quería darles un sentido especial.

Y hablando de presencias: la lluvia. La lluvia como signo purificador, que viene y lava todo. En una noche en la que García viene a tocar para liberar fanstamas, la lluvia le hace un giño y limpia, y da épica a un hecho histórico de por sí para la música argentina y latinoamericana, y mucho más después de la actuación.

El momento donde la cosa se puso espesa fue cuando ingresó el Flaco Spinetta. “Mi ídolo, mi maestro”, dijo Charly. Abrazo fuerte. En la entrevista que dio en Rolling Stone hace unos meses ya había anunciado que si Spinetta leía ese reportaje, estaba invitado a tocar esa noche. Se ve que el Flaco leyó. Fue el único invitado. Qué más, cualquiera que hubiese subido antes o despúes de él hubiera quedado opacado. Porque anoche pudimos ver a los dos más grandes compositores del rock argentino. Y justo en ese momento, como si el choque de planetas arriba del escenario hubiera tenido resonancias climáticas, se desató un diluvio de película. Pero que importaba. Estábamos felices. Rezo por vos tocaron. “Morí sin morir y me abracé al dolor/ y lo dejé todo por ésta soledad”.

Cada canción pareció elegida para la ocasión. Como cuando en Llorando en el espejo dice “La línea blanca se terminó”, o cuando canta irónicamente “Hoy paso el tiempo demoliendo hoteles”, o cuando en Promesas sobre el bidet me recuerda que “Cada cual tiene un trip en el bocho/ difícil que lleguemos a ponernos de acuerdo”. Y sí, será así. En una cosa podemos estar de acuerdo. La noche de ayer fue memorable y nos fuimos felices.

En un momento –después de algunas referencias para que "pare la lluvia”- García dijo: “Este el primer concierto subacuático del mundo. Yo quería hacer música abajo del agua ¿no?”. Finalmente, para los cazadores de noticias, ahí tienen la novedad, sólo que nadie se dio cuenta. La novedad entonces estuvo en que García otra vez se salió con la suya e hizo música debajo del agua.

Poemas y Canciones Volúmen 21 (Radial)

2009-10-21T21:45:00.000-07:00

El pasado sábado 17 de octubre ocurrió al aire algo que pasa poco en radio: un hecho artístico. Y no es que lo hayamos realizado nosotros. No. Con motivo de festajar los 20 años de La Tribu hablamos con Hernán para hacer algo y él no tuvo mejor idea que llevar sus Poemas y Canciones al aire. En vez de hacerlo en los lugares donde suelen recitar y cantar, lo trajeron a la radio. Fue un Volumen radial por primera vez.

Y fue una hora y media de magia. Las voces y los acordes, las palabras y las músicas se fueron superponiendo hasta redondear eso que uno termina por definir como arte. Las poesías de Hernán, las canciones de Juan Ravioli, el decir de Pipo Lernoud, la manera en que Flopa abre la boca (y te mata) cuando suelta sus versos al aire en cada canción, el grito de Osvaldo Vigna y Ezquizodelia, la presencia de Ariel Minimal (y me pongo de pie) y los shot a la mandíbula de Vicente Luy (que no recitó pero como un ángel nos conmovió con su sólo estar). Todo eso se dió en una hora y media de programa.

Sí! El sábado pasado vivimos uno de los momentos más gratos, amistosos, poeticos y cancioneros de los 6 años que lleva de vida que lleva el programa. Aquí van las fotos. Que las disfruten!

Mañana en Patologías: Alvy Singer

2009-10-09T09:21:00.000-07:00

Mañana desde el comienzo del programa estaremos charlando con Alvy Singer. Acaba de editar su nuevo disco titulado El corazón fantasma y vendrá con su guitarra para presentarnos esas canciones que nacieron desnudas y que fueron vestidas con las ropas de la Big Band.

Si gustan sus canciones, mañana mismo (después del fútbol) pueden acercarse para ver la presentación en vivo que hará en Café Vinilo a las 23:45. La dirección es Gorriti 3780.

Además: Cine con Oscar Cuervo, el rock de Néstor Pichín y (muy probablemente) Gonzalo Aloras desde Europa. Otra que la Selección!

Completan el staff:

Pablo Ramos

Lucio Dodero

Sofía Grenada

Anto Diomedi

Patologías Culturales- Sábados de 17:00 a 19:00

Charly García en Chile: Bien Igual

2009-10-08T09:25:00.000-07:00

Dedicatoria a Mercedes Sosa, una banda impecable, las manos sobre el piano y las letra de siempre. ¿Otro Charly? Ni dudas ni reproches entre el público chileno. Simplemente el mejor reencuentro.

Por Andrés Del Brutto
Periodista
Desde Santiago de Chile, especial para Patologías Culturales

"¡Pero Charly todavía tiene la voz hecha mierda!", me comenta un colega al escuchar fragmentos de Yendo de la cama al linving que un portal de noticias subió a internet. La reacción me ayuda a cerrar algunas reflexiones que nacieron en la previa del concierto y que maduraron mientras volví a escuchar a García en vivo.

Es cierto -pienso- no es la voz de Sui Generis. Tamoco vale conformarse con un patético "¡Vamos, al menos todavía puede cantar!" Nada de eso.

Las entradas no se agotaron. El Arena Santiago es un gimnasio similar a los usados en Estados Unidos para grandes conciertos y espectáculos deportivos como la NBA donde brilla un tal Ginóbilli. 13 mil personas en su máxima capacidad. Cerca de 9 mil llegaron la noche del viernes 2 de octubre para el reencuentro. ¿Quienes? El común denominador con los conciertos de Fito Páez en Chile: desde quinceañeros que recién aprenden a escucharlo hasta los que llevan tres décadas musicalizando su vida con estos músicos en sus walkman.

Un trapo colgado en las tribunas más baratas -las más completas en su capacidad- rezaba: "GRACIAS X VOLVER CHARLY. SNM". Ni la voz ni el piano ni el aguante hecho mierda. No hubo reproche alguno.

La cancha partida en dos: general y VIP, invento marketero para que la cercanía con el escenario sea más cara. Aquello de llegar tres o cuatro horas antes, prácticamente a charlar con el portero, quedó en el olvido. ¿Acaso no era un triunfo personal quedar adelante? Alguna vez lo hice, la última cuando Charly y Nito resucitaron lo que quedaba de Sui Generis en el 2000 para reventar el Velódromo del Estadio Nacional de Santiago con un impecable repaso de lo mejor de sus obras. Esta noche, la del reencuentro, los chicos se rompían las manos aplaudiendo y chiflando.

Volviendo a frases que escuché en el camino, la de "parece un abuelo, dan ganas de abrazarlo" se repitió seguido. La sensación era compartida y nace en el aspecto que a esta edad Charly nunca había lucido una imagen tan inédita como conmovedora para quienes lo han seguido por un buen tiempo. Las justificaciones siempre fueron discutidas; antes podía estar atentando contra su salud, pero el peso de su obra anterior y una que otra presentación lúcida generaban un "sólo él puede caminar por la cornisa de esa manera". Esta vez fue un periodista del diario La Tercera el que preguntó al público: "¿Charly drogado o así como está, cuál prefieren?" No creo que sea necesario comentar algo al respecto. Más bien recordé el prólogo de Sergio Marchi en la reedición de No digas Nada, la biografía del Charly amigo con el que tocó batería pero al que ahora señalaba en sus errores. O en los errores de quienes lo rodeaban, Marchi entre ellos. En fin, no apunto a Marchi, él comentaba cómo habían cambiado alguna de sus opiniones o cómo miraba de otra forma en el tiempo que pasó entre una y otra edición.

Escucho ahora las frases de los temas de Charly, cobran vida en su voz y vuelven a significarse. Parece una película de su vida en clips de tres minutos. "Yo no sé bien qué es / vos dirás Son intuiciones / verdaderas alertas"; "Ya no quiero vivir así / repitiendo las agonías del pasado"; "Los carceleros de la humanidad / no me atraparán dos veces con la misma red". Sacadas de contexto o medidas con su imagen sobre el escenario, estas palabras cuentan una historia que no pudo haber sido planeada de esta manera.

Las reflexiones viajan desde mi asiento en la tribuna y frente a una banda de lujo. Vön Quintiero, Samalea y Lizarazu, realeza del rock argentino interpretando genialmente junto al piano que García abandonó en contados temas. "Los red hot chilean peppers" - como alguna vez Charly bautizó a los músicos chilenos que lo acompañan- hacen su parte, más que un simple soporte. Curiosidad al margen, la presentación bautismal de charly con los "Chilean" ocurrió en el escenario del Estudio 54, discoteque del barrio de Vitacura en Santiago. Charly viajó entonces sólo acompañado por María Gabriela Epúmer, los músicos de la banda del dueño del boliche completaron la formación. Aquella vez Charly saltó sobre el público y cayó sobre quienes estábamos más cerca del escenario. "¡Subanme chicos!", gritó antes de incorporarse sobre el piano para completar unas tres horas de presentación.

Aquella del 2001 fue una noche de Jacks daniels y quién sabe qué otra sustancia. La de octubre de 2009 fue la del recuerdo de Mercedes Sosa en Rezo por vos y en Inconsciente Colectivo. La de la dedicatoria final de Los dinosaurios para el dictador Pinochet. La de sus músicos celebrando eufóricos al terminar el bis. La noche del reencuentro.

Me pregunto: ¿Habrá que cambiar de opinión? Estas letras no son diferentes. ¿Acaso no vuelven a decir lo mismo que años atrás? Charly responde: Deberías saber porqué.

Escribir en el aire

2009-10-07T09:28:00.000-07:00

Carlos Aldazabal, Diego Skliar, Gabo Ferro y Maximiliano Diomedi

El periodista Juan Manuel Castro reseñó para Revista El Abasto la charla que tuvimos el 14 de septiembre con Gabo Ferro en el inicio del ciclo "Escribir en el aire. Poetas de la música" que se lleva adelante en el Centro Cultural de la Cooperación una vez por mes. Para leer la crónica: www.revistaelabasto.com.ar/poetas_de_la_musica_Gabo_Ferro.htm

Poesías y Canciones Patológicas

2009-09-30T10:28:00.000-07:00

El próximo 17 de octubre vamos a compartir un tarde de Poesías y Canciones. El ciclo, que desde hace un tiempo viene desarrollando el poeta Hernán en distintos lugares, tendrá su edición 21 en el aire de la radio y en el marco de nuestro programa. Es una buena forma de seguir festejando los 20 años de La tribu. Es una buena forma de encontrarse con amigos. Un hora y media a merced de la música y la poesía. Vayan agendando!

Pasen por: www.treneshaciaafuera.com.ar

Patologías Culturales + Rebeldes Stereotipos

2009-09-25T14:13:00.000-07:00

Patologias Culturales- Sábados de 17.00 a 19.00

Mañana en Patologías Culturales

2009-09-11T16:54:00.001-07:00

Adios

Estaremos despidiendo a Ramiro Musotto, músico virtuosísimo bahiense (porque vivó mucho tiempo en Bahía Blanca y porque actualmente estaba radicado en Salvador de Bahía) que falleció esta madrugada víctima de un cáncer de estómago. Es una noticia de esas que dejan a uno pasmado. Hace no mucho tiempo tuvimos una muy linda conversación con él. Esto nos toma absolutamente de sorpresa. Mañana estaremos escuchando música y reflexiones de Ramiro, ese que se animó a conjugar la civilización y la barbarie en un mismo disco.

Además: Entrevista con Lucio Mantel.

Patologiás Culturales- Sábados de 17:00 a 19:00

2009-09-10T16:19:00.000-07:00

Espacio Literario Juan L. Ortíz presenta:

"Escribir en el aire"

(poetas de la música)

Un ciclo de entrevistas públicas con músicos...pero para hablar de sus letras.

Segundo lunes de cada mes.

El primer invitado es Gabo Ferro.

Lunes 14 de septiembre.

20:00 hs.

Sala Osvaldo Pugliese.

Centro Cultural de la Cooperación.

Corrientes 1543

Auspicia FM La tribu.

20 años de amor

Miguel... no sé por qué me puse a pensar en él

2009-08-31T17:25:00.000-07:00

Dibujo de José Cardelli. www.rolandoarroz.blogspot.com

CHAU

Yo sigo fiel a mis pasos,

Que van tras mi necesidad.

Puede;

Que al girar mi cabeza cuatro veces

ya no te encuentre.

Pues,

quede este momento como constancia

De que por vos estuve buscando.

Momentos del festejo por los 20 años de La Tribu

2009-08-20T16:33:00.000-07:00

Estas son algunas fotos del concierto que dieron juntos Gonzalo Aloras y Pablo Dacal el viernes pasado en el CCC, concierto que -dicho sea de paso- va a quedar por mucho tiempo en nuestras retinas y oídos. El cruce de los dos arriba del escenario no pudo ser mejor: cantaron La Era del Sonido (guitarra y piano para una canción que el día que se sea bien escuchada convertirá definitivamente a Pablo en uno de esos artistas imprescindibles para entender el Buenos Aires musical del 2000), un rescate de la época de Mortadela Rancia que se llama Puertas del sol, y la frutilla del postre: entonaron juntos el nuevo tema de Charly García Deberías saber por qué.

¡¡¡Gracias a los dos por la predisposición y por el enorme talento puesto al servicio de la música!!!

Como cantó Dacal en uno de los momento más emotivos de su set (cuando le dedicó su canción Todo o nada a La tribu): Caminar, amar, amar y cantar. En eso estamos.

Entrevista a Dani Umpi y Adrián Soiza

2009-08-12T15:27:00.000-07:00

¿Qué es Dramática, me refiero tanto al show como al disco?

Adrian Soiza (guitarra y voz): Dramática es un espectáculo que versiona canciones de amor. Trabajamos todo en función del concepto de la tragedia del amor. El disco Dramática plasma ese show que hacemos en vivo.

Dani Umpi: Le pusimo Dramática por una cuestión de visión super artificiosa de esa temática y el abordaje del sentimiento, por una cosa aparatosa, como cuando dicen "ah, no seas dramática". Ese es el hilo conductor que tienen todas las canciones. A simple vista uno puede pensar que no tienen mucho que ver unas con otras, pero bueno, nosotros le encontramos mucha conexión, además de que son canciones que las llevamos a nuestra estética y a nuestra manera de hacer las cosas, enconces la coherencia va por ese lado.

¿Hay un criterio para la selección del repertorio?

D.U: Es por gusto, por eso no es un disco de género ni generacional, son canciones que nos gustan a nosotros, que las escuchábamos hace años o hace poco.

A.S: Cuando uno escucha música es como cuando lees un libro. Cuando lees un libro, el narrador en mi imaginario seguramente tiene una textura que, si pudiéramos abrir las cabezas de cada uno, ese sonido sería distinto. A la hora de interpretar la canciones o desvestirlas, lo que yo intenté hacer es ser portador de esa voz que yo encuentro en las canciones ¿no? A veces viene Dani y me dice "hagamos ésta que está buenísima", algunas de esas canciones no las conozco y me copo, otras veces vengo yo y digo "hagamos esta"; algunas veces hacemos las dos. Bette Davis Eyes es la mezcla de dos canciones: esa canción de los 80s y Aguas de marzo, de Tom Jobin, muy representativa de la música popular brasilera. Si vos las escuchás no tienen que ver con sus versiones originales pero están habladas desde la guitarra y cuando las ejecuto trato de sacar esa voz que yo escucho en esas canciones, como yo las siento. No es tan serio como está sononado ahora, es muy divertido, totalmente lúdico.

¿Porque aparecen los argentinos que aparecen?

D.U: Sin querer hay más argentinos que uruguayos. Hay solo una canción uruguaya. Son canciones que a nosotros nos gustan y que no tienen mucho que ver entre sí. La de Valeria Lynch (Muñeca rota) es una que siempre nos gustó, ya el original tiene unos arreglos y unos teclados que son increibles y mucha adrenalina, cada vez va subiendo y subiendo. Nos gusta más allá de la figura de Valeria Lynch como fetiche. La canción en sí está buenísima. Zamba para olvidarte es una canción que mi padre siempre toca con la guitarra, es un recuerdo que tengo desde niño hasta ahora. Voy a fin de año, termina el lechón y empiezan a cantar con mi tío y cantan eso siempre. Y a Adrián le pasaba lo mismo, la cantaba la mamá. Es una canción que compartimos, es más del orden de lo emocional.

A.S: Una cosa a destacar es que cuando uno habla de cover habla de tocar respetando la canción, y lo nuestro no es así. Es más, muchas canciones están cortadas. Muñeca rota, por ejemplo, es así, está ejecutada la mitad de la canción y la letra está reacomodada. Ahí ves lo lúdico que hablábamos hace un ratito, desde dónde sentimos la canción. Sigamos con los argentinos del disco...

D.U: El Otro Yo y Fun People están porque son canciones geniales (las cancione son No me importa morir y Si pudiera). Para mi Fun People fue muy importante en mi vida desde lo musical y lo emotivo, de emocionarme yendo a sus toques. Yo lo admiro mucho a Nekro, y para mi ir a ver a Boom Boom Kid o a Fun People es un fiesta insuperable, me meto en el pogo y todo. Una vez pasé música con él después de un toque de él y guardo el flyer porque para mi es una artista que da mucho e inspira mucho también, porque da mucha fuerza. y esa canción me encanta. Y con El Otro Yo no es lo mismo pero hay algo similar porque el disco Abrecaminos en su momento lo escuché un montón y me encanta, me da felicidad. Y con Adrián llevamos las canciones a lo que somos nosotros. La de El Otro Yo está con otra canción que canta Marina Lima que no tiene mucha coherencia, pero como salió así en los ensayos quedó así.

Es muy dificil encontrarse entre los músicos con el desprejuicio que tienen ustedes a la hora de abordar esas canciones y esas temáticas...

A.S: Cuando hacés una disciplina artística que te apasiona, no estás muy preocupado por si hay que defender lo que hacés. Yo creo que las cosas que necesitan ser defendidas son las que se caen solas, no tienen mucho sustento. No quiero pecar de arrogante con esto. Yo me pregunto también qué tengo para decir. Y creo que ese desprejuicio tiene que ver con una actitud positiva, con un sentimiento positivo hacia el rock, que no es mi música favorita pero encuentro cosas muy copadas. También en el pop. Este no es un disco pop pero el lenguaje es bastante pop. ¿Cómo lo encasillás? Ni idea, pero no está forzado. Nosotros generamos muchos amigos dispares con este disco y eso es una riqueza increíble. Si eso se sigue cumpliendo uno dice tarea cumplida.

D.U: Yo estoy de acuerdo, pero mi caso es diferente porque yo empecé a cantar hace poco porque de chico no tenía la fantasía de cantar. La música la disfrutaba desde el lado del oyente, no desde el músico. Y como oyente tampoco me interesaba mucho profundizar en algo de género ni nada. Y claro, mezclé mucha cosa y eso se nota ahora cuando hago un disco y canto y me preocupo por tener mi identidad dentro de la música. Pero tá, vengo de ese lado del disfrute de la música sin pensar que sólo me gusta un género. está Ace of base y Fun people y claro, yo iba a bailar y pasaban Ace of Base y me gustaba y después iba a ver a Fun people y me emocionaba. No tenía complejo con eso, con otras cosas sí, pero con eso no. Y claro, estaba todo junto y ala vez eso es un valor. porque a veces, cuando el rock trae para sí cosas del pop, lo hace con ironía o como un fetiche, en cambio nosotros no, se nota que lo hacemos porque nos copa, porque nos encanta. Hay un tema de Pet Shop Boys, nos parece lo más...o Fangoria.

A.S: También hay una cosa muy 90, nosotros somos hijos de los 90s. Si bien no nacimos en esa década, sí explotamos en esa época por así decirlo. Entonces, este eclecticismo parte un poco de esa época.

D.U: Si, igual no me parece generacional porque cada uno viene de otro lado. Acá hay canciones que no son de un momento, por ejemplo las brasileras, tiene que ver con que yo soy del norte, con algo más geográfico. tiene que ver con un corte personal nuestro más que con un momento vivido en común. Hay 90 porque... El año pasado nos pareció genial el disco de Katy Perri, me pareció genial como estaba producido y ahora hacemos un tema de ella en vivo. Entonces hay 90 y hay de ahora.

¿Cómo se grabó el disco? ¿Intentaron recrear la atmósfera del vivo a la hora de entrar en el estudio?

A.S: Es un disco que por un lado las canciones fueron testeadas sin demasiada pretensión, fundamentalmente porque el link que es necesario justificar es el retorno con el público. Vos ves el show y no salís triste, puede no gustarte -y eso es muy loable también- pero triste no salís porque te enganchás mucho con el planteo estético. Cuando empezamos a hacer el disco hubo un proceso largo de grabación porque fue muy cuidado el tema del sonido. nos tomamos mucho el tiempo para que quedara bien, fuimos muy minuciosos a pesar de que es un disco muy mínimo: tiene cuerdas de nylon, cuerdas de metal, y que trabaja sobre la guitarra. necesitábamos que las canciones quedaran lindas y nos gustaran.

D.U: No nos pusimo fecha y eso dio tranquilidad. Porque salió como nosotros queríamos. Si ya era caprichoso todo estaba bueno que el hacerlo también.

¿Cómo es la relación que tienen con artistas uruguayos de la talla de Eduardo Mateo, Rubén Rada, Fernando Cabrera, El Príncipe...músicos todos ellos que tienen especial ascendencia sobre los músicos argentinos en éste momento?

D.U: Yo estoy empezando a cambiar algunas ideas porque siempre veía esta experiencia como algo aparte de la tradición uruguaya musical. Pero ahora que damos las entrevistas y hablamos con gente vemos que este disco sólo puede existir porque somos uruguayos y está todo eso presente. Partimos de otro lado y hacemos otras cosas pero es re uruguayo en muchas cosas. Yo particularmente he escuchado un montón de Cabrera pero nunca pensé que se pudiera notar en algo que hiciera...ahora no sé si se nota. Lo que pasa es que cuando sos de ahí... El príncipe yo nunca lo iba a ver. A Darnouchans y Cabrera todo el tiempo, y a Leo Masliah. Recién ahora los estamos conociendo a muchos músicos. Yo admiraba mucho a Estela Magnone, una música uruguaya - el primer cd que me compré fue de ella- y ahora nos fue a ver y la conocí a partir de esto. Tenía amigos músicos desde antes que son Samantha Navarro y Martín Buscaglia, pero después no conocía a nadie.

A.S: De Fernando Cabrera hay un disco que escuhamos mucho y estaba muy presente, qué se yo. No hay dudas de que lo nuestro va por otro lado, pero hay una relación. Nos vemos, nos cruzamos en un show y nos reconocemos, charlamos, y la sensación que tengo es que se entiende y se respeta muchísimo el lugar de cada uno, y para mi eso es muy copada, fundamentalmente con Cabrera.

D.U: En un concierto de Lisandro fue la única vez que hablé con él y me sorprendió que conocía lo que hacíamos y yo no pensé que conocía. estuvo bueno.

¿Y Mateo?

A.S: El no nos fue a ver todavía (risas).

D.U: Lo que pasa es que eso en Uruguay es muy clásico, no sé si como Charly García acá.

A.S: Mateo es la musa de la música popular uruguaya. Parte desde Mateo. Nosotros venimos de un país que implotó y se esfuerza por implotar, y comerse a sí mismo y vivir de sí mismo y no salir hacia afuera. Yo reconozco un determinado fastidio en ese comportamiento. Ahora, ya de grandecito, me he amigado mucho ¿no? Me encanta Jaime Roos y la música popular uruguaya, pero no tengo una actitud rebelde. Mateo representa eso para cualquier músico montevideano. Porque vos hablás de música popular uruguaya y estás recortando a Montevideo de todo el resto. Dani, por ejemplo, es de Tacuarembó, una provincia que limita con brasil más al norte. ¿Vos que pensas?

D.U: Estoy totalmente de acuerdo, porque en Uruguay es diferente la figura de Mateo que acá. Es como Torres García. Si vos sos de otro país decís "Ah! que bueno Torre García, qué bueno Mateo", pero si sos de Uruguay decís "Ay! Todos tocan como Torres García, todos tocan como Mateo, ya estoy harto" . Yo crecí escuchando a Mateo y escuchando a 20 que hacían todos como Mateo, entonces uno lo redescubre después, y tratás de sacar tus prejuicios. Mateo es como Rada, son muy importantes allá, y a la vez generó toda una manera de ser y de crear y de vivir la música que es muy importante para él, pero cuando estás en un medio donde eso es demasiado...es como si te dijera el rock uruguayo ahora. Es LA música uruguaya. Mateo era genial pero vivimos en un país donde está Mateo en todos lados.

Dani, en una entrevista dijiste lo siguiente: "Siempre prefiero la frivolidad y el snobismo a esos grupos que denuncian miserias sociales sin nombrar a los responsables"

D.U: No me acuerdo el contexto de cuándo dije eso (risas)

¿Pero estás de acuerdo o te suena descolgado?

D. U: Lo que pasa es que yo me nutro mucho, cuando hago canciones o escribo narrativa, del imaginario de la amistad muy frívola y hedonista. Hay un musical mío en el C.C. Rojas -sábados a las 22:30- que habla de eso: un grupo de amigos que solo piensa dónde ira a bailar, qué ponerse, todas esas cosas. Y eso a mí siempre me tiró mucho como concepto y como imaginario. Y mis novelas tienen ese tono y las canciones que hago también, porque es el universo que a mi me gusta ¿no? Y al escribir tanto sobre eso después vienen los comentarios. y las críticas siempre vienen por ese lado -imagino que ese era el contexto de lo que dije- ¿porqué es todo tan frívolo? Y en realidad eso es lo que a mi me interesa y tampoco puedo estar en otro lado, hacer canciones como La Vela Puerca, yo que sé, porque no me sale y porque para eso ya están ellos. A mi me interesan otras cosas. No es que no me interesen los problemas sociales sino que me encandila más otro tipo de cotidianeidad. Ahí también es muy rico el tipo de relacinamiento que se da y surgen cosas que están buenas.

A.S: Si vos ves al arte como un medio parab cambiar la realidad o como un medio para expresar tu pensamiento, a mi me parece que Dani está hablando de eso último. Yo lo conozco y no creo que no esté comprometido, es un tipo muy sensible...

El punto es hasta qué punto sirven las canciones con contenidos sociales, si despabilan a loa más despabilados o realmente a alguien le hace cambiar el punto de vista que tiene respecto de la realidad. Solo le pido a Dios hace 30 años que se canta y tiene vigencia, lo que indica que las cosas no cambiaron tanto .

D.U: Claro, lo mío iba por ese lado. Lo que pasa es que a veces los discursos políticos en las canciones (o de lugar común) a mi no me llegan ¿entendés? Es como las canciones de amor que todo el tiempo dicen te amo, llega un momento en que eso ya no quiere decir nada. Y con los discursos pasa lo mismo. Igual hay cosas que me gustan. Lo que hace el pelado Cordera me gusta, Tabaré también... canciones que están buenas, pero me parece que a veces quedan al mismo nivel de otra cosa. Pero tiene que existir algo para que exista lo otro, porque si le das rienda a solo tipo de pensamiento queda todo muy redundante, no decís nada. Es cierto que yo también escribo cosas que son re tontas. A mi me cuesta un montón el tema de la demagogia. Es cierto que a mucha gente esas canciones le ayuda a preguntarse cosas, pero a la vez te hacen entrar en una forma de pensar muy rígida o en un lugar común de decir "los ricos son malos", que es simplista, te saca a vos la preocupación de pensar, la frase te seduce tanto que decís "tá, esto es así como dice esta canción". Eso es mucho más cómodo.

Adrián recién decías: ¿arte para transformar la realidad o arte para expresar lo que uno siente?

A.S: Uno trata de buscar espejos en todo lo que hace. de lo que decía Dani recién con respecto a uno zabullirse en su propio fetiche de lo que hace o uno citar al poeta...yo tengo las dos cosas. Sí sé que muchas veces siento al arte desde un lado sensible, lo grafico desde una fractura. No creo que me interese cambiar el mundo con el arte, sí me interesa cambiarme a mi, eso es fundamental, eso significa ser lo que quiero ser sin aislarme del resto. Pero no sé si me hago entender.

D.U: Yo tengo una formación de artista plástico y me cuesta liberarme de esos vicios de que todo quiere decir algo. A veces no. Yo tengo esa mentalidad. Igual sé que no tiene porqué ser así, pero al venir de ahí...

Recuadro:

Hacia el final de la charla salió el tema de las religiones y Dani dijo:

"Nosotros somos muy anti religiosos, igual creemos en la paz del mundo (risas). Lo que pasa es que yo vengo de una familia católica que se dedica al ecumenismo, entonces eso... Hasta hace un tiempo yo tenía un discurso muy formado en contra de eso y hasta te podía hacer un programa sobre eso, ahora no tanto. pero vengo de mucha rabia hacia eso por más que mis padres estén en constante diálogo con todas las religiones. Yo soy un ateo defensor del ateismo, entonces todo eso es dificil...uno va superando pero son los prejuicios que uno tiene.

¿Cuántos habitantes tiene Tacuarembó?

45 mil.

¿Y cómo era la vida de chico ahí?

Como en toda ciudad chica del interior de esta zona, con diferencias de clase bastante marcadas, pero en comparación con otras ciudades más grandes era ridículo. Pero era lindo, la pasaba bien. Yo hacía mi vida, tranqui, pero claro, a veces depende de la cabeza que tengas, podés sentir que no hay nada para hacer como todo lo contrario. A mi no me pasaba eso, igual no tenía mucha aspiración, yo quería escribir y escribía, estudiaba...No era que decía "no veo la hora de irme", pero igual sabía que iba a terminar e irme. estaba claro. Elegí mi carrera sin mucha vocación, estudié dos carreras dentro de Comunicación: Publicidad y una artística. Por suerte me gustaba estudiar, pero mi vida era muy promedio.