domingo, 30 de octubre de 2016

Tom Zé por Juan Mayo


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Programa N° 575.  A propósito de la visita del genial artista brasileño Tom Zé a Buenos Aires (hoy a las 20.00 en La Usina del Arte), nuestro amigo y músico Juan Mayo (admirador y conocedor de su obra) nos hizo una descripción de su importancia dentro de la música brasileña. Nos contó la incidencia que tuvo Zé en el movimiento de la Tropicalia, de su lenguaje preocupado por socavar lo establecido, de sus discos Estudiando o samba y Todos los olhos, de su experimentación con samples cuando casi nadie lo hacía y de su mirada crítica y ácida.

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viernes, 28 de octubre de 2016

Último programa para descargar


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Programa N° 574. Lo dejamos completo. El itinerario: entrevista con Diego Etchegoyen a propósito del Congreso Transdisciplinario Escena Política / la poesía de Cristian Alliaga / Charly García x Rodrigo Ruiz Díaz (Chau Coco) / Charly García x Oscar Cuervo / No bombardeen Barrio Norte de Martín Zariello.

Lo pueden descargar y escuchar ACÁ 

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Lista de canciones:

- Esas cosas - Nahuel Carfi
- Aint gonna give it up - Charles Bradley
- Anda - Daniel Melingo
- Uno - Francisca y Los Exploradores
- Good morning life - Lisandro Aristimuño
- Say no more - Charly García
- Cuchillos - Charly García
- Superhéroes - Charly García

viernes, 21 de octubre de 2016

"En lo personal me empecé a encariñar cada vez más con los errores" - Julián Galay y una recorrido por los 10 años del Ensamble Chancho a Cuerda


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Programa N° 573. Una tarde de miércoles lluvioso nos fuimos a la casa de Julián Galay para charlar sobre los 10 años del Ensamble Chancho a Cuerda que se festejarán este sábado 22/10 en Caras y Caretas.

En el altillo de su casa Núñez, nos recibió con rico té y nos dejó, de paso, adentrarnos en su mundo creativo. A vuelo de pájaro, ni bien ingreso, puedo apreciar una biblioteca imponente donde se mezclan la teoría musical, las novelas, las poesía, el arte y la política; a un costado una repisa repleta de cds; a continuación un teclado; sobre la mesa una carpeta y algunas partituras desplegadas que empieza a guardar en un folio; más allá una maqueta que de lejos parece una réplica de la Casa Rosada, pero no: es la del hospital donde su padre pasó sus últimos días. Ese altillo es un lugar donde a uno le gustaría vivir.

La charla empieza por el Ensamble, va disco por disco y de a poco ingresa en los intereses de Galay que exceden lo musical e incluyen a las artes visuales, las artes plásticas y la literatura. 'Todo lo que tiene que ver con el arte me interesa', nos dirá. Y esa palabrita todo será motivo de reflexión cuando nos adentremos en la obra interdisciplinaria que mostró el año pasado en el CCK y lleva por título (justamente) TODO.

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El recorrido: la música y lo colectivo / la autogestión / lo abstracto y lo concreto / lo público y lo privado / el prejuicio / el cariño por los errores / el cuestionamiento a la idea de trascendencia ("Yo siento que tuve que cortar con esa idea de la huellas y la trascendencia para ser feliz").

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A lo largo de la entrevista escuchamos música, ya sea fragmentos o completas, de los tres discos del Ensamble.

- De Contrastes (2010): Atardece, La puerta azul, Kageliana, Donde nace el río y Burocraticidio.

- De Subversiones: Mudanza (F.Cabrera) y Distinto (Rodrigo Ruiz Díaz).

- De Deconstrucción: Nueva canción, Convención, Mar Negro, Sin detenerse y -la última que acaba de sonar- Criatura.

jueves, 20 de octubre de 2016

"Estuvimos a punto de perder el disco muchas veces" - Entrevista con Alucinaria

Hace dos semana pasaron por Buenos Aires para presentar 'Días de fuerza'. En medio de un raíd de notas, se hicieron un rato para venir a charlar con nosotros y nos regalaron dos canciones acústicas en vivo. Lo pueden escuchar acá.


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Programa N° 572. Nos visitaron los rosarinos de Alucinaria. Pablo Comas es compositor y está al mando de las voces, teclados y guitarras; Federico Toscano toca batería y percusión. Vinieron a presentar el flamante Dias de fuerza, un disco -según sus propias palabras- muy cerebral en el que trabajaron a lo largo de dos años. ¿Por qué? "Nos pusimos enrevesados -dirán. El problema es que estábamos involucrados en lo que tratábamos de escribir y ese es un punto de distinción respecto del primer disco donde no pasaba eso. Ahí nosotros éramos los actores, los narradores, estábamos en otro lugar. En Días de fuerza estábamos implicados en el problema, entonces terminar las letras y la mezcla era todo un proceso de entrega en el que uno tenía que ponerse en una posición. Suena muy místico pero así lo vivimos. Ahora ya pasó".

Si en La última rotación del sol (2012) transitaron un camino más eléctrico y relacionado al power pop, ahora viraron. En el camino se encontraron con la música de La Perla Irregular y de P.E.L.S, dos bandas contemporáneas que hacían real la posibilidad de recrear el sonido de los 60s con toques propios y originales. Con esa data en la cabeza empezaron a trabajar en Días de fuerza. "Siempre fue un objetivo que el disco fuera excesivo, tributando lateralmente a esos discos de los 60s, pero con una temática actual - dijo Pablo. Ahora hay un casamiento con determinadas estéticas que a nosotros no sé si nos interesa tanto. ¿Cómo en esta era de homestudio, de tanta tecnología, de información, de tanto acceso y facilidades, una banda puede abordar una épica de grandes estudios, grandes orquestas como hace 50 años, estructuras complejas sin ser nosotros músicos de conservatorio?".

Entre las 14 canciones encontramos, pues, la respuesta a esa pregunta y un espíritu repleto de paisajes sonoros que tributa una idea de obra hija de los sixties. A ese mundo hay que sumar las imágenes que proliferan en las letras. En Paz (excepto para las almas despeinadas), la canción que habían mostrado como adelanto del disco, hay una frase que dice: 'Quiero pelear para no desaparecer'.  En Visiones del más acá: 'Abrazame que me voy lejos / donde nadie puede ir'. En Mancha: 'La guerra mía es contra mí / porque soy las voces que marchitan mi jardín'. La idea de lo finito ronda. O de la transformación: ese límite entre estar aquí y dar el paso hacia otro lado sin que eso signifique (únicamente) morir. Pablo lo explica así: "El disco empezó teniendo ese espíritu: la cuestión de la pérdida, el miedo, afrontar el vacío, blablabla. Se empezó a generar una cuestión metonímica en relación a la muerte y todos sus sinónimos y parientes. En el proceso nos terminamos dando cuenta de que el disco está hablando del ego y el ego es el tema. La pérdida, en todo caso, no es más que una proyección de tu necesidad de controlar las cosas. El impacto que provocan algunas pérdidas no tiene que ver con lo real, tiene que ver con algunas cosas imaginarias y de cierto narcisismo. El disco se vió imbuido de ese concepto porque hubo problemas, iba a hablar sobre la pérdida y se transformó en el problema después. Estuvimos a punto de perder el disco muchas veces. En la ambición de hacerlo de una manera... el disco se nutrió de toda esa energía. Había un aura optimista y nos dimos cuenta de que no lo era tanto, era un color de superficie, pero había otros tonos muchos más agridulces".

En los pliegues de lo agridulce es donde aparece aquella épica que mencionaba Comas y que acompaña cada canción; la épica del que vuelve, del que suelta, del que se contagia de luz y sombra, del que vence la espera, del que se enamora de lo que ya se murió, del que aterriza sobre las heridas. Esa épica fue buscada y -no es menor- encontrada

"Siempre fue un objetivo que el disco fuera excesivo, tributando lateralmente a esos discos de los 60s, pero con una temática actual" (Pablo Comas) 

Última acotación antes de dejarlos con el audio de la entrevitsa. Atención con el Pablo Comas escritor que puede entregar frases como '¿A dónde vas sin poner el cuerpo?'. "Hay ciertos mandatos culturales que te meten en una trama que es muy de la mente, donde el cuerpo parece no estar implicado. Cuando estás en tu cabeza estás en una película hasta que pasa algo con el cuerpo que te saca de la narración y tenés que obligarte a que la narración que tenés y el cuerpo peguen, encajen (...) En el cuerpo está la realidad que tendríamos que atender. Y este es un disco muy cerebral paradójicamente".
 
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La entrevista para escuchar ACÁ

jueves, 13 de octubre de 2016

Alejandra Kamiya en De lectores



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Programa N° 572. En esta oportunidad, se acercó a De lectores en la tribu, espacio dedicado a la literatura argentina conducido por Ana Ojeda, Alejandra Kamiya, quien leyó su cuento Arroz y contó derivas y experiencias de la escritura de su libro de cuentos Los árboles caídos también son el bosque (Bajo la Luna, 2015). De Japón a la Argentina, de padres a hijos, las palabras son un don que se carga en cada caso de significados diferentes. Ausencias y barcos, la muerte como parte de la vida, el parto como - a la vez - ida y nacimiento y división y ruptura, Alejandra Kamiya habló de todo. 

Aquí la charla completa.

viernes, 7 de octubre de 2016

"Me gustan los proyectos efímeros, los proyectos a largo plazo no me motivan" - Entrevista a Zelmar Garín

Al frente de Ácido Canario acaba de editar 'Todos hablan, nadie escucha' y lo presenta el 15/10 en El Emergente de Almagro


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Programa N° 571. Charlamos con Zelmar Garín, músico, compositor y fundador del sello Noseso Records. Vale mancionar que junto a Julián Galay hacen Espectro electromagnético todos los martes a la 01.00 por FM La Tribu. Al frente de Ácido Canario acaba de editar Todos hablan, nadie escucha. Volúmen 6

Apasionado por la música argentina, Zelmar junta discos desde los cuatro años. Algo de todo eso que lleva acumulado en los oídos está puesto en cada proyecto que encara. "El rock es algo que me apasiona en todas sus facetas", nos dirá. 

Ácido Canario lo forma en 2007 junto a Nahuel Creche. No quería una banda típica y por eso, desde un comienzo, ideó un proyecto que muta, que se arma y se desarma."Soy un chabón bastante inquieto, me gusta reiventarme y reinventar la música -define. Me gustan los proyectos efímeros, los proyectos a largo plazo no me motivan". Por esa razón, todo el que entra al grupo sabe de antemano que tiene fecha de caducidad, a lo sumo dos años. "Como cuando te comprás un yogurt", remata entre risas.

Su viaje musical no es explicable en pocos renglones. Mejor escuchar. También, como una manera de darnos la posibilidad de expandir lo que se entiende por música. Todos sus discos son conceptuales: tienen un desarrollo, un sonido, un hilo conductor y no todas son canciones. "Una de mis piernas está en lo experimental -asegura. La improvisación, el noise, la música contemporánea, el free jazz, el rock experimental o la canción más multiforme me hacen explotar una liberación en la cabeza, hacer conciente lo inconciente. Me da herramientas a la hora de proponer una música nueva o una base o un colchón sonoro". 

"Me ha pasado de poner la trucha y no estar identificado con lo que hago y no está bueno, después es doloroso, te hace ruido adentro. Entonces, como toco desde chico, esa es una de las primeras cosas que vislumbré: ser sincero con uno mismo y hacer lo que uno quiere"

Reparar en el título del disco es necesario. Ese Todos hablan, nadie escucha evidencia un quiebre en el diálogo donde se pierde el mensaje y desaparece el código entre emisor y receptor. En el cotidiano asistimos a una especie de soliloquio donde hay personas que hablan para nadie. Un signo de época. Es en base a ese diagnóstico que el disco apuesta por una voz que está como escondida, procesada, distorsionada o que canta a través de un tubo de teléfono. Cabe la pregunta (sin respuesta por el momento): ¿será que THNE es un alerta de que estamos perdiendo la noción del otro?

Zelmar nos dice: "Creo que vivimos en una etapa donde todo lo que tiene que ver con lo visual está supersaturado. ¿Viste que no te van a escuchar, te dicen 'te fui a ver'? Hay una saturación de la imagen y eso hace que perdamos abstracción. Veo en los chicos poca concentración. A nivel comunicacional estamos muy desconactados y en el arte eso es tremendo. Vas a tocar y te meten imágenes porque sí, porque hay un proyector. Todo eso es una fuente de distracción y el arte es justamente estar atento a no distraerse, ¿viste? Creo que lo decía Passolini".

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Vamos a lo sonoro. El disco está atravesado por un sonido que no se apaga en ningún momento. "Son unos pedales que están conectados al revés, se llaman pedales en feedback porque se retroalimentan y según cómo uno ecualiza y mueve esos potes, se generan diferentes ondas. El disco está armado todo con eso". A la vez, todos los sonido percutivos que se escuchan están confeccionados con chatarra: antenas de direct tv, por ejemplo. "Hay una búsqueda de sonido muy ardua", marca. ¿Cómo es esa búsqueda? ¿Demora mucho tiempo conocer cómo suena eso que encontró en la calle? 

A escuchar el programa ACÁ.  

"Todo lo que tiene que ver con lo visual está supersaturado. ¿Viste que no te van a escuchar, te dicen 'te fui a ver'? Hay una saturación de la imagen y eso hace que perdamos abstracción. Veo en los chicos poca concentración. A nivel comunicacional estamos muy desconactados y en el arte eso es tremendo. Vas a tocar y te meten imágenes porque sí, porque hay un proyector. Todo eso es una fuente de distracción y el arte es justamente estar atento a no distraerse, ¿viste? Creo que lo decía Passolini".

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Es importante mencionar que la presentación del disco es el 15 de octubre a las 21.00 en El Emergente (Acuña de Figueroa 1030). "Será una escucha a oscuras, con una performance hacia el final. Como el disco es conceptual y hablábamos de la virtualidad saturada, es importante anular el sentido de la vista. Sucederá ese día y no creo que lo volvamos a hacer".

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Sgt Pepper. "Cuando tuve una crisis del bocho, mi primer recuerdo feliz fue mi papá llegando destruído a casa, poniéndome en sus rodillas, agarraba Sgt Pepper, lo ponía y me traducía las letras. La psicodelia siempre estuvo, es una música que me atrajo de niño. Abre campos, es la conjunción del rock con otras músicas que estaban pasando".

La crítica. "Lo crítico, que a veces está mal visto, para mí es primordial en el arte, Tiene que haber algo que además de sentirse identificado, sea una soguita para encontrar la luz en tanta miseria".

La chatarra. "Todos los músicos somos un reflejo de la época en que vivimos, nadie puede escapar de eso. Por más que digamos que [Giovanni Battista] Pergolesi estaba adelantado a su época, no es así; hizo esa música porque estaba en esa época. También hay una ideología, ser conciente de algunas cosas, ser crítico... por lo menos hace que cuando uno va a tocar esté identificado con eso que hace. Me ha pasado de poner la trucha y no estar identificado con lo que hacía. No está bueno, después es doloroso, te hace ruido adentro. Entonces, como toco desde chico, esa es una de las primeras cosas que vislumbré: ser sincero con uno mismo y hacer lo que uno quiere".

"Es un momento de reafirmación de la subjetividad neoliberal" - Foro de debate cultural


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Programa N° 571. En este segmento nos metimos con las políticas culturales. Estuvimos cubriendo el Foro de Debate Cultural organizado por el Frente de Artistas y Trabajadores de las Culturas en la Facultad de Ciencias Sociales. 

Tal como dijo Federico Escribal, uno de los expositores, "es un momento de reafirmación de la subjetividad neoliberal" y por eso se hace necesario juntarse a pensar y abrir el abanico de reflexiones.

De las tres mesas de debate programadas, nos interesamos en la que trataba de pensar el proyecto de Ley de Mecenazgo presentado por el presidente Mauricio Macri a la prensa hace unas semanas, un proyecto del que nadie sabe nada aún porque se realizó el anuncio en conferencia pero no se elevó al Congreso. Participaron el mencionado Escribal (especialista en Derechos Culturales), Andrés Fortunato (filósofo), Daniel Franco (especialista en Políticas Culturales), Dulcinea Segura Rattagan (integrante del área de Danza IAE, FFyL, UBA), Mina Bevaqua (especialista en Performance y Género, coordinadora del área de Performance en el Instituto de Artes del Espectáculo de FFyL, UBA), y Neli Saporitti (música e investigadora, integrante Músicos en Sintonía Fina por la Inclusión).

Cortamos tres intervenciones. Una es la de Daniel Franco, que está muy interiorizado en el funcionamiento de la Ley de Mecenazgo en Buenos Aires; la otra es de Federico Escribal,  que hace un descripción perfecta del macrismo a nivel cultural; y la última es la de Andrés Fortunato, quién propuso no caer en la creencia de que el Estado es la gran solución a todos nuestros problemas. 

Lo pueden escuchar ACÁ.

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"Cualquier coreógrafa o pintor que quiere aplicar [a Mecenzgo] y logra que le aprueben el proyecto, después  se encuentra con la disyuntiva de que tiene que salir a tocar timbre o ser un experto en Responsabilidad Social Empresaria. Es decir, tener una base de datos armada sobre cuáles son las empresas que tienen un departamento de RSE y dentro de ese área de RSE ver a qué expresión apoya cada una: a unas le interesa la educación, a otras la cultura, a otras la minoridad, otras danza. Digo, tener ese mapa bien claro para saber adónde tocar el timbre (...) Los que logran conseguir el dinero tienen que ver con contactos familiares (...) Lo que ellos dicen es: 'Nosotros ayudamos, lo que pasa es que no podemos llevar a la gente de la mano porque sino se pierde esta cosa del sacrificio'. La meritocracia". (Daniel Franco)

"A veces leo y escucho que decimos cosas que tienen que ver con anular la participación del mundo privado en el financiemiento cultural. En realidad creo que el Estado debería regular y tener un criterio que hoy no tiene, pero no es que el Estado debería financiar con fondos públicos, como único recurso, la cultura. Es imposible y no contamos con las capacidades para hacer semejante gesta cultural". (A. Fortunato)

"Estos muchachos juegan con la categoría de emprendedores: yo te pongo las reglas de juego claras, la cancha es ésta, hay dos arcos, la cancha no está inclinada, la pelota es redonda, juega Barcelona contra Español -club del que soy hincha- y no nos va a ir bien porque se ignora el desequilibrio consolidado, la historia, la tradición. Yo estuve diez años en el Ministerio de Cultura (...) y en algún momento hicimos un proceso de entender que en los subsidios que estábamos dando habíamos caído en la trampa de la transparencia; yo te pongo los formularios claros, los difundo un montón, dejo las preguntas abiertas y la verdad es que los que pasan el filtro siempre son Fundación Arcor, Crear vale la pena y un montón de ejemplos. Entonces, lo que falta en políticas públicas de cultura es salir a buscar con un enfoque de justicia social, entender que esa organización barrial, esos hacedores populares de cultura que están en el barrio, difícilmente puedan disponer de recursos humanos para sostener los papeles de la asociación civil, los estados contables. La verdad es que si son cinco, están los cinco poniéndole el pecho a los pibes en el barrio. A nosotros nos costó entender la dinámica y como surfear la institucionalidad y la burocracia". (F. Escribal)

miércoles, 5 de octubre de 2016

Octubre García y Homenaje al Príncipe / Entrevistas a Darío Jalfin y a Gabriel Destéfano y Pía Lacelli


En estos días, en Buenos Aires, Charly García y El Príncipe Gustavo Pena Casanova serán homenajeados de distintas maneras. Uno, popular y masivo, fue la antena y el fusible de la sociedad argentina a lo largo de más de 40 años; el otro, uruguayo, un incansable hacedor de canciones que resistieron el paso del tiempo y afloran cada vez con más fuerza. Uno tiene una obra ya casi cerrada y a merced de ser interpretada y releída; el otro dejó cientos de canciones algo escondidas, grabadas en condiciones no siempre favorables, que reclaman ser descubiertas. Uno cumple 65 años y por eso en el CCK, con la curaduría de Darío Jalfin, se llevará adelante el Octubre García, donde solistas y bandas estarán tocando de manera completa cuatro obras fundamentales de su discografía. El otro, fallecido en 2004, sigue con su sana costumbre de unir a través de la música y por eso será celebrado el sábado 30 en La Quince. 

A continuación dos entrevistas a los hacedores de ambas celebraciones.


"Siento que en Charly no hay prueba y error" 

 Entrevista a Darío Jalfin,  curador del ciclo Octubre García en el CCK. La pueden escuchar acá.

- ¿Cómo surge la idea de hacer el Octubre García?

- Es una idea que yo tuve el año pasado cuando hice un concierto en Vuela el pez el día del cumpleaños de Charly. Participaron Paula Maffía, Rosal, Javier Maldonado y otros invitados. Nos mezclamos bastante. Y este año me convocaron del CCK para hacer algo similar a eso pero como ciclo de conciertos. Yo les propuese hacer algo diferente y que en cada concierto se toque un disco de Charly completo.

- ¿Cómo lo pensaste?

El desafío era buscar voces de gente que pueda salirse del lugar común y del repetirse. A la vez, creo que hay que encontrar un balance y es algo que estoy descubriendo a partir de ir haciéndolo. Hay tanto dicho ahí, tanto puesto, que no da mucho para hacerse el loco. Puede pasar una vez, pero no es lo mismo que decir 'voy a tocar 8 temas y encontrarle la vuelta de rosca'. No me parece que sea una buena decisión o búsqueda. Me parece que es un balance; en algunos se puede encontrar una vuelta o algo nuevo, en otros recrear lo que había de otra manera, pero sé que el ciclo va a tener mucho de novedoso. Eso es lo que me gusta y sé que los artistas que convoqué van por ese lado, todos van a hacer su búsqueda y van a aportar distintos colores. Lucio Mantel va a tocar con el cuarteto de cuerdas y me parece una decisión buenísima. Yo voy a tocar con todo el grupo, pero también lo voy a ir dosificando; como tengo la parte de banda y la parte de los instrumentos tradicionales, voy a ir balanceando qué voy usando en los temas. En mi caso invito a Tweety Gonzáles en un tema y vamos a hacer A punto de caer los dos solos, también invité a Emme para cantar Estoy parado en el medio de la vida. Está prometedor.

- ¿Cómo pensás a Charly García músico y artista?

- Yo lo asocio mucho con la imágen completa, con tener la idea... como el tipo que va a empezar a pintar algo y tiene todo el cuadro en la cabeza, el mundo latente. Eso es lo que yo más destaco. Vos te das cuenta que cada elemento está puesto porque es necesario y ahí se dan la mano composición, arreglo, producción, letra, título del tema, título del disco... Esos son los músicos que más me influenciaron, que más admiro. Lo veo mucho en Charly, en Chico Buarque y te diría que no en muchos más. Hasta a Spinetta lo veo distinto en ese sentido, mucho más completado por las bandas que armó, con otra forma de hacer, donde el hacer implica otra forma de rodearse, otros aportes. Digamos, no es el mismo el aporte de... no me quiero meter en terrenos complicados (risas), pero no es lo mismo Mono Fontana a Spinetta que el negro García López a Charly, por decir algo ¿no? En el espíritu hay búsquedas que se nutren mucho más de los demás y de incluir eso, y hay búsquedas que vos sentís que el tipo tiene todo en la cabeza y hay que dejarlo que lo refleje. Yo a Charly lo veo en ese lugar. Desde lo que parece más esencial hasta lo más accesorio está todo dialogando y en equilibrio. Eso es porque estaba la visión de antemano del tipo que dice 'voy a hacer una orquestación' y tiene en la cabeza cómo va a sonar el fagot con el píccolo o la flauta (...) Eso se escucha hasta en la intención, hasta te diría en cómo fue hecho, tocado y grabado. Hay una frescura que tiene cada elemento que claramente surge de ahí, de tener en claro que es eso, 'vamos a hacer esto'. Siento que en Charly no hay prueba y error, hay prueba y...sin error (risas).

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Cronograma de discos y artistas:

Jueves 6: Confesiones de invierno -  Alfonso Barbieri con su grupo / Javier Maldonado con su grupo
Viernes 7: Peperina - Darío Jalfin & los alquimistas / Melina Moguilevsky con su grupo
Jueves 13: Yendo de la cama al linving - Tatadíos & Florencia Ruiz / Chau Coco & Manu Eguía
Jueves 14: Piano Bar - Rosal / Lucio Mantel
Jueves 23: Concierto especial. Participan todos los invitados al ciclo y se suma Santiago Vázquez


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"El Príncipe entendía cuál era su misión más allá de la trascendencia que pudiera tener su música"


A pocos días del 3er Homenaje al Príncipe, Gabriel Destéfano y María Pía Lacelli, sus organizadores, nos detallan en qué consiste y cómo se preparan para una noche de cine y música [Nota: no será el 8/10, sino que se reprograma para el 30/10 fruto de las clausuras persecutorias a las que están siendo sometidos los espacios culturales].

¿Cómo surge la idea de homenajear al Príncipe?

Pía: Surgió estando en Uruguay de vacaciones y escuchando mucho su música. Veníamos escuchándolo, pero en ese viaje se sintetizaron cuestiones musicales y afectivas. Hablábamos con amigos en Buenos Aires y en Uruguay, y veíamos que el Príncipe no se conocía tanto. Ese fue el disparador. Un día tomando mate en la playa dijimos de armar una tocada y apareció la posibilidad de pasar La cocina, la película de Willy Villalobos que había visto Gaby.

Gabriel: Yo la había visto en You Tube. Después se la quise mostrar a un amigo y ya no estaba.

Pía: Todo eso se condensó en la idea de hacer un festival que se fue creando a sí mismo. Lo empezamos a armar [en 2015] y la primera noche [en abril] estuvo lleno de gente, con un montón de músicos tocando. Fue muy impresionante para nosotros porque se gestionó casi solo.

Gabriel: Yo el primer tema de El Príncipe lo escuché cuando ustedes hicieron el festival de La Tribu [se refiere a los conciertos de celebración por los 20 años de la radio en que Gabriel escuchó por primera vez una canción del Príncipe por Gonzalo Aloras] y todo se fue dando de esa forma. Conozco a los chicos de Ciruelo por un homenaje a Spinetta, hablo con ellos, me doy cuenta de que tocan Polenta. Se fueron cerrando un montón de cosas de esa manera. Lo mismo cuando hicimos el primer festival, fue mucha más gente de la que entraba en el lugar y conseguimos tocar afuera. En un punto parecía que su aura estaba ahí moviendo las fichas y nosotros un poco nos sentimos así, porque esa música y ese mensaje de él...Por eso pasamos la película, porque nos parece que es un complemento muy contundente de lo que es el mensaje de sus canciones, de cómo vivía la música y de la convicción que tenía él de que eso iba andar, que no dependía de que él estuviese acá o no, que iba a llegar a la gente, iba a taner un impacto. En ese plan nosotros nos sentimos un instrumento más del rodaje que va a tener la música del Príncipe. Todavía hay mucho material que va saliendo. Este año salió un disco nuevo que publicó Eli- U, son grabaciones caseras, pero al toque que salió eso nosotros hicimos el segundo festival y algunos de los chicos ya sacaron esos temas para tocar, entonces es algo que genera mucho entusiasmo en los que participamos.

- ¿Qué generó en ustedes musicalmente El Príncipe y qué les genera verlo en la película?

Gabriel: Para mí su testimonio en la película es muy fuerte. La música me impactó. No sólo la música, también la imagen en video. Yo lo primero que ví, después de escuchar la versión de Chiquito de Aloras,  fue Imaginando buenas, el video de El Recital que está en You Tube. Fue muy fuerte, él con un saco rojo y tocando esas canciones con un nivel de improvisación y de juego muy fuerte. Para mí condensaba cosas que siempre me gustaron mucho como la cuestión armónica y rítmica brasilera, y esa impronta bien rioplatense. Y cuando terminé con eso vi la película y encontré un tipo que aborda eso cien por cien, que entendía cuál era su misión más allá de la trascendencia que pudiera tener su música en su círculo o de la cantidad de gente que lo escuchara. Es muy fuerte hoy en día. Hace unos días estábamos viendo el trailer con la escena de Polenta y es muy emotivo, hay una convicción muy poderosa, no sólo a nivel de artista o músico, sino también de cómo abordar el quehacer de cada uno, cómo lo significás. ¿Si perdés todo seguís siendo vos o no sos nada? Todo eso es muy fuerte, sobre todo en un medio que se mide por likes, por bajadas, por cuánta gente te conoce o no... Ante eso hay un tipo que está con la camisa que tiene, como está, y es feliz haciendo lo que hace, convencido de que es su misión.

Pía: Es un artista que genera mucha libertad, alcanza momentos de sensibilidad que no cualquier músico genera. Está en otro nivel, como Spinetta acá. Frente a la escena actual, es fundamental rescatar estas personas que traen un mensaje que genera libertad. Para los músicos tener esos referentes y saber que existen esas personas, está bueno como fuente de inspiración y de disfrute. Cuando vas al centro de todo, la música es llegar a una conexión espiritual o interna. 

- ¿Cómo va a ser el desarrollo de la noche del sábado?

Pia: La idea es abrir las puertas 20.30 y a las 21.00 proyectar La cocina. Cuando termina la peli Willy se acerca, dice un par de cosas y deja que la gente le pregunte cosas. No es un monólogo. Eso está bueno porque le preguntan muchas cosas, está bueno terminar de ver la pelícual y tener al que la hizo ahí. Hay un grilla de 9 bandas entre dúos, tríos y bandas. Además hay tres amigas que exponen fotos de Uruguay.

"El Príncipe entendía cuál era su misión más allá de la trascendencia que pudiera tener en su círculo o de la cantidad de gente que lo escuchara. Es muy fuerte hoy en día. Estábamos viendo el trailer con la escena de Polenta y es muy emotivo, hay una convicción muy poderosa, no sólo a nivel de artista o músico, la película habla de muchas cosas, de cómo abordar el quehacer de cada uno, cómo lo significás. ¿Si perdés todo seguís siendo vos o no sos nada? Todo eso es muy fuerte, sobre todo en un medio que se mide por likes, por bajadas, por cuánta gente te conoce o no... Ante eso hay un tipo que está con la camisa que tiene, como está, y es feliz haciendo lo que hace y está convencido que es su misión y la aborda cien por ciento" (Gabriel Destéfano)

- ¿Qué recuerdos guardan de los festivales anteriores?

Pía: Nuestra idea era juntarnos con amigos a tocar y de repente se empezó a hacer grande. Después del primer festival, un chico escribió que había conocido al Príncipe porque cayó no sé cómo ahí, le había encantado la música y la quería tocar, entonces pedía si alguien tenía un cifrado. Ese fue el primer indicio de que iba por ahí. Colaborar para que una persona en el mundo haya conocido esa música fue objetivo cumplido. Eso sigue ocurriendo.

Gabriel: Hay mucha gente que nos escribe. Gente de La Plata y de Uruguay.

Pía: Siempre caen mensajes de gente de Uruguay que dicen: 'Vengan a hacerlo acá'.

Gabriel: O dicen: 'Quiero ir' o 'Voy a ver si me tomo el barco'. Y es re fuerte. Para nosotros sería hermoso ir a tocar allá música del Príncipe para gente que está con ganas de escuchar eso en vivo.

- Para cerrar les pido que elijan una canción suya.

Gabriel: Une creo que sintetiza todo lo que El Príncipe quería decir con su música y su manera de vivir.